Aborder la recherche par le prisme de l’art

Ainsi, Eisner avance que la connaissance peut être formée par divers modes de pensée. L’art et l’expérience esthétique peuvent élargir la façon dont l’apprenant accède et interprète le monde, tout en offrant aux enseignants de nouveaux moyens de concevoir leurs leçons. Lorsque l’art est lié à l’expérience vécue, le savoir devient plus accessible et significatif. Comme le souligne l’écrivaine Margaret Atwood : “L’humain est une espèce qui crée de l’art, et l’art provient de la vie… Aucun personnage n’est irréel, nous écrivons toujours sur quelqu’un ayant existé d’une manière ou d’une autre dans nos vies”.

Dans la vision d’Eisner, l’expérience esthétique est liée au processus par lequel l’humain perçoit et comprend le monde. La compréhension commence souvent par des expériences sensorielles directes : formes, structures, textures, températures, odeurs ou saveurs. Par ces expériences, l’humain apprend à observer, distinguer et construire son savoir sur le monde qui l’entoure.

L’art n’agit donc pas seulement sur les émotions. Créer et apprécier l’art exige une capacité d’observation, d’interprétation et de connexion de multiples couches d’informations, ainsi qu’une compréhension des contextes sociaux, culturels et historiques. Chaque discipline artistique impose ses propres exigences en matière de techniques et de connaissances pour mener à bien toute recherche.

La connaissance esthétique ouvre de nouvelles voies pour structurer et reconstruire le savoir au-delà des mots et des chiffres. Le savoir n’est pas uniquement transmis par les méthodes classiques en classe, ni limité à la capacité de calcul. Tant Eisner que Maxine Greene, philosophe ayant apporté de nombreuses contributions à la pensée sur l’éducation et l’expérience esthétique postmoderne, affirmaient que toute connaissance n’est pas formée ou exprimée par le langage selon des moules conventionnels.

La connaissance naît aussi lorsque l’humain apprend à comprendre le monde à travers diverses formes d’expression quotidienne telles que les arts visuels, la musique, le mouvement ou les arts du spectacle. Grâce à ces modes de perception, l’individu accède à l’expérience de vie et à la culture sous de multiples angles, formant ainsi de nouveaux savoirs profonds lors de sa recherche.

Dans l’art, l’ambiguïté devient un lien entre information et émotion. Elle est nécessaire pour nourrir l’esprit de recherche et les questionnements permanents du chercheur. Toutes les questions n’ont pas une réponse unique. Les approches par l’art permettent de poser de multiples questions, d’observer un problème sous divers angles tout en saisissant ses strates de sens. C’est cette ambiguïté qui crée l’espace nécessaire au doute et à la réflexion, nous évitant de chercher des solutions de manière mécanique.

Lors de la cognition artistique, la manière dont un fait est exprimé est indissociable de ce qui est exprimé ; le contenu et la forme vont de pair. Une légère inflexion de voix, une hésitation ou un soupçon de mélancolie peuvent contenir des significations multiples. Ces nuances contribuent à transmettre l’information et à construire le sens lors d’une recherche.

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Patricia Leavy est sans doute l’une des chercheuses les plus citées lorsqu’il s’agit de méthodes de recherche fondées sur les arts. Ancienne professeure associée de sociologie à l’Université de Boston, elle œuvre aujourd’hui en tant que chercheuse indépendante et auteure de fiction, utilisant souvent des matériaux ancrés dans la culture populaire pour ses œuvres.

Selon Patricia Leavy, la recherche fondée sur les arts (ABR) consiste à intégrer des formes d’art créatif dans la recherche sociale. Dans son ouvrage Research Design (2017), elle soutient que de nombreuses méthodes de collecte et d’analyse de données qualitatives peuvent être déployées via des formes artistiques. Le chercheur et les participants utilisent l’art pour créer, explorer et analyser leurs données. L’espace de recherche devient alors un espace créatif où les limites des modèles traditionnels peuvent être réexaminées.

Patricia Leavy souligne qu’une recherche fondée sur les arts peut débuter de manières très diverses. L’objectif et la question de recherche peuvent évoluer durant le processus, car il s’agit d’une démarche de création et d’expérimentation. À mon sens, cela rend la question de recherche dans l’ABR inductive : elle n’est pas nécessairement établie dès le début mais peut naître et se développer au cours de l’expérience. La quête devient un processus d’apprentissage et de pratique artistique. Par conséquent, comme l’indique Leavy, l’ABR peut être un processus complexe, parfois chaotique. Si un chercheur souhaite contrôler chaque étape, l’ABR pourrait ne pas être la méthode appropriée.

L’ABR diffère de la recherche informée par les arts (Arts-informed research), bien que les termes soient souvent confondus. La recherche informée par les arts utilise l’art comme méthode, sans que le chercheur ne doive nécessairement être un artiste ou créer une œuvre. Pour ceux souhaitant introduire l’art dans leur recherche — en sciences humaines et sociales — c’est un point de départ pour enrichir leurs travaux de nuances, de nouvelles narrations et de méthodes de collecte.

La recherche fondée sur les arts (ABR) aborde les problèmes sociaux par le processus de création artistique, exigeant que le chercheur possède des compétences en la matière. Par exemple, le chercheur peut réaliser une peinture pour générer des données, puis analyser cette même œuvre dans le cadre de sa recherche. La peinture devient alors une source d’information. L’ABR valorise l’authenticité du processus de création où le chercheur lui-même élabore l’œuvre pour produire la connaissance.

Dans une étude menée avec des collègues sur les souvenirs d’enfance liés aux jouets “genrés”, nous avons utilisé le dessin comme moyen de remémoration et de création de données. Les poupées pour les filles, les véhicules pour les garçons ; ces jouets façonnent précocement les conceptions de genre, ancrées dans la mémoire. Ces images nous ont aidés à retracer nos propres récits sur ce processus de “genrage”. Elles n’avaient pas vocation à être des œuvres d’art esthétiques, mais des données aidant chacun à plonger au plus profond de sa propre expérience.

La capacité d’utiliser l’image pour observer le monde est également illustrée par la photographe Zoe Leonard. Avec Analogue, un projet de 412 photos, elle a documenté pendant une décennie les commerces en voie de disparition à New York, puis a suivi la circulation des biens d’occasion à travers le monde. À travers ce périple, la photographie devient une méthode d’enquête sur les mutations urbaines et les impacts de la mondialisation lors de sa recherche.

Des souvenirs personnels aux observations sociales, l’image s’intègre pleinement au processus de recherche. Créer une image est également un acte d’observation, de rappel et d’interrogation du monde. J’espère que ces réflexions aideront à explorer cette approche de recherche scientifique, afin que nous puissions élargir notre compréhension sur la façon dont l’humain observe et expérimente le monde.

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