Pelukis Tào Linh: “Tranh adalah Cerminan Manusia”

Tào Linh jarang membuat lakaran. Beliau lebih suka melukis terus pada kanvas atau kertas Dó, membiarkan imej terbentuk semasa proses melukis. Beliau mengakui tertarik dengan interaksi antara berus, warna, dan bahan, di mana teknik dan emosi terus melaraskan antara satu sama lain. Namun, emosi adalah keadaan yang sukar dijangka. Bagaimana untuk mengetahui ia datang? Bilakah ia pergi? Dan bagi seorang artis profesional, adakah perlu untuk memupuk emosi untuk berkarya? Tào Linh tidak menganggap inspirasi sebagai letusan naluri semata-mata. Beliau melihat proses penciptaan sebagai penyertaan serentak serentak kemahiran, akal, emosi, dan unsur spontan. Beliau tidak menafikan peranan pengiraan, tetapi berpendapat bahawa setiap pilihan akhir dipengaruhi oleh “jiwa” dan “perwatakan” pelukis. “Orang selalu berkata ‘Penulisan adalah cerminan manusia’, kata-kata ini benar untuk semua cabang seni lain. Kita juga boleh berkata ‘Lukisan adalah cerminan manusia’. Orang tua kita dahulu selalu berpesan, ‘Bagaimana orangnya, begitulah mimpinya’, tidak akan lari dari itu,” ujar Tào Linh.

Baca lagi: Artis Võ Huỳnh Phú: Melalui aliran untuk mencapai kebebasan

Jika seni lukis Tào Linh berakar umbi daripada kepercayaan bahawa lukisan wujud untuk memberikan perasaan kepada penonton, maka akibat yang tidak dapat dielakkan daripada konsep tersebut adalah penolakan beliau terhadap wacana seni. Walaupun tidak banyak bicara, Tào Linh adalah seorang yang sangat mahir berbahasa; penolakannya terhadap wacana adalah satu sikap terhadap seninya sendiri berbanding cara berkomunikasi. Dalam persekitaran seni kontemporari yang semakin dibanjiri dengan penjelasan panjang lebar, manifesto seni, dan sistem teori yang menyertai karya, Tào Linh kelihatan tenang menghadapi keperluan untuk menjelaskan terlalu banyak. Bagi beliau, lukisan selepas siap adalah entiti visual yang bebas, ia datang kepada penonton melalui mata — dan hanya melalui mata — sebelum perlu bergantung kepada bahasa.

Menerima terlalu banyak wacana daripada kurator atau kenyataan artis kadangkala menjadikan pengalaman melihat lukisan terganggu. Daripada bermula dengan melihat, merasai warna, gubahan, atau irama visual karya, penonton hanyut dalam usaha merungkai lapisan bahasa yang disertakan. Tidak kurang juga kes di mana karya menjadi ilustrasi kepada sistem konsep yang disediakan lebih awal. Penonton melangkah masuk ke pameran dengan mentaliti untuk membaca lebih daripada melihat. Mereka cuba memahami apa yang ingin disampaikan oleh penulis, bukannya berdepan dengan apa yang nyata di permukaan lukisan. Ini tidak bermakna wacana tidak berguna. Dalam banyak kes, ia membantu meluaskan konteks penerimaan dan menyediakan maklumat yang perlu untuk membaca karya. Namun, apabila wacana menjadi pusat dan karya hanya memegang peranan sebagai bukti, pengalaman visual mudah digantikan dengan proses tafsiran. Penonton tidak lagi berhubung secara langsung dengan karya, tetapi dengan cara orang lain menjelaskannya.

Dalam pada itu, apa yang dicari oleh Tào Linh hanyalah keupayaan untuk membangkitkan emosi melalui imej dan warna, serta hak untuk kebebasan merasai bagi penonton. Dunia seni Tào Linh, seperti yang beliau akui, kebanyakannya berkisar tentang keadaan emosi manusia, perkara-perkara kecil yang berlegar dalam kehidupan. Beliau berpendapat bahawa satu lukisan boleh menjadi sangat baik bagi seseorang dan langsung tidak bernilai bagi orang lain. Tiada karya yang memuaskan hati semua orang, dan tiada satu cara pembacaan lukisan yang mutlak.

Namun jika karya tidak lagi disokong oleh wacana, apakah yang akan menghubungkan penonton dengan artis? Menurut beliau, itu adalah kejujuran terhadap diri sendiri, iaitu konsistensi dalam estetika, ketabahan dalam meneroka bahasa pembentukan yang sesuai dengan perwatakan artis tersebut. Emosi manusia sentiasa bergerak dan berubah seperti aliran air; apabila emosi menjadi basi, artis sangat mudah terjatuh ke dalam pengulangan diri sendiri atau menggunakan teknik sebagai kulit luar untuk menutup kekosongan di dalam. Beliau berkata: “Saya seolah-olah sentiasa berasa keliru setiap hari apabila duduk berdepan, berdialog dengan kanvas putih. Perasaan ini hanya hilang apabila tindakan melukis berlaku. Selepas siap, saya biasanya akan menyandarkan lukisan pada dinding dan melihatnya semula selepas beberapa hari. Ada lukisan yang memuaskan hati sebaik sahaja siap, ada yang saya sedar ia basi, membosankan sebaik sahaja saya menurunkan tandatangan.”

Tào Linh mungkin bukan jenis pelukis yang melahirkan manifesto seni besar atau langkah drastis yang menggemparkan. Hal yang lebih menarik terletak pada cara beliau melihat seni lukis selama bertahun-tahun ini. Dalam konteks di mana karya seni semakin perlu bergantung kepada tafsiran untuk terus wujud, Tào Linh tetap meletakkan kepercayaan kepada keupayaan bahasa visualnya. Beliau tidak menuntut penonton untuk memahami dirinya, juga tidak cuba membawa mereka kepada kesimpulan yang sedia ada. Kesan yang tertinggal selepas setiap lukisan, oleh itu, bukanlah satu mesej, tetapi suatu perasaan yang milik penonton sepenuhnya.

BACA SEKARANG

JW Marriott Hotel & Suites Saigon: Dua tahun “mekar” destinasi ikonik

Tatler House Dialogue #03: The Rise of Local Icons: Daripada identiti Vietnam ke ikon global

Pameran Arte Fare secara rasmi membuka tirai dengan kemunculan artis-artis kumpulan pertama