Cover Sebuah karya kolaj Picasso tahun 1912, di mana corak bercetak dan tulisan digunakan sebagai bahan utama Picasso.
Sebuah karya kolaj Picasso tahun 1912, di mana corak bercetak dan tulisan digunakan sebagai bahan utama Picasso.
1 / 1
Picasso, seniman paling terkenal abad ke-20, meletakkan karya kreatifnya di atas keupayaan meniru gaya artistik.
Itu adalah perspektif menarik daripada seminar “Picasso dan Pembentukan Seni Moden”, yang dianjurkan bersama oleh Kedutaan Sepanyol dan kedai buku inBook pada pertengahan September lalu. Dengan meninjau sejarah seni abad ke-20, penceramah seminar tersebut, penulis Đức Anh, membawa audiens meneroka cara Pablo Picasso (1881–1973) dibentuk oleh, dan seterusnya menyumbang kepada, corak kehidupan artistik dalam era baharu.
Gaya dan Trend
Menurut penceramah seminar, reputasi Picasso telah mencetuskan banyak salah faham. Sehingga kini, orang ramai masih melihat beliau sebagai seorang genius individu yang terkenal kerana gaya tersendiri, iaitu Kubisme. Namun, Picasso tidak mencipta Kubisme sendirian: ia merupakan hasil kerja bersama daripada pertukaran idea antara beliau dan pelukis Georges Braque (1882–1963). Selain itu, Kubisme bukanlah gaya eksklusif Picasso; ia hanyalah kaedah melukis yang digunakannya selama 10 tahun, dari 1909 hingga 1919. Selepas tempoh tersebut, beliau terus mengubah gaya lukisannya dengan meniru warisan seni kontemporari atau purba – seperti seni klasik, gerakan surealis, tembikar Mediterranean, dan arca rakyat Sepanyol. Kerjaya Picasso seolah-olah membuktikan sebaliknya: kreativiti tidak terhad kepada individu, tetapi merangkumi banyak hubungan saling berkaitan; dan seorang seniman tidak semestinya terikat pada satu bentuk atau gaya tertentu.
Baca lagi: Pelukis Tào Linh: Lukisan adalah Manusia
Above Picasso bersama salah satu karya tembikar beliau yang mempesonakan.
Picasso bersama salah satu karya tembikar beliau yang mempesonakan.
1 / 1
Namun, sejak bilakah para seniman mula bersaing dalam mencipta gaya baharu? Dari era Renaissance hingga pertengahan abad ke-19, lukisan Barat tertumpu kepada keupayaan mensimulasikan imej 3D pada permukaan 2D seperti siling, kertas, atau kanvas. Dalam konteks ini, pelukis dilatih dan ditapis oleh institusi akademik seperti akademi, salon, dan dana tajaan golongan bangsawan. Walau bagaimanapun, peraturan ini tergugat akibat globalisasi, revolusi teknikal, revolusi industri, dan Revolusi Perancis. Apabila orang ramai mendapat akses pendidikan lebih baik dan mampu melihat karya seni di muzium Louvre selepas Revolusi Perancis, bilangan pelukis di Perancis meningkat secara mendadak, mengatasi keupayaan tapisan institusi akademik. Selain itu, teknologi baharu dan perkembangan media memberi masyarakat kaedah alternatif untuk menghasilkan imej, seperti fotografi dan ilustrasi karikatur. Pada masa yang sama, globalisasi yang didorong oleh kolonialisme menyebabkan pengguna Barat terpikat dengan gaya lukisan “luar arus” dari China dan Jepun melalui trend Chinoiserie (1730–1860) dan Japonisme (1860–1890). Perubahan pantas ini menyebabkan institusi lukisan akademik semakin goyah, membuka ruang bagi kemunculan seni moden. Pada tahun 1863, Napoleon III membenarkan penganjuran Salon des Refusés untuk mempamerkan 3,000 karya yang ditolak oleh salon akademik. Pada tahun 1874, pelukis Impresionis yang terpengaruh dengan pemikiran artistik Jepun telah menganjurkan pameran bebas pertama mereka. Sejak saat itu, para seniman avant-garde menilai antara satu sama lain melalui kritikan media, bukannya bergantung kepada penilaian institusi akademik.
Above Lukisan tahun 1901 yang menggambarkan wajah rakan karibnya, Casagemas yang telah meninggal dunia.
Lukisan tahun 1901 yang menggambarkan wajah rakan karibnya, Casagemas yang telah meninggal dunia.
1 / 1
Sementara infrastruktur material seni moden muncul secara spontan, semangatnya telah dicetuskan oleh seorang wartawan dan penyair, Baudelaire. Dalam dua kritik seni yang ditulis dengan teliti iaitu “Salon 1846” dan “Pelukis Kehidupan Moden” (1860), beliau berpendapat bahawa setiap keindahan mengandungi elemen sementara dan elemen abadi. Daripada meniru motif sejarah, agama, atau mitologi, seorang seniman moden perlu menangkap semangat dalam gaya hidup orang ramai di jalanan, krisis, dan trend fesyen – iaitu perkara semasa yang datang dan pergi. Tidak lama kemudian, lukisan Impresionisme mula merujuk kepada seni Jepun yang sedang menjadi trend; dan sekolah-sekolah seni terus lahir dalam perlumbaan untuk menangkap perkara terkini, sekali gus mengubah seni menjadi pasaran yang dipacu oleh trend.
Melukis seperti Menulis
Baudelaire meninggalkan satu lagi warisan untuk seni lukis: kesedaran tentang bahasa seni. Dalam puisi “Correspondances” (Gema), beliau menggambarkan dunia sebagai hutan simbol di mana bunyi dan warna boleh mencetuskan realiti rohani yang sama. Dengan kesedaran ini, seniman tidak lagi meniru realiti fizikal, tetapi secara aktif menggunakan elemen fizikal seperti garisan, warna, dan bunyi untuk meluahkan keadaan rohani yang tidak kelihatan. Perspektif Baudelaire ini diwarisi oleh seniman Simbolisme, termasuk pelukis seperti Odilon Redon.
Above Lukisan Picasso dalam Tempoh Merah Jambu, menggambarkan badut selepas persembahan.
Lukisan Picasso dalam Tempoh Merah Jambu, menggambarkan badut selepas persembahan.
1 / 1
Tradisi seni moden ini berkembang pesat dalam karya Picasso. Walaupun mempunyai kemahiran melukis sejak awal, Picasso hanya benar-benar membentuk gaya tersendiri apabila cuba melukis kematian rakan karibnya, Carles Casagemas, pada tahun 1901. Usaha melukis wajah orang yang telah meninggal dunia – menggunakan garisan wajah yang tidak lagi mampu mengekspresikan emosi untuk menunjukkan keadaan abstrak kematian – telah membuka “Tempoh Biru” (1901–1904) bagi Picasso. Seterusnya, dalam “Tempoh Merah Jambu” (1904–1906), beliau menumpukan perhatian pada wajah badut di sarkas yang kurang mendapat sambutan selepas mereka menanggalkan solekan. Objek kajian beliau seterusnya amat terkenal: topeng Afrika. Wajah orang mati, orang yang baru selesai membuat persembahan, dan topeng mempunyai satu persamaan: ia bukan wajah makhluk hidup, tetapi simbol kosong di mana penonton perlu mengisi perasaan dan fikiran mereka sendiri. Kekosongan inilah ciri utama penulisan.
Picasso melukis seperti beliau menulis. Pada tahun 1912, beliau mencipta kaedah kolaj dalam seni moden apabila menggunakan potongan corak bercetak dan huruf sebagai alat penjana makna dalam karya “Still Life with Chair Caning” (1912). Daripada melukis pemandangan sebenar atau imaginasi, beliau mencipta makna dengan menggabungkan elemen visual sedia ada, sama seperti cara kita menyusun huruf untuk membentuk ayat. Pemikiran ini, apabila diaplikasikan ke seluruh kerjaya, mendorong beliau untuk terus meniru gaya sedia ada – seperti arca klasik Greek, lukisan surealis, dan tembikar Mediterranean – bagi mencipta produk seni yang dianggap baharu oleh pasaran. Kerjaya Picasso seperti sebuah persembahan karnival di mana beliau berpura-pura menggunakan estetika daripada pelbagai budaya. Dalam pasaran seni yang memuja perkara baharu, Picasso mencapai kejayaan komersial yang luar biasa kerana beliau sentiasa hadir di media.
Baca lagi: “Lagi, Selamanya”: Tujuh pandangan tentang masa, memori, dan kewujudan
Above Karya Picasso, “Les Demoiselles d’Avignon” (1907), yang dilukis mengikut gaya topeng Afrika.
Karya Picasso, “Les Demoiselles d’Avignon” (1907), yang dilukis mengikut gaya topeng Afrika.
1 / 1
Perlu diingatkan bahawa pada mata Picasso, tiada kejayaan yang lebih penting daripada kejayaan komersial. Pada awal kerjayanya, beliau pernah “menghasilkan” tiga lukisan sehari untuk memenuhi permintaan pasaran. Beliau juga dikenali sebagai pakar dalam strategi imej, hubungan awam, dan membina rangkaian jualan lukisan. Jika seniman avant-garde lain dalam aliran Futurisme, Dada, atau Surealisme sering mencabar masyarakat untuk merobohkan status quo yang dianggap palsu, Picasso hampir selalu menerima realiti, memikatnya, dan mencari keuntungan daripadanya. Dengan cara ini, gaya inovatif Picasso yang berterusan sebenarnya telah menghasilkan semula realiti rohani yang tidaklah baharu: iaitu konsumerisme dalam masyarakat perindustrian. Ramai pengkritik pernah menyatakan bahawa kerana terlalu obses meniru teknik baharu, Picasso hanya mencipta formula yang mudah ditiru oleh pelukis lain, sehingga beliau sendiri terpaksa mencari idea baharu untuk mengelakkan persamaan, menyebabkan beliau tidak mempunyai masa untuk mendalami satu subjek secara spesifik. Karya beliau sering memberi kesan pantas kepada penonton, tetapi ia selalunya bersifat cetek. Di bawah tangan Picasso, garisan topeng Afrika gagal menyampaikan realiti rohani asal kerana realiti tersebut berkait rapat dengan gaya hidup dan ritual penduduk tempatan, sesuatu yang tidak pernah dialami oleh Picasso.
Picasso, wajah paling terkenal dalam seni moden, menunjukkan kepada kita bentuk sempurna dan fasa kemerosotannya. Salah satu pendahulu terpenting seni kontemporari, iaitu gerakan Fluxus pada tahun 1960-an, lahir sebagai kesinambungan dan kritikan terhadap model artistik Picasso. Sambil mewarisi kaedah kolaj dan tabiat kreatif berasaskan formula, mereka menolak galeri besar dan menolak penghasilan karya komersial, sebaliknya berusaha menjadikan kreativiti seni sebagai aktiviti harian orang awam. Memandangkan kerja penghasilan karya seni telah kehilangan kesuciannya akibat proses Picasso, banyak cabang seni kontemporari beralih ke arah matlamat baharu, iaitu kreativiti yang muncul dan berlalu dalam kehidupan seharian.
