Cover Ein Picasso-Collage-Werk aus dem Jahr 1912, bei dem gedruckte Muster und Schriftzeichen als Material dienen.
Ein Picasso-Collage-Werk aus dem Jahr 1912, bei dem gedruckte Muster und Schriftzeichen als Material dienen.
1 / 1
Picasso, der wohl bedeutendste Künstler des 20. Jahrhunderts, basierte seine kreativen Prozesse maßgeblich auf der Fähigkeit zur Stilimitation.
Dies war ein faszinierender Blickwinkel des Panels “Picasso und die Entstehung der modernen Kunst”, das Mitte September gemeinsam von der spanischen Botschaft und dem inBook-Verlag organisiert wurde. Indem er die Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts neu betrachtete, erkundete der Referent, der Schriftsteller Duc Anh, gemeinsam mit dem Publikum, wie Pablo Picasso (1881–1973) durch die künstlerischen Konventionen einer neuen Ära geformt wurde und diese wiederum maßgeblich mitprägte. Picasso ist ein ewiges Thema in der Welt der Kunst.
Stil und Trend
Laut den Referenten des Panels hat Picassos enorme Bekanntheit zu zahlreichen Missverständnissen geführt. Bis heute sehen ihn viele Menschen als ein isoliertes Genie – berühmt geworden durch einen ganz eigenen Stil, den Kubismus. Doch Picasso entwickelte den Kubismus nicht im Alleingang: Es war ein Gemeinschaftswerk aus dem Austausch mit dem Maler Georges Braque (1882–1963). Zudem war der Kubismus keineswegs Picassos einziger charakteristischer Stil; er war lediglich eine Methode, die er zwischen 1909 und 1919 anwandte. Danach veränderte er seine Malweise kontinuierlich durch das Kopieren künstlerischer Erbe – seien es klassische Kunst, Surrealismus, mediterrane Keramik oder spanische Volkskunst. Picassos Lebenswerk beweist das Gegenteil: Kreativität ist nicht auf eine einzelne Person beschränkt, sondern tief in ein Netz von Beziehungen eingebettet. Ein Künstler muss sich nicht zwangsläufig auf eine einzige Form oder einen Stil festlegen lassen. Picasso bleibt somit eine der faszinierendsten Figuren der Kunstgeschichte.
Lesen Sie auch: Künstler Tao Linh: Gemälde sind menschlich
Above Picasso zeigt sich hier an der Seite eines seiner keramischen Werke.
Picasso zeigt sich hier an der Seite eines seiner keramischen Werke.
1 / 1
Doch wann begannen Künstler eigentlich, miteinander im Schaffen neuer Stile zu konkurrieren? Von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts drehte sich die westliche Malerei hauptsächlich um die Fähigkeit, 3D-Bilder auf 2D-Flächen wie Decken oder Leinwänden zu imitieren. In diesem Kontext wurden Maler durch akademische Institutionen und aristokratische Mäzene ausgebildet. Doch dieses Regelwerk geriet durch Globalisierung und technologische Revolutionen ins Wanken. Da die breite Masse nach der Französischen Revolution besseren Zugang zu Museen wie dem Louvre hatte, stieg die Zahl der Maler sprunghaft an. Zudem boten neue Technologien wie Fotografie und Illustrationen alternative Methoden zur Bildproduktion. Auch die durch den Kolonialismus geförderte Globalisierung weckte bei westlichen Konsumenten Interesse an der Kunst aus China und Japan, was Stile wie “Chinoiserie” und “Japonismus” hervorbrachte. Diese Veränderungen ebneten den Weg für die moderne Kunst. 1874 organisierten die Impressionisten ihre erste unabhängige Ausstellung. Seitdem bewerteten sich Avantgarde-Künstler gegenseitig über die Presse, anstatt sich auf die Urteile akademischer Institutionen zu verlassen. Die Presse half der Malerei, durch die ständige Aufnahme wissenschaftlicher und künstlerischer Einflüsse neue Wege zu gehen.
Above Ein Gemälde aus dem Jahr 1901, das das verstorbene Antlitz seines engen Freundes Casagemas zeigt.
Ein Gemälde aus dem Jahr 1901, das das verstorbene Antlitz seines engen Freundes Casagemas zeigt.
1 / 1
Während die materielle Infrastruktur der modernen Kunst spontan entstand, wurde ihr Geist von einem Journalisten und Dichter geformt: Charles Baudelaire. In seinen Essays wie “Salon 1846” vertrat er die Ansicht, dass Schönheit sowohl ein flüchtiges als auch ein ewiges Element umfasst. Anstatt historische Motive zu kopieren, sollte ein moderner Künstler den Geist des aktuellen Lebens auf der Straße einfangen. Kurz darauf begannen Impressionisten, japanische Kunst zu studieren. Verschiedene Kunstschulen entstanden in einem Wettlauf, das Neueste zu erfassen, was die Kunst in einen Markt verwandelte, der von wechselnden Moden regiert wird.
Malen wie Schreiben
Baudelaire hinterließ ein weiteres Vermächtnis: das Bewusstsein für die künstlerische Sprache. In seinem Gedicht “Correspondances” beschrieb er die Welt als einen Wald aus Symbolen, in dem Töne und Farben gleiche spirituelle Realitäten ansprechen. Der Künstler kopiert nicht länger die physische Realität, sondern nutzt Elemente wie Linien und Farben, um immaterielle Zustände auszudrücken. Dieser Ansatz wurde von Symbolisten wie Odilon Redon aufgegriffen.
Above Ein Werk von Picasso aus der Rosa Periode, das melancholische Akteure zeigt.
Ein Werk von Picasso aus der Rosa Periode, das melancholische Akteure zeigt.
1 / 1
Diese Tradition der Moderne entfaltete sich bei Picasso besonders stark. Trotz früher Begabung fand Picasso seinen eigenen Stil erst durch den Versuch, den Tod seines Freundes Carles Casagemas im Jahr 1901 künstlerisch zu verarbeiten. Das Zeichnen eines Gesichts ohne Ausdruck, um den abstrakten Zustand des Todes darzustellen, markierte Picassos Blaue Periode (1901–1904). Später, in der Rosa Periode, konzentrierte er sich auf Zirkusleute. Sein nächstes Studienobjekt waren afrikanische Masken. Diese Elemente haben gemeinsam, dass sie wie leere Symbole funktionieren, in die der Betrachter seine eigenen Gefühle hineinlesen muss. Picasso hat somit gemalt, wie man schreibt. Mit der Erfindung des Collagetechnik in “Still Life with Chair Caning” (1912) schuf er Bedeutung durch das Zusammenfügen vorhandener visueller Elemente. Diese Denkweise, angewandt auf seine gesamte Karriere, ermutigte ihn, ständig Stile zu imitieren, um Kunstwerke zu produzieren, die der Markt als neuartig betrachtete. Picasso war wie ein Schauspieler auf einer großen Bühne der Ästhetik. Wer in einem Markt, der das Neue verehrt, ständig Stile kopiert und diese als Innovation deklariert, erzielt den größten kommerziellen Erfolg, da er ständig in den Medien präsent bleibt – genau wie Picasso.
Lesen Sie auch: “Lần nữa, mãi mãi”: Sieben Perspektiven auf Zeit, Erinnerung und Existenz
Above Das berühmte Werk “Les Demoiselles d’Avignon” (1907), bei dem Picasso den Stil afrikanischer Masken adaptierte.
Das berühmte Werk “Les Demoiselles d’Avignon” (1907), bei dem Picasso den Stil afrikanischer Masken adaptierte.
1 / 1
Es ist anzumerken, dass für Picasso kein Erfolg wichtiger war als der kommerzielle. Zu Beginn seiner Karriere produzierte er manchmal drei Gemälde pro Tag, um den Verkauf zu befeuern. Er war ein Meister darin, Netzwerke für seine Kunst zu knüpfen. Während andere Avantgarde-Gruppen die Gesellschaft herausforderten, akzeptierte Picasso den Status quo und suchte nach Wegen, daraus Profit zu schlagen. Somit produzierten Picassos ständige Innovationen eher den Konsumgeist der industriellen Gesellschaft als eine völlig neue spirituelle Realität. Kritiker bemerken oft, dass Picasso, weil er zu sehr damit beschäftigt war, neue Techniken zu kopieren, nur Formeln schuf, die leicht zu imitieren waren, weshalb er Themen selten in der Tiefe behandelte. Picasso, als prominenteste Figur der Moderne, zeigt uns sowohl deren Vollendung als auch deren Niedergang. Als einer der Vorläufer der zeitgenössischen Kunst entstand die Fluxus-Bewegung der 1960er Jahre als Kritik an Picassos Modell. Sie lehnten den Kunstmarkt ab und versuchten, Kreativität zu einem Teil des täglichen Lebens gewöhnlicher Menschen zu machen. Da Picassos Prozesse die Heiligkeit des Werkes ein Stück weit verloren hatten, orientierte sich die zeitgenössische Kunst zunehmend an vergänglichen Lebensmomenten.
