Jessie Buckley: Ein Tribut an den Schmerz

Der Wahnsinn in Shakespeares Stücken hat eine kathartische Wirkung. Es sind die Schreie einer in die Enge getriebenen Seele in extremen Situationen, die uns als Zuschauer erschüttern und mit Ehrfurcht erfüllen.

Der Zorn von Agnes erreicht nicht diese epische Dimension; er bewegt sich vielmehr auf der Ebene tiefster Wut. Es ist ein stiller Wahnsinn, den viele Zuschauerinnen bei den Frauen in ihrem Umfeld oder gar im eigenen familiären Raum wiedererkennen. Dies mag kein philosophischer Wahnsinn sein, sondern einer, der Zeit und Raum überwindet. Jede Frau, in jeder Epoche und an jedem Ort, kann die Ausbrüche von Agnes verfolgen und spüren: “Dort war ich auch schon.”

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Regisseurin Chloé Zhao verriet, dass sie bereits beim Lesen von Maggie O’Farrells Romanvorlage wusste, dass die Rolle der Agnes Hathaway unweigerlich an Jessie Buckley gehen musste. Dies ist nur allzu verständlich. Die Entfremdung, die Wut, der Groll und der Schmerz von Agnes Hathaway weisen viele Parallelen zu den Charakteren auf, die Jessie Buckley in der Vergangenheit verkörpert hat. Ihre Rollen sind stets komplex, voller Spannung und offenbaren ein Innenleben, das jederzeit wie ein Vulkan auszubrechen droht.

Ihre erste große Hauptrolle spielte sie in Beast (2017) unter der Regie von Michael Pearce. Darin verkörpert sie Molly, eine Reiseleiterin, die sich in einen jungen Mann verliebt, der unter Mordverdacht steht. Sie ist hin- und hergerissen zwischen Misstrauen und einer Liebe, die sie zuvor scheinbar nie erlebt hat. Molly selbst hatte als Jugendliche in einem Anfall von unerklärlichem Wahnsinn — der geradezu an Dostojewski erinnert — beinahe eine Mitschülerin erstochen.

Schon in dieser Rolle offenbarte sich die wilde, ungezähmte Seite in Jessie Buckley: ein Wesen, das wie jedes andere geliebt werden möchte, für das es jedoch so unendlich schwer ist, diese Liebe zuzulassen.

Eine weitere herausragende Leistung erbrachte Jessie Buckley in Frau im Dunkeln (The Lost Daughter) (2021), einem düsteren Psychodrama von Regisseurin Maggie Gyllenhaal. Darin spielt sie die junge Leda, eine aufstrebende Literaturwissenschaftlerin, die bereits verheiratet ist und zwei Töchter hat, deren innere Sehnsüchte jedoch ungestillt bleiben.

Die Belastung durch Kinderbetreuung und Haushalt treiben sie an den Rand des Wahnsinns. Schließlich verlässt sie ihre beiden Kinder, um mit einem Liebhaber zu fliehen. Drei Jahre später, erdrückt vom Schuldgefühl über ihre gewonnene Freiheit und Freude, kehrt sie zu ihren Töchtern zurück. Jahrzehnte später ist dieser Lebensabschnitt noch immer nicht verarbeitet. Er hat sich in der mittlerweile 48-jährigen Frau tief verankert. Das verzerrte Lächeln von Jessie Buckley in dem Film lässt die Spuren jener monströsen Sehnsüchte erkennen, die sie einst beherrschten.

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Jessie Buckley ist bereit, in Leben einzutauchen, die sonst niemand führen möchte. Niemand möchte den Schmerz einer Mutter spüren, die ihre Kinder verlässt; niemand möchte eine Frau sein, die in der Vergangenheit eine Mitschülerin verletzt hat; und niemand möchte in die Rolle einer Frau schlüpfen, die unaufhörlich Vergewaltiger verteidigt und andere Frauen davon abhält, zu fliehen [wie in ihrer Rolle in Die Aussprache (Women Talking) (2022)].

Diese Charaktere stehen vor schwerwiegenden moralischen Dilemmata. Es fällt schwer, Mitgefühl für sie aufzubringen. Im Gegenteil, es ist leicht, sie zu verabscheuen, zu hassen oder zu beleidigen. Es ist ein Leichtes, sie in gängige Stereotypen einzuordnen: als “Verrückte”, “Hure” oder “Miststück”.

Die Arbeit der Schauspielerin ist ungleich schwerer. Es ist niemals ihre Aufgabe zu urteilen. Die Schönheit der Schauspielkunst liegt in der Erkenntnis, dass jeder Mensch in die Rolle dieser Charaktere schlüpfen könnte und dass wir nicht klüger oder weiser sind als sie. Eine brillante Schauspielerin wie Jessie Buckley sucht unermüdlich nach dem verborgenen Monströsen in sich selbst und stellt sich ihm mutig entgegen.

Um über die wahre Kraft der Schauspielkunst zu sprechen, müssen wir zu Hamnet zurückkehren. Der Film widmet seine letzten 20 Minuten ausschließlich der Rekonstruktion von Shakespeares Meisterwerk Hamlet. Agnes Hathaway steht in der Menge und verfolgt die Geschichte des dänischen Prinzen, der den Tod seines Vaters rächt. Der Name des Prinzen ist eine Variation des Namens ihres verstorbenen Sohnes: Hamnet und Hamlet.

In einem Moment der theatralischen Transzendenz lässt Prinz Hamlet das verarmte Londoner Publikum vollends in diese Tragödie eintauchen, so auch Agnes. Zweifellos unterscheidet sich die Tragödie von Agnes vom Schicksal Hamlets. Hamlets Tragödie ereignet sich typischerweise nur in großen Lebensträumen. Die Tragödie von Agnes hingegen könnte jedem widerfahren. Doch auf dem Höhepunkt verschmelzen alle Tragödien zu einer Einheit. Jeder Schmerz hat einen Schnittpunkt. Es gibt keinen Schmerz, der größer ist als ein anderer. Vielleicht glaubten die Menschen in der Antike deshalb daran, dass das Betrachten von Tragödien eine reinigende Wirkung für die Seele besitzt.

Die kanadische Dichterin und Übersetzerin Anne Carson stellte bei der Übersetzung antiker griechischer Tragödien die Theorie auf, dass Schauspieler im Englischen als “actor” bezeichnet werden, weil sie stellvertretend für uns “act” (handeln). Sie begeben sich auf den “tiefsten Grund ihres eigenen Abgrunds” — an jenen Ort, den kein Zuschauer jemals selbst erforschen möchte. Aus diesem Grund opfern sich Schauspieler regelrecht auf, und die Schauspielerei wird zu einem Akt der Hingabe.

Wenn dies zutrifft, so hat Jessie Buckley bereits unglaublich viel für uns geopfert.

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