Cover Yayoi Kusama, la artista contemporánea más vendida en subastas, superó innumerables obstáculos para llevar su visión al mundo (Imagen: Steve Eichner/WWD/Penske Media via Getty Images)
Yayoi Kusama, la artista contemporánea más vendida en subastas, superó innumerables obstáculos para llevar su visión al mundo (Imagen: Steve Eichner/WWD/Penske Media via Getty Images)
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La partida de Yayoi Kusama no solo representa la pérdida de una artista legendaria, sino el cierre de uno de los capítulos más audaces y coloridos de la historia del arte contemporáneo; he aquí el gran legado creativo de Yayoi Kusama.
Desde los lunares nacidos de las alucinaciones de su infancia hasta sus infinitas salas de espejos, sus icónicas calabazas amarillas y la integración de las calles, casas de moda y el mundo digital en su universo artístico, recordamos a Yayoi Kusama. Durante casi un siglo, esta artista demostró que la obsesión personal puede transformarse en un lenguaje universal que todo el mundo comprende. Yayoi Kusama fue una visionaria cuyo legado en el arte contemporáneo perdura a través de su obra.
Yayoi Kusama falleció a los 97 años en un hospital de Tokio el 14 de agosto de 2026. Su estudio anunció oficialmente la noticia el 27 de agosto, afirmando que la artista continuó pintando hasta el final de sus días, “sin soltar nunca el pincel”, explorando siempre el significado del amor eterno y el espíritu. Esta es la historia de una mujer que, tras nacer en 1929 en Matsumoto, desafió prejuicios para encontrar su espacio en un mundo del arte que apenas brindaba oportunidades a las mujeres asiáticas. La obra de Yayoi Kusama no solo alcanzó el éxito, sino que se adelantó a su tiempo en múltiples ocasiones.
A continuación, presentamos 8 historias en las que Yayoi Kusama transformó las normas y dejó una marca indeleble en la historia del arte.
Above Entrevista a Yayoi Kusama en 2015 donde habla sobre su lucha por dedicarse al arte, su decisión de ir a Nueva York para competir con los mejores y su proceso creativo constante.
1. Transformando el trauma en un universo de “Auto-obliteración”
Hoy es casi imposible ver un fondo amarillo con puntos negros o infinitos lunares de colores sin pensar en Yayoi Kusama. Para ella, los puntos nunca fueron un simple patrón decorativo.
Kusama relató que desde niña veía alucinaciones, desde flores hasta patrones que parecían multiplicarse y cubrir su entorno. Estas experiencias se convirtieron en el corazón de su lenguaje artístico: la “auto-obliteración” (self-obliteration), un estado donde el individuo se disuelve y se fusiona con el entorno o el cosmos.
Lo que hizo Yayoi Kusama no fue solo hacer famosos los lunares, sino convertir un mundo interior en un símbolo que comunica con millones de personas. “Nuestro mundo es solo un punto entre millones de estrellas en el universo. Al borrar la naturaleza y el ser con puntos, nos convertimos en parte del entorno eterno”. La obra de Yayoi Kusama, a través de estos lunares, logra que cuanto más se multiplican, más pequeño parece el individuo.
Nuestro mundo es solo un punto entre millones de estrellas en el universo.
2. “Infinity Nets”: cuando la repetición se convierte en un nuevo lenguaje artístico
Poco después de mudarse a Nueva York en 1958, Yayoi Kusama comenzó su serie Infinity Nets, pinturas de gran formato compuestas por pequeñas curvas que se conectan como redes sin fin. En octubre de 1959, hizo historia al presentar estas obras legendarias en su primera exposición individual en Estados Unidos, en la Brata Gallery de Nueva York.
La exposición presentaba cinco lienzos monumentales de pintura monocromática blanca, cubiertos por miles de pinceladas curvas precisas. Este patrón creaba una ilusión óptica de una red infinita que parecía extenderse más allá del lienzo. El trabajo de Yayoi Kusama en estas piezas, producto de un estado casi trance, reflejaba sus visiones y su estado mental.
Above Yayoi Kusama con su serie “Infinity Nets” en su estudio de Nueva York, 1961 (Imagen: YAYOI KUSMA INC. © YAYOI KUSAMA)
Yayoi Kusama con su serie “Infinity Nets” en su estudio de Nueva York, 1961 (Imagen: YAYOI KUSMA INC. © YAYOI KUSAMA)
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El crítico Donald Judd elogió la obra de Yayoi Kusama en ARTnews, destacándola como una pintora con un sello único y adquiriendo uno de sus lienzos por 200 dólares. Esta exposición fue el trampolín para que Yayoi Kusama se convirtiera en una figura líder de la vanguardia neoyorquina, consolidando su identidad artística.
3. Desafiando al mundo masculino con “Soft Sculptures”
Accumulation No. 1 (1962) es una pieza fundamental en la trayectoria de Yayoi Kusama. La obra comenzó como una silla común que ella cubrió meticulosamente con cientos de formas fálicas de tela rellena.
Este trabajo no solo destaca por su apariencia, sino por su crítica temprana al arte feminista, desafiando las estructuras de poder masculino mediante la repetición y el control sobre el objeto doméstico. Para Yayoi Kusama, este proceso fue también terapéutico, ayudándole a procesar miedos personales desde una edad temprana.
Above La obra “Accumulation No. 1” de Yayoi Kusama como pilar del arte feminista (Imagen: MoMA)
La obra “Accumulation No. 1” de Yayoi Kusama como pilar del arte feminista (Imagen: MoMA)
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Esta obra formó parte de una exposición colectiva histórica junto a figuras como Andy Warhol y Claes Oldenburg. Hoy, Accumulation No. 1 se encuentra en el MoMA, representando la maestría de Yayoi Kusama en la escultura blanda y su capacidad para fusionar psicología y espacio.
4. “Infinity Mirror Room”: envolviendo al espectador en la obra de Yayoi Kusama
Infinity Mirror Room—Phalli’s Field (1965) revolucionó el arte contemporáneo. Esta pieza de Yayoi Kusama rompió los límites del lienzo tradicional para crear un espacio tridimensional que absorbe al espectador. Al entrar, uno se encuentra rodeado por un campo de esculturas de tela punteadas, multiplicadas infinitamente por espejos.
Above Yayoi Kusama junto a su obra maestra “Infinity Mirror Room—Phalli’s Field” en 1965 (Imagen: Eikoh Hosoe, © Yayoi Kusama)
Yayoi Kusama junto a su obra maestra “Infinity Mirror Room—Phalli’s Field” en 1965 (Imagen: Eikoh Hosoe, © Yayoi Kusama)
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Con este trabajo, Yayoi Kusama cambió la pregunta de “¿qué estamos mirando?” a “¿qué sentimos al ser parte de la obra?”. Esta inmersión es un encuentro profundo con el subconsciente de la artista, utilizando el reflejo para disolver la identidad del espectador en su universo infinito.
5. “Narcissus Garden”: la crítica al mercado del arte en la Biennale di Venezia
En 1966, Yayoi Kusama se presentó sin invitación en la Venice Biennale con Narcissus Garden, una instalación de esferas espejadas. Allí, vestida con un kimono, vendió las bolas de metal a los transeúntes por dos dólares cada una bajo el lema “su narcisismo está en venta”.
Above Yayoi Kusama en la Biennale di Venezia de 1966 con “Narcissus Garden” (Imagen: smarthistory.org, © YAYOI KUSAMA)
Yayoi Kusama en la Biennale di Venezia de 1966 con “Narcissus Garden” (Imagen: smarthistory.org, © YAYOI KUSAMA)
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Esta acción fue una crítica mordaz al sistema capitalista del arte. A pesar de la prohibición de vender, Yayoi Kusama logró captar la atención mundial. Irónicamente, hoy es una de las artistas con mayor valor de mercado; en 2024, su obra alcanzó cifras récord, validando su posición como una visionaria que predijo la mercantilización del arte décadas atrás.
6. Llevando el arte a las calles
A finales de los 60, Yayoi Kusama abandonó el “cubo blanco” para realizar happenings en lugares públicos como Central Park o el puente de Brooklyn. Estas performances no solo eran arte visual, sino protestas políticas contra la guerra y reivindicaciones de libertad sexual.
Above Yayoi Kusama realizando “Horse Play” en Woodstock, Nueva York, 1967 (Imagen: avantarte.com)
Yayoi Kusama realizando “Horse Play” en Woodstock, Nueva York, 1967 (Imagen: avantarte.com)
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El uso del cuerpo como lienzo punteado en estas intervenciones buscaba desmantelar el ego y buscar la igualdad. La obra efímera de Yayoi Kusama en el espacio público sentó las bases para el arte contemporáneo, demostrando que el arte es una experiencia compartida y no una mercancía estática.
7. La calabaza: el símbolo eterno de Yayoi Kusama
Para Yayoi Kusama, las calabazas son más que un vegetal; son símbolos de calidez y fuerza. Tras crecer en una familia de agricultores, la artista encontró consuelo en ellas durante sus crisis de salud mental. “Me dieron valentía para seguir viviendo”, confesó la artista.
Above La “Yellow Pumpkin” de Yayoi Kusama en la isla de Naoshima, Japón (Imagen: Education Images/Universal Images Group)
La “Yellow Pumpkin” de Yayoi Kusama en la isla de Naoshima, Japón (Imagen: Education Images/Universal Images Group)
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Ya sea en esculturas como la Yellow Pumpkin en Naoshima o en sus salas inmersivas, las calabazas punteadas representan la unión de la artista con su obra. Yayoi Kusama logró convertir un objeto sencillo en un ícono global que cura y brinda esperanza a sus seguidores.
8. Rompiendo muros entre el Arte, la Moda y la Cultura Pop
Yayoi Kusama ha sido una pionera en unir arte y moda, fundando su propia empresa de moda en 1968. Sus colaboraciones con marcas de lujo como Louis Vuitton han consolidado su presencia en la cultura popular, demostrando que sus lunares pueden habitar tanto en un lienzo como en un bolso de lujo.
Leer más: Visita Louis Vuitton Osaka y el mundo de lunares de Yayoi Kusama
Above Escultura de Yayoi Kusama en Louis Vuitton Campos Elíseos, París, 2023 (Imagen: Edward Berthelot/Getty Images)
Above Bolso Louis Vuitton x Yayoi Kusama visto durante la Semana de la Moda de Copenhague 2027 (Imagen: Moritz Scholz/Getty Images)
Escultura de Yayoi Kusama en Louis Vuitton Campos Elíseos, París, 2023 (Imagen: Edward Berthelot/Getty Images)
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Más allá de las colaboraciones comerciales, Yayoi Kusama ha transformado su estética en un universo visual total. Al convertir su arte en moda, permitió que el público no solo vea su trabajo, sino que lo use y lo incorpore a su estilo de vida.
De la vanguardia a la artista que atrae multitudes
El impacto de Yayoi Kusama quedó demostrado en la National Gallery of Victoria (NGV), donde su exposición 2024–2025 atrajo a más de 570.000 visitantes, marcando un hito histórico para el museo.
Above Promoción de la exhibición de Yayoi Kusama en la National Gallery of Victoria, que presentó más de 180 piezas de la artista.
Yayoi Kusama es hoy un idioma universal. Desde sus inicios como una joven artista en Nueva York, sorteó obstáculos para posicionarse en el mundo del arte occidental y hoy es admirada por coleccionistas, casas de moda y museos. Yayoi Kusama ha trascendido etiquetas, reinventando el concepto de la experiencia artística inmersiva.
Antes de su muerte, Yayoi Kusama comentó: “No puedo imaginar qué dirá la gente de mí cuando ya no esté. Ser una outsider también se siente bien”. Quizás ahí reside su esencia: Yayoi Kusama no buscó encajar, simplemente creó su propio universo y nos invitó a todos a vivir en él. Aunque la creadora se ha ido, su legado infinito sigue multiplicándose, como una de sus propias salas de espejos que desafía todo final.
No puedo imaginar qué dirá la gente de mí cuando ya no esté. Ser una outsider también se siente bien.
