Cover Die wahre Poesie der Filmkunst offenbart sich in ihrer grenzenlosen, visuellen Kreativität.
Die wahre Poesie der Filmkunst offenbart sich in ihrer grenzenlosen, visuellen Kreativität.
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Ähnlich wie in der Poesie liegt die Magie der Filmkunst in der grenzenlosen Kreativität der Vorstellungskraft. Sie durchdringt Bewusstsein und Unterbewusstsein und erschafft durch die einzigartige “Sprache” jedes Regisseurs eine völlig neue Perspektive auf die Welt.
Eine junge Frau mit rotem Pixie-Schnitt geht durch eine überfüllte Straße. Die Zeitlupenaufnahme scheint die Zeit anhalten zu wollen, bevor — bumm — der Unfall passiert und das Chaos ausbricht. Ein Mann mit verhärmtem Gesicht, in einem zerknitterten Sakko und einer schmutzigen roten Kappe, wandert ziellos entlang der Eisenbahnschienen durch die weite Landschaft von Paris (die eigentlich in Texas, USA, liegt). In der Ferne zwitschern Vögel, während eine Frau durch ein Feld aus verdorrtem Gras schreitet. Trommelklänge setzen ein, gefolgt von Gitarre und Violine, und sie beginnt wie im Rausch zu tanzen.
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Für uns sind dies zutiefst poetische Szenen, die das Gedächtnis willkürlich aus Werken wie “Hautnah” (2004) von Mike Nichols, “Paris, Texas” (1984) von Wim Wenders und “Mother” (2009) von Bong Joon-ho “herausgeschnitten” hat. Dies sind nur einige von unzähligen “poetischen” Momenten, die die Magie der Filmkunst ausmachen, selbst wenn die Regisseure hinter diesen Werken nicht immer primär für eine poetische Filmsprache bekannt sind. Genau diese kreative Vielfalt wirft die Frage auf: Was macht wahre Poesie in der Filmkunst eigentlich aus? Warum werden bestimmte Filmemacher und Werke als poetischer empfunden als andere?
Above Der Film “Inside the Yellow Cocoon Shell” von Pham Thien An ist wunderschön und melancholisch, mit Aufnahmen, die die wahre Filmkunst zelebrieren. (Foto: JK Film)
Der Film “Inside the Yellow Cocoon Shell” von Pham Thien An ist wunderschön und melancholisch, mit Aufnahmen, die die wahre Filmkunst zelebrieren. (Foto: JK Film)
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Unter den zahllosen Definitionen von Poesie bietet Carl Phillips — ein renommierter zeitgenössischer amerikanischer Dichter — wohl eine der faszinierendsten Perspektiven. Für ihn erlaubt uns die Poesie (sowohl den Schaffenden als auch dem Publikum), die Welt auf eine bisher ungesehene Weise zu betrachten. Er argumentiert, dass Poesie besonders einnehmend ist, da sie einen Pakt zwischen Bewusstsein und Unterbewusstsein schließt; jeder Dichter erschafft unaufhörlich aus der Tiefe seiner eigenen Vorstellungskraft.
Regisseur Tran Anh Hung, dessen Name unweigerlich mit einer “poetischen Sprache der Filmkunst” verbunden ist, vertritt die Ansicht, dass Kunst in erster Linie eine Frage der Perspektive und nicht des bloßen Inhalts ist. Er betont, dass ein Filmemacher das Besondere im Alltäglichen finden muss. Seine Sicht auf die Filmkunst ähnelt der von Carl Phillips: Die Frische der Welt entspringt dem Blickwinkel, nicht dem Gegenstand selbst. Die wahre Aufgabe des Regisseurs besteht darin, genau diesen einzigartigen Blickwinkel meisterhaft zu vermitteln.
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Dichter und Filmemacher scheinen Aristoteles' Prinzipien der Mimesis und Katharsis verinnerlicht zu haben. Poetische Filmwerke erzählen nicht nur eine Geschichte oder liefern schlichte Bedeutungen, sondern sie bringen eine tiefe Lyrik mit sich und verweigern sich mitunter einer klassischen Narration. Regisseure, die für ihre poetische Filmkunst gefeiert werden, legen über die Handlung hinaus größten Wert auf ästhetische Brillanz: Kamerawinkel, Rhythmus und Lichtsetzung. Sie kreieren lyrische Bilderwelten, die weniger erzählt als vielmehr gefühlt werden wollen.
Above Das Meisterwerk “The Tree of Life” von Regisseur Terrence Malick fasziniert durch eine geheimnisvolle und zugleich betörende Bildsprache in der Filmkunst. (Foto: Fox Searchlight Pictures)
Das Meisterwerk “The Tree of Life” von Regisseur Terrence Malick fasziniert durch eine geheimnisvolle und zugleich betörende Bildsprache in der Filmkunst. (Foto: Fox Searchlight Pictures)
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Wenn man einen Film als Text betrachtet, kann man ihn “lesen”. Ist ein Film besonders poetisch, bedeutet dies, dass man ihn förmlich rezitieren oder “aufsaugen” kann. Doch statt auf Worte, Metrum und Reim, stützt sich die Filmkunst auf Bilder, Töne, Licht, Rhythmus und Dialoge (oder faszinierende Stille). Europäische Filmemacher wie Chantal Akerman (Belgien), Michelangelo Antonioni (Italien), Krzysztof Kieślowski (Polen) und Theo Angelopoulos (Griechenland) werden für ihre poetische Tiefe geschätzt, da sie durch einzigartige Darstellungsformen brillieren, anstatt bloß zu erzählen.
Viele sowjetische Regisseure werden vom Publikum für ihre tiefgründige Filmkunst verehrt, allen voran Andrei Tarkowski und Sergei Paradschanow. Tarkowski wurde stark von seinem Vater, dem Dichter Arseni Tarkowski, beeinflusst. Werke wie “Solaris” oder “Stalker” besitzen eine träumerische, fast surreale Science-Fiction-Ästhetik, die tief in das menschliche Unterbewusstsein vordringt. Paradschanows Meisterwerke wiederum entfalten ihre Poesie durch bildgewaltige, oft rätselhafte Metaphern. Seine Filme, darunter “Schatten vergessener Ahnen” und “Die Farbe des Granatapfels”, ragen durch lebendige Bildkompositionen und geradezu malerische Nuancen heraus.
Die Poesie der Filmkunst drückt sich manchmal auch in einer meditativen Stille aus — in dem Gefühl, dass die Ewigkeit in jedem einzelnen Bildkader “nachgeahmt und gereinigt” wird. Die ruhigen Einstellungen in den Werken des japanischen Meisters Yasujirō Ozu, etwa in “Die Reise nach Tokyo” oder “Später Frühling”, wirken wie filmische Haikus: Sie sagen mit wenigen Mitteln unendlich viel.
Die Wegbereiter der südkoreanischen Nouvelle Vague — Park Chan-wook, Kim Ki-duk, Bong Joon-ho und später Lee Chang-dong — zeichnen sich durch markante, oft kontrastreiche und teils gewalttätige Handschriften aus. Dennoch schafft Park Chan-wook zutiefst poetische Bilderwelten, wie etwa die bittere Verzweiflung im weißen Schnee von “Oldboy”. Kim Ki-duk fasziniert mit “Frühling, Sommer, Herbst, Winter... und Frühling”. Auch Lee Chang-dong beschwört herausragende lyrische Kompositionen herauf, wofür “Burning” ein exzellentes Beispiel ist.
Wong Kar-wai mit seiner unverwechselbaren Ästhetik gilt seit Langem als einer der poetischsten Filmemacher — nicht nur in Hongkong, sondern weltweit. Seine Werke fangen stets eine besondere Stimmung, Farben und den Puls einer Metropole ein. Meisterwerke wie “Days of Being Wild”, “Chungking Express”, “In the Mood for Love” und “2046” besitzen einen einzigartigen visuellen Stil, der eine virtuose Balance zwischen Romantik und Realität hält.
Above Eine herausragende Szene der asiatischen Filmkunst aus dem Werk “Inside the Yellow Cocoon Shell” von Pham Thien An.
Eine herausragende Szene der asiatischen Filmkunst aus dem Werk “Inside the Yellow Cocoon Shell” von Pham Thien An.
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Im Vietnamesischen gibt es den wunderschönen Ausdruck “nên thơ” (poetisch oder malerisch). Menschen, Landschaften, eine bestimmte Szenerie oder, spezifischer gesagt, Werke wie “Cánh đồng hoang” (Das wilde Feld), “Ein Sommer in Hanoi”, “Die Guavensaison” oder “Der Büffeljunge” — sie alle sind im wahrsten Sinne des Wortes “nên thơ”. Gerade wegen dieser poetischen Natur müssen sie festgehalten werden. Der Künstler strebt danach, diese “Szenerie” mit allen verfügbaren Mitteln zu rekonstruieren: durch das Schreiben von Gedichten, das Erzählen von Geschichten, Fotografie, Malerei, Musik oder eben durch die Filmkunst. Das “Poetische” ist nie bloß das Äußere; es ist immer auch ein Spiegelbild des Innenlebens des Betrachters. Diese Eigenschaft dient dem Künstler nicht nur als Inspiration, sondern auch als fundamentales Ausdrucksmittel. Wahrscheinlich ist die Poesie der Filmkunst letztlich das Resultat der unaufhörlichen Schöpferkraft der Fantasie, die das Bewusstsein durchquert und durch die individuelle Bildsprache des Regisseurs eine neue Weltanschauung formt.
Dieses Poetische durch das innere Prisma des Filmemachers darzustellen, erfordert eine meisterhafte Praxis. Sie wählen einen Blickwinkel durch ein Blätterdach oder filtern bestimmte Geräusche heraus. Die flirrende Hitze in “Ein Sommer in Hanoi”, gefolgt von einem plötzlichen, heftigen Regenschauer, der in ein Wasserfass prasselt — das ist die Essenz der Poesie durch die Linse von Tran Anh Hung. Das leuchtende Grün, das an Blätter, Guaven oder das Leben selbst erinnert, ist die Art und Weise, wie Dang Nhat Minh es in “Die Guavensaison” in poetische Bilder übersetzt.
Im zeitgenössischen vietnamesischen Kino, in dem kommerzielle Produktionen weite Teile des Marktes dominieren, gelingt es dennoch einigen unabhängigen Arthouse-Regisseuren, diese lyrische Qualität auf die Leinwand zu bannen. Pham Thien An wagt sich mit hochgradig kontemplativen Werken wie “Inside the Yellow Cocoon Shell” in spirituelle Sphären vor; während Leon Le in Filmen wie “Song Lang” und “Quán Kỳ Nam” meisterhaft kulturelle Erinnerungen und das Lebensgefühl vergangener Tage nostalgisch rekonstruiert.
Die Poesie der Filmkunst ist keineswegs immer nur sanft. Manchmal offenbart sie sich in intensiven, aufrüttelnden Bildern, wie in dem Dokumentarfilm “The Eternal Springtime” des Regisseurs Viet Vu, oder in den metaphorisch aufgeladenen Schwarz-Weiß-Aufnahmen von Pham Ngoc Lan. Die oberste Prämisse der Filmkunst lautet “Show, don't tell” (Zeigen, nicht erzählen). Und die Poesie des vietnamesischen Kinos entfaltet sich genau in dieser unverwechselbaren Art des Zeigens, die jeder Regisseur auf seine ganz eigene, brillante Weise beherrscht.
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