Die Einsamkeit des Himmels: Dirigent Nguyễn Khắc Thành

Rachmaninows Paganini-Rhapsodie ist stets ein harter Prüfstein für jeden Dirigenten. Leonard Bernstein interpretierte dieses Werk einst als eine späte psychologische Tragödie der Romantik; Claudio Abbado ließ die musikalische Architektur mit klassischer Weisheit für sich selbst sprechen; während Waleri Gergijew es in die dunklen Sphären des russischen Schicksals zog. An diesem Konzertabend in Hanoi wählte Nguyễn Khắc Thành einen weitaus diskreteren und rationaleren Weg: Er las Rachmaninow wie ein Architekt.

Schon bei den ersten Variationen wurde ein extrem stabiler Grundrhythmus etabliert. Dies ist absolut überlebenswichtig in einem Werk, das voll von l’istesso tempo-Anweisungen ist — dort, wo das trügerische Gefühl für Bewegung sehr leicht das Gehör der Musiker und des Publikums täuschen kann. Das Orchester wurde besonnen geführt und ließ sich nicht in die Falle locken, Paganini als ein bloßes technisches Zirkusstück darzubieten — ein Fehler, dem viele jüngere Ensembles allzu oft verfallen.

Der ästhetische Höhepunkt des Werkes liegt zweifellos in der Variation 18. Rachmaninow kehrt die Paganini-Melodie um, wechselt nach Des-Dur und erschafft damit eine der berühmtesten lyrischen Passagen des 20. Jahrhunderts. Der übliche Reflex vieler Dirigenten besteht darin, das Tempo massiv zu drosseln, den Streicherklang zu verdichten und die Dramatik auf die Spitze zu treiben, um die Emotionen der Zuhörer restlos auszuschöpfen. Nguyễn Khắc Thành verweigert sich dieser emotionalen Manipulation. Er hält das Tempo vollkommen konstant. Die Streicher spielen sanft, ohne den akustischen Raum zu überladen, und lassen der Struktur genügend Platz zum “Atmen”. Der Höhepunkt erreicht exakt seinen Fallpunkt, entfaltet sich in angemessenem Maß und schließt dann elegant, damit das Werk weiterhin konsequent nach seiner inneren Logik funktionieren kann.

Am Ende — wo Rachmaninow mit einer fast schon scherzhaften Geste schließt — wählt Thành einen entschiedenen, abrupten Stopp. Er verlängert den Nachklang bewusst nicht. Er verstärkt die Romantik nicht noch künstlich. Das Orchester hält exakt an der vorgesehenen Stelle inne.

Hier offenbart seine künstlerische Entscheidung eine kristallklare Dirigierphilosophie. Für Nguyễn Khắc Thành ist das Dirigieren nicht die Kunst der unmittelbaren, flüchtigen Emotion, sondern die Ethik der Struktur. Stille ist kein leerer Raum, sondern ein integraler Teil der Form. Disziplin eliminiert die Emotion keineswegs, sondern schützt sie vor reiner Oberflächlichkeit. Es ist ein ästhetischer Standpunkt, der in einer Ära, in der die Zurschaustellung des Egos verehrt wird und das Bild des unantastbaren Star-Dirigenten — geprägt von Macht, Symbolik und Performance — oft im Zentrum steht, der Minderheit angehört. Nguyễn Khắc Thành repräsentiert ein gänzlich anderes Modell: Er ist ein Architekt der Struktur, ein Koordinator von Bedeutung, der seine Autorität nicht aus dem eigenen, persönlichen Glanz zieht, sondern aus der Brillanz in Rhythmus und der Transparenz im Denken.

„Mit der Violine erzeugt der Künstler Klang. Als Dirigent wende ich mich jedoch dem Orchester zu, trete in einen Dialog mit den Strukturen und leite das Stück.“ - Dirigent Nguyen Khac Thanh

Dieser herausragende Weg ist jedoch keine späte Eingebung. Bevor er das Dirigentenpult überhaupt betrat, war Nguyễn Khắc Thành ein meisterhafter Geiger mit einem emotional unglaublich reichen Klang und einer deutlichen persönlichen Handschrift. Bis heute behält er stolz seine Position als Konzertmeister im Orchester bei — eine ungewöhnliche, ja sogar höchst riskante Entscheidung. Gleichzeitig den Taktstock und die Geige im Orchester zu halten, erfordert eine ständige intellektuelle Aufspaltung zwischen dem umfassenden Blick des Dirigenten und dem technischen Druck des Interpreten. Doch genau diese komplexe Position hat seinen einzigartigen Stil geprägt: Es ist eine Form der praktischen Empathie. Er kennt das beklemmende Gefühl einer schlechten Führung, das tiefe Unbehagen über unklare Dirigierbewegungen und auch die zutiefst menschliche Ermüdung der Musiker nach stundenlangen, erschöpfenden Proben.

Warum wendet sich ein derart erfolgreicher Geiger dem Dirigieren zu? Die Antwort von Nguyễn Khắc Thành ist eher philosophischer als karrierebezogener Natur: “Mit der Geige erzeugt der Künstler aktiv den Klang. Aber als Dirigent wende ich mich vollkommen dem Orchester zu, trete in einen intensiven Dialog mit den Strukturen und führe das musikalische Meisterwerk.” Es ist keinesfalls ein Verzicht auf Emotionen, sondern eine bewusste Verschiebung: vom bloßen Erschaffen des Klangs zur erhabenen Organisation der Bedeutung.

Dieser Traum begleitete ihn schon in sehr jungen Jahren. Als er zehn Jahre alt war und als kleiner Junge in Huế die Musik studierte, sagte Professor Lô Thanh einst zu seinen Eltern: “Ich glaube, dieser Junge ist dazu auserkoren, ein großer Orchesterdirigent zu werden.” Viele Jahrzehnte später wurde diese weise Prophezeiung zu einem stillen, aber unbeirrbaren Leitfaden — der ihn zwar langsam, aber stets zielgerichtet auf den richtigen Weg brachte.

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In den Proben ist Nguyễn Khắc Thành zweifellos als überaus strenger Charakter bekannt, auch wenn er nur sehr selten die Beherrschung verliert. Er schreit die Musiker fast nie an. Er erinnert lediglich daran. Er fordert schlichtweg eine Wiederholung. Und er schließt absolut keine Kompromisse, wenn der von ihm angestrebte, perfekte klangliche Standard noch nicht erreicht ist.

Wenn ein Musiker während der Probe einen falschen Einsatz hat oder das angestrebte Ziel noch nicht vollkommen erreicht, unterbricht er das Orchester nur äußerst selten, um sich in langwierigen Fachbegriffen zu verlieren. Sein am häufigsten formulierter Satz ist eine kurze, pointierte Frage: “Können Sie diese Passage vielleicht noch etwas schöner spielen?” Und oftmals fügt er gleich danach hinzu: “Ich glaube ganz fest daran, dass Sie das können.” Es gibt kein unnötiges Schimpfen und auch keine ausufernden ästhetischen Predigten.

Diese unnachgiebige Strenge entspringt einem künstlerischen Fundament von fast schon konträrer Natur. Er schloss sein Studium am Nationalen Musikkonservatorium mit höchster Auszeichnung ab, wobei er zwei völlig gegensätzliche Violinwerke brillant darbot: Introduction et Rondo Capriccioso von Saint-Saëns — überaus anmutig, extrem kontrolliert und raffiniert; sowie das Violinkonzert von Chatschaturjan — intensiv, rhythmisch enorm schwer und voller instinktiver, roher Energie. Im Nachhinein betrachtet ist das beinahe ein frühes musikalisches Porträt seiner selbst: ein fragiles, aber zugleich überaus dauerhaftes Gleichgewicht zwischen strengster Disziplin und wilder Spontanität.

In einem kulturellen Umfeld, in dem die klassische Musik in Vietnam allzu oft an den äußersten Rand des Unterhaltungslebens gedrängt wird, wird die eiserne Prinzipientreue von Nguyễn Khắc Thành zu einem unverrückbaren moralischen Anker. Er bekräftigte einmal eindrücklich: Ein gewöhnliches Jahresabschlusskonzert an einer Schule zu dirigieren, muss mit derselben absoluten Ernsthaftigkeit erfolgen wie ein prestigeträchtiger Auftritt im prächtigen Opernhaus von Hanoi. Für ihn mag sich zwar die äußere Räumlichkeit ändern, der unantastbare musikalische Standard hingegen bleibt für immer unveränderlich.

Projekte wie das ehrgeizige Luala Concert oder Konzertreisen in besonders entlegene ländliche Provinzen stellen für ihn keinerlei ästhetische Kompromisse dar. Unter akustisch extrem schwierigen Bedingungen sind die Anforderungen an das Orchester in Wahrheit sogar noch deutlich höher: Die Musiker müssen außerordentlich prägnant sowie klar spielen und die alleinige Verantwortung für ihren ganz eigenen Klang übernehmen.

Eine seiner tiefgreifendsten Erinnerungen sind nicht etwa die höflichen, zurückhaltenden Applaussalven in einem überaus luxuriösen Theater, sondern das berührende Bild von ethnischen Minderheiten und einfachen Gemeindemitarbeitern, die mühsam durch den strömenden Regen wateten und schließlich schlammbedeckt ankamen, nur um einer klassischen Symphonie beizuwohnen. Der Klang an jenem denkwürdigen Tag war gewiss nicht makellos, aber er war zutiefst authentisch. Die ehrlichen Ausrufe “Wie wunderschön!” oder “Ich liebe es!” von Menschen, die zuvor noch nie in ihrem Leben wussten, wer Mozart oder Beethoven überhaupt ist, besitzen ein Gewicht, das durch absolut keine professionelle Kritikerstimme jemals ersetzt werden könnte.

Nguyễn Khắc Thành betrachtet die teils vorherrschende Gleichgültigkeit der breiten Öffentlichkeit gegenüber symphonischer Musik keinesfalls als ein kulturelles Versagen, sondern lediglich als eine eklatante Bildungslücke. “Ästhetik ist kein angeborenes Talent, sondern schlichtweg eine Kompetenz, die gewissenhaft geschult wird”, konstatiert er treffend. Und exzellente Bildung erfordert, genau wie die anspruchsvolle Musik, ein Höchstmaß an Geduld. Er bezeichnet die großen klassischen Meisterwerke ehrfürchtig als “Berggipfel”: Beethoven, Brahms, Mahler — diese musikalischen Gipfel lassen keinerlei Form der Oberflächlichkeit zu. Es gibt keinen finalen, letzten Gipfel, sondern lediglich eine endlose, lebenslange Bergbesteigung.

Trotz seines überaus rationalen und streng disziplinierten Äußeren existiert in der Arbeitsweise von Nguyễn Khắc Thành ein sehr tiefes, persönliches Bedürfnis nach echter Verbundenheit. Wenn er auf der verantwortungsvollen Position des Konzertmeisters sitzt, pflegt er nach wie vor die Gewohnheit, aufmerksam in das Dunkel des Zuschauerraums zu blicken. “Ich möchte stets ein Gesicht finden — vielleicht sogar das Gesicht einer Frau”, verrät er mit einem halben Schmunzeln. Dies dient jedoch nicht dazu, die Musik künstlich zu romantisieren, sondern um effektiv zu verhindern, dass das Musizieren zu einer bloßen seelenlosen, technischen Handlung verkümmert.

Das exquisite Blue Sky Orchester repräsentiert seine jüngste Reise — es ist ein Ort, an dem er mutig experimentiert, um alte, ehrwürdige musikalische Architekturen mit neuer, zeitgenössischer Vitalität zu füllen, ohne deren feine innere Ordnung jemals zu zerstören. Es ist eine mitunter einsame musikalische Reise auf der ewigen Suche nach völlig neuen, noch unentdeckten Farben für die geschätzte Klassik.

Nguyễn Khắc Thành wählt bewusst ein gemächliches, bedachtes Tempo in einer modernen Welt, die oftmals die bloße Geschwindigkeit blind verehrt. Er glaubt standhaft an die innere Struktur in einer flüchtigen Ära, die überwiegend oberflächliche Emotionen bevorzugt. Dieser konsequente Weg ist nicht etwa deshalb einsam, weil es massiv an einem interessierten Publikum mangelt, sondern schlichtweg deshalb, weil es oft an wahren ästhetischen Verbündeten fehlt.

Doch exakt so wie der Himmel selbst, existiert die musikalische Struktur stets vollkommen erhaben oberhalb aller noch so kleinen Ausdrucksformen. Sie wird uns jedoch nur dann deutlich offenbar, wenn man bereit ist, ehrfürchtig nach oben zu blicken und ihre unermessliche Weite vorbehaltlos zu akzeptieren. Ob nun in einem ungemein prachtvollen Opernhaus oder aber auf dem rauen, windigen Innenhof eines Kunstmuseums, die Musik bedarf — wenn sie nur mit höchstem, ungeteiltem Respekt behandelt wird — keines falschen Versprechens, um geführt zu werden. Sie steht kraftvoll und aus ganz eigener Stärke, durch ihre eigene, vollendete Form.

Dieser Artikel erschien ursprünglich in der Ausgabe März 2025 von Tatler Vietnam

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