6 tác phẩm nghệ thuật quý hiếm từ các bảo tàng có thể sở hữu miễn phí

Được biết đến như một trong những người tiên phong của nghệ thuật trừu tượng thế kỷ 20, họa sĩ người Hà Lan Piet Mondrian đã để lại dấu ấn khó phai mờ trong thế giới nghệ thuật với loạt tác phẩm Composition mang tính biểu tượng. Chính những tác phẩm này sau đó đã trở thành nguồn cảm hứng bất tận cho nhiều nghệ sĩ, nhà thiết kế, trong đó có Yves Saint Laurent với những chiếc váy Mondrian biểu tượng.

Tuy nhiên, hành trình nghệ thuật của Mondrian lại bắt đầu khiêm tốn từ phong cảnh thanh bình của quê hương Hà Lan, đặc biệt là những vùng đồng bằng bao quanh trang trại nhỏ. 

Đừng bỏ lỡ: Họa sỹ Đoàn Văn Tới - Thực hành nghệ thuật để nhìn thấy chính mình

“Farm near Duivendrecht”, một trong những tác phẩm đầu tay của Mondrian từ năm 1905, không chỉ là một bức tranh mà còn thể hiện cho một tình yêu dai dẳng. Cảnh quê hương này đã đồng hành cùng ông suốt hành trình sáng tạo, trở thành nguồn cảm hứng bất tận, thậm chí là nơi ông tìm đến để tái tạo năng lượng sau những thử nghiệm táo bạo với trường phái Lập thể. 

Tác phẩm được sáng tác năm 1916, hiện đang được trưng bày tại Viện Nghệ thuật Chicago (Art Institute of Chicago), là minh chứng cho tình cảm sâu nặng của Mondrian dành cho quê hương.

Đọc thêm: Prix Versailles công bố những bảo tàng đẹp nhất thế giới năm 2024

Manet, Renoir, Pissarro, Degas và Monet đều là những tên tuổi lớn đã dẫn đầu phong trào Ấn tượng ở Pháp, nhưng chính họa sĩ người Mỹ Childe Hassam mới đóng vai trò quan trọng trong việc phổ biến nghệ thuật Ấn tượng ở bên kia Đại Tây Dương.

Sau khi trau dồi kỹ năng tại Académie Julian, Hassam đã mang tinh hoa của trường phái Ấn tượng Pháp trở về Mỹ. Ông khéo léo kết hợp những nét vẽ tinh tế, ánh sáng lung linh đặc trưng của trường phái này với những quan sát tinh tế về cuộc sống đô thị và cảnh quan nước Mỹ, điển hình như quê hương Boston của ông và New York, nơi ông định cư sau khi trở về từ Paris.

Thông qua tác phẩm “New York Street”, Hassam đã khắc họa sự nhộn nhịp của Đại lộ thứ Năm (Fifth Avenue) dọc theo Công viên Trung tâm (Central Park). Với những nét cọ ngắn, rực rỡ màu sắc từ đỏ đến vàng, Hassam đã thổi sức sống vào cảnh quan mùa đông u buồn trắng xám.

Xem thêm: 7 công trình biểu tượng từng xuất hiện trong các buổi diễn thời trang danh tiếng

Joaquín Sorolla là bậc thầy ánh sáng và màu sắc đã để lại dấu ấn sâu đậm với những bức tranh chân thực, sống động về bầu không khí sôi động của Tây Ban Nha ngập tràn ánh nắng. Joaquín Sorolla được ca ngợi là một trong những họa sĩ vĩ đại nhất xứ sở bò tót.

Bộ sưu tập 10 bức tranh bãi biển Ấn tượng của ông được tỷ phú J. Paul Getty mua lại vào năm 1922. Đây không chỉ là một kho tàng nghệ thuật quý giá mà còn là một minh chứng sinh động cho tài năng của họa sĩ.

Đừng bỏ lỡ: Home tour: Căn hộ nghệ thuật giữa lòng New York

Trong số hơn 88.000 tác phẩm nghệ thuật trong bộ sưu tập công cộng này, “The Wounded Foot” như một mô tả tinh tế về khả năng nắm bắt khoảnh khắc thoáng qua của ánh sáng, nước và sự tương tác của con người. Là tác phẩm trực họa khi Sorolla đang ở trên bãi biển Valencia, khung cảnh rung động với sự sống, khi những sắc màu nhảy múa trên bức tranh, phản chiếu và định hình dáng dấp các nhân vật và biển cả.

Trong “The Wounded Foot”, con mắt tinh tường của Sorolla thể hiện rõ qua chuyển động của ánh sáng trên vai đứa trẻ bị thương và cát xung quanh bàn chân của cô bé. Bố cục có phần “lệch chuẩn” với cánh tay của đứa trẻ bên trái bị che khuất đã tạo nên sự ngẫu nhiên, như thể người xem đã tình cờ bắt gặp khoảnh khắc hồn nhiên của hai đứa trẻ trên bờ biển.

Đọc thêm: Nhà thiết kế Hồng Kông cách tân di sản Pháp từ thế kỷ 17

Thường bị nhầm lẫn là một nghệ sĩ Pre-Raphael, nhưng họa sĩ John William Godward là người theo đuổi thẩm mỹ Tân cổ điển thời Victoria. Dù có sự khác biệt này, Godward vẫn cởi mở với phong trào Pre-Raphael, ca ngợi niềm nền văn minh Cổ đại, đặc biệt là La Mã cổ đại. Những tác phẩm của ông được mô tả tỉ mỉ trong từng chi tiết, nhất là khi ông cố gắng tái hiện kết cấu đá cẩm thạch, cánh hoa dại mong manh và sự mềm mại của nữ giới. Các chi tiết này như lời cam kết của ông với tính chân thực trong hội họa cổ điển.

“Reverie (In the Days of Sappho)” mang đến cái nhìn trực quan về khả năng sắp xếp bố cục của William Godward, cũng như kỹ năng khơi gợi tinh thần lãng mạn.

Lấy bối cảnh vùng Địa Trung Hải, một người phụ nữ trẻ với mái tóc đen bóng được khắc họa trong khoảnh khắc chiêm nghiệm, bao quanh bởi hình ảnh của lụa, lông thú và đá cẩm thạch. Godward đã thể hiện những chất liệu này với mức độ chân thực đáng kinh ngạc, thông qua sự kết hợp tinh tế của màu sắc. Từ màu hồng dịu của váy toga, ruy băng vàng và chiếc áo stola thêu hoa văn xanh Hy Lạp, từng lớp màu như tăng thêm chiều sâu và nét mềm mại, tương phản với bố cục chặt chẽ và chất liệu cứng cáp của đá cẩm thạch.

Mặc dù phong cách của Godward không còn phổ biến trong thời hiện đại, các bức tranh sống động và gợi cảm của ông vẫn sẵn sàng cho công chúng truy cập miễn phí tại Bảo tàng Getty.

Xem thêm: [Exclusive] Sưu tầm và giám tuyển nghệ thuật - lời khuyên độc quyền từ các chuyên gia hàng đầu

Tác phẩm “A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte” của Georges Seurat chắc chắn là một trong những tác phẩm mang tính biểu tượng nhất của nghệ thuật hậu Ấn tượng Pháp. Trong khi nhiều người có thể nhận ra bức tranh này qua hình ảnh mô tả các hoạt động thư giãn trong công viên trên đảo, những người khác có thể nhớ lại nó qua các tài liệu tham khảo văn hóa, điển hình như vở nhạc kịch “Sunday in the Park with George” của James Lapine và Stephen Sondheim, hoặc “Ferris Bueller's Day Off” của John Hughes.

Trong “Gray Weather, Grande Jatte”, Georges Seurat đã khéo léo nắm bắt được sự trong trẻo sống động của thiên nhiên ngoài trời, sử dụng kỹ thuật Divisionism và Pointillism sáng tạo của mình. Bằng cách áp dụng các chấm màu nhỏ độc lập vào các chi tiết, Seurat tạo ra các sắc thái về ánh sáng và không gian, cho phép màu sắc hòa trộn liền mạch trong mắt người xem.

Được triển lãm lần đầu vào năm 1889, “Gray Weather, Grande Jatte” hiện là một phần trong bộ sưu tập cộng đồng của Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, cho phép công chúng quyền truy cập miễn phí vào kiệt tác vượt thời gian này.

Đừng bỏ lỡ: 9 phòng hòa nhạc ngoạn mục thể hiện sự xuất sắc về kiến trúc bên trong và bên ngoài

William Merritt Chase là họa sỹ nổi bật của trường phái Ấn tượng. Ông đã thể hiện tài năng vượt trội qua nhiều loại hình nghệ thuật như tranh sơn dầu, phấn màu, màu nước và khắc axit (etching), đặc biệt là trong các tác phẩm chân dung và phong cảnh.

Tuy nhiên, tranh tĩnh vật vẫn giữ một vị trí đặc biệt trong lòng ông từ thời còn là sinh viên kéo dài đến suốt sự nghiệp. William Merritt Chase khéo léo khắc họa ánh sáng trên các bề mặt kim loại như bát và bình đồng, đồng thời ông không ngừng thử sức với những bức tranh về “cá chết” - chủ đề mà ông ưa thích nhất.

Chase có một thói quen độc đáo: ông thường mua cá, tốc ký, rồi mang trở lại chợ trước khi chúng bị ươn. Phương pháp này không chỉ thể hiện kỹ thuật điêu luyện mà còn cho thấy sự cống hiến của ông trong việc bắt trọn hiệu ứng ánh sáng và kết cấu tạm thời của vật thể.

Đọc thêm: Trưng bày tác phẩm nghệ thuật trong nhà sao cho tinh tế?

“Still Life: Fish” biểu trưng cho sự tinh thông của vị họa sỹ trong thể loại này. Thông qua nét cọ táo bạo, gợi nhớ đến những bức tĩnh vật Tây Ban Nha thế kỷ 17, ông đã biến một cảnh vật tưởng chừng như tầm thường - một đĩa cá vược sọc và cá hồi trên mặt bàn và một chiếc bát trên nền tối màu - thành tác phẩm hấp dẫn với nét duyên dáng và quyến rũ.

Chase đã thành lập Chase School, sau này là Trường Thiết kế Parsons (Parsons School of Design). Các tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý của ông được trưng bày và cung cấp trong phạm vi công cộng, thông qua Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan.

Bài viết được chuyển ngữ từ bài viết gốc “6 rare artworks from museums you can own for free” của Celeste Goh, đăng trên Tatler Malaysia.

ĐỌC THÊM

Quasar Khanh: Di sản hoàng kim

Home tour: Tổ ấm của Kourtney Kardashian ở Nam California

Home tour: Không gian tái sinh từ di sản