13 Meisterwerke der Architektur, die weibliche Exzellenz zelebrieren

Das Museum für Kunst, Architektur und Technologie (MAAT) von Amanda Levete im Lissaboner Stadtteil Belém ist mit 15.000 weißen Keramikfliesen verkleidet und besitzt eine geschwungene Form, die von den sanften Wellen des angrenzenden Flusses Tejo inspiriert ist.

Die bogenförmige Struktur wurde bewusst als Verlängerung der Uferpromenade konzipiert. Sie ermöglicht es den Besuchern, über, unter und direkt durch das Gebäude zu spazieren, welches unter einem elegant geschwungenen Dach ruht. Bereits im ersten Jahr nach der Eröffnung empfing das MAAT über 500.000 Besucher und avancierte zum meistbesuchten öffentlichen Museum Portugals.

Amanda Levete, Leiterin des preisgekrönten Design- und Architekturbüros AL_A, ist unter anderem Trägerin des renommierten RIBA Stirling Prize und wurde 2018 mit dem Jane Drew Prize für Frauen in der Architektur ausgezeichnet.

The Broad ist ein Museum für zeitgenössische Kunst, das von den Philanthropen Eli und Edythe Broad an der Grand Avenue im Zentrum von Los Angeles errichtet wurde.

Der Entwurf von Elizabeth Diller von Diller Scofidio + Renfro (DS+R) erfüllt meisterhaft die Anforderungen der Institution an öffentliche Ausstellungsflächen sowie an ein Archiv für die Leihbibliothek. Daraus entstand das innovative Konzept von “Schleier und Tresor” (Veil and Vault).

Anstatt die Archivflächen in den Hintergrund zu drängen, spielt der “Tresor” eine zentrale Rolle bei der Gestaltung des Museumserlebnisses vom Eingang bis zum Ausgang. Dieser massive, undurchsichtige Baukörper bleibt stets im Blickfeld und schwebt scheinbar in der Mitte des Gebäudes. Er wird vom “Schleier” umhüllt – einer wabenförmigen Netzstruktur, die das natürliche Tageslicht filtert und in das Innere des Gebäudes leitet, das sich über einen gesamten Straßenblock erstreckt.

Elizabeth Diller wurde vom Time Magazine in die Liste der “100 einflussreichsten Persönlichkeiten der Welt” aufgenommen und ist die erste Preisträgerin des MacArthur-Stipendiums im Bereich Architektur.

Hearst Castle, auch bekannt als “La Casa Grande” (Das große Haus) oder “La Cuesta Encantada” (Der verzauberte Hügel), ist das herrschaftliche Anwesen des Zeitungsmagnaten William Randolph Hearst in San Simeon, Kalifornien.

Diese prachtvolle Residenz im mediterranen Neorenaissance-Stil war ein monumentales Projekt von Julia Morgan, das von 1919 bis 1947 andauerte. Sie war die erste Frau, die an der renommierten Ecole des Beaux-Arts in Paris Architektur studierte, und zugleich die erste professionell praktizierende Architektin im Bundesstaat Kalifornien.

Dank ihrer fundierten Ausbildung war sie die perfekte Wahl für dieses überaus ehrgeizige Vorhaben, das Hearst Castle in eines der luxuriösesten und prächtigsten Privatanwesen der Welt verwandelte. Das Bauwerk integriert Hearsts umfangreiche Sammlung von Antiquitäten, Kunstwerken und monumentalen Architekturelementen auf meisterhafte Weise. Morgan entwarf nicht nur die Hauptgebäude, die Landschaftsgestaltung und die Schwimmbäder, sondern plante auch die Unterkünfte für die Angestellten sowie die Tiergehege bis ins kleinste Detail selbst.

Das in Berlin ansässige Architekturbüro Sauerbruch Hutton gewann den Wettbewerb für den Erweiterungsbau eines Büroturms – eines der ersten Gebäude, das im Zuge des Wiederaufbaus von Berlin in den 1950er Jahren errichtet wurde.

Der Entwurf stammt von Louisa Hutton, die das Büro gemeinsam mit Matthias Sauerbruch in London gründete und 1993 nach Berlin verlegte. Der Turm wurde 1999 fertiggestellt, und Huttons Design wurde für seine außergewöhnliche Umweltfreundlichkeit gelobt. Die Fassade nutzt ein innovatives Sonnenschutzsystem, Doppelverglasung und maximiert die Nutzung des natürlichen Tageslichts.

Die Hochhauscharakteristik des Gebäudes greift die Büroarchitektur der 50er Jahre auf, behält jedoch einen zukunftsweisenden technologischen Ansatz bei. Der neue Turm bietet eine mustergültige Arbeitsumgebung durch die passive Steuerung des Energieverbrauchs und definiert gleichzeitig eine Architektursprache neu, in der der Wert emotionaler Räume tiefgreifend neu bewertet wird.

Das Kunstmuseum São Paulo (MASP), entworfen von der verstorbenen italienisch-brasilianischen Architektin Lina Bo Bardi, gilt als das wichtigste Werk ihrer illustren Karriere.

Das Museum wurde von Grund auf neu an der Avenida Paulista errichtet und 1968 eröffnet. Es ruht auf massiven Stützen über einem öffentlichen Platz, um die Sichtachsen der Stadt nicht zu blockieren. Das Bauwerk ist eine faszinierende Verschmelzung von Modernismus und Brutalismus. Anstatt die wuchtigen, tragenden Betonpfeiler zu verbergen, strich Bo Bardi sie in einem leuchtenden Rot, um bewusst die Aufmerksamkeit auf sie zu lenken.

Eine weitere Innovation zeigte sich in der Art und Weise, wie sie die Ausstellung konzipierte. Sie forderte die etablierten Normen der westlichen Kunstwelt heraus, indem sie Gemälde aus unterschiedlichsten Epochen und Thematiken nebeneinander auf freistehenden Glasstaffeleien präsentierte. Dadurch demonstrierte sie einen überaus mutigen und meisterhaften kreativen Umgang mit der Geschichte.

Das Projekt Miami Museum Garage des New Yorker Büros WORKac verwandelt den einfachen und mitunter frustrierenden Vorgang des Parkens in eine unerwartete Gelegenheit für soziale Interaktion.

Der Entwurf von Amale Andraos, Direktorin und Mitbegründerin von WORKac, stellt eine intelligente räumliche Nutzung direkt an der Gebäudefassade dar. Mit einer Tiefe von nur etwa 1,2 Metern integriert diese Fassade eine vertikale Abfolge öffentlicher Räume: eine Graffiti-Kunstausstellung, einen Kinderspielplatz mit Rutsche und Kletterwand, einen Garten mit einer einsamen Palme, ein DJ-Pult am oberen Ende der Fluchttreppe, eine Leihbibliothek, einen Hörraum, einen Brunnen, eine Bar, eine Wasch- und Ladestation für Elektroautos sowie eigene Bereiche für Haustiere.

Einige Parkplätze auf dem Dach wurden bewusst weggelassen, um Platz für ein kleines Auditorium und einen “Strand”-Bereich zu schaffen. Ein Regenwasserspeicher auf dem Dach dient der Bewässerung des Gartens. Die öffentlichen Bereiche und das verbindende Treppensystem sind an der Fassade durch ein metallisches Netz deutlich sichtbar und präsentieren sich der Straße unten wie eine lebendige urbane “Ameisenfarm”.

Inmitten der berühmten Skyline im Zentrum von Chicago, im Viertel Lakeshore East, erhebt sich der Aqua Tower. Entworfen von Jeanne Gang (Studio Gang), stellte das Gebäude bei seiner Fertigstellung im Jahr 2009 eine spektakuläre Bereicherung für die Stadt dar.

Dieser 82-stöckige Wolkenkratzer vereint Funktionalität und Eleganz in perfekter Harmonie. Der über 13.000 Quadratmeter große Sockel öffnet sich zu einer beeindruckenden, rund 7.600 Quadratmeter großen Dachterrasse, die mit üppigen Gärten, Schwimmbädern und sogar Feuerstellen ausgestattet ist.

Gang und ihr Team legten großen Wert auf Nachhaltigkeit und integrierten Lösungen wie Sonnenschutzsysteme, wassersparende Vorrichtungen und ausgedehnte Dachbegrünungen. Trotz der Herausforderungen durch mögliche Wärmebrücken erhielt das Bauwerk die LEED-NC-Zertifizierung und bietet den Bewohnern zahlreiche umweltfreundliche Annehmlichkeiten. Zu den Auszeichnungen des Aqua Towers zählen der Emporis Skyscraper Award 2009 und die Aufnahme in die Liste der 200 besten Orte in Illinois. Bemerkenswert ist zudem, dass es zum Zeitpunkt seiner Einweihung das höchste von einer Frau entworfene Gebäude der Welt war.

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Inmitten der trockenen Thar-Wüste in Rajasthan stellt die Rajkumari Ratnavati Mädchenschule, entworfen vom New Yorker Büro Diana Kellogg, ein einzigartiges Bauwerk dar, das Innovation und Tradition auf brillante Weise miteinander verbindet. Die Schule bietet bis zu 400 Kindern vom Kindergarten bis zur 10. Klasse Platz und unterrichtet zudem traditionelle Künste wie Weben und Sticken.

Die ovale Form der Schule wurde von der umgebenden Landschaft inspiriert und technisch so konzipiert, dass sie extremen Temperaturen von bis zu 50 Grad Celsius standhält. Die Struktur aus goldenem Wüstensandstein wirkt wie eine schützende Umarmung, ein starkes Symbol für Resilienz und Weiblichkeit. Durch die Anwendung jahrtausendealter Bautechniken, wie Kalkmörtel und Jali-Gitterwände, bleiben die Innenräume ohne den Einsatz von Klimaanlagen stets angenehm kühl. Diese Gitterstruktur dient gleichzeitig als dezenter Sichtschutz, der es den Schülerinnen ermöglicht, sicher und unbeschwert im geschützten Innenhof zu spielen.

Das architektonische Meisterwerk wurde unter anderem mit der prestigeträchtigen AD100-Auszeichnung und dem Honor Award bei den AIANY Design Awards 2022 geehrt.

Mit ihrer futuristischen und faszinierenden Ästhetik nutzt die von Špela Videčnik (OFIS Architects) entworfene Borisov Arena die natürlichen Gegebenheiten des Standorts und das vorhandene Terrain optimal aus, während der Baumbestand weitestgehend erhalten blieb. Die Architektur erzeugt von der Straße aus die Illusion vollkommener Geschlossenheit, offenbart jedoch aus der Vogelperspektive ein spektakulär geöffnetes Kuppeldach.

Videčniks Vision ist eine meisterhafte Symbiose aus Modernität und Harmonie. Die äußere Hülle wirkt wie ein zartes, perforiertes Seidenband, das das Skelett des Stadions elegant umschließt. Darunter verbirgt sich ein belebter öffentlicher Korridor mit Geschäften und vielfältigen Annehmlichkeiten. Über dieser geschäftigen Achse beherbergen die Galerien verschiedene Bereiche wie Büros, VIP-Lounges und Presseeinrichtungen. Es ist eine wahre Hommage an innovatives Design, das darauf abzielt, das Stadionerlebnis grundlegend neu zu definieren.

Der Entwurf des japanischen Architektenduos Kazuyo Sejima und Ryue Nishizawa (SANAA) für das Satellitenmuseum des Louvre ist Teil eines umfassenden Revitalisierungsprojekts für die ehemalige Bergbauregion in Nordfrankreich.

Anstatt einen monumentalen Museumsbau zu errichten, zeichnet sich das Gebäude durch eine flache, horizontale Struktur aus, die eine maximale Höhe von nur sechs Metern erreicht, um nahtlos mit der umliegenden Parklandschaft zu verschmelzen. Die Fassade ist mit polierten Aluminiumplatten verkleidet, die raffinierte Reflexionseffekte erzeugen. Sie spiegeln den Himmel, die Bäume und die Umgebung wider und lassen das architektonische Meisterwerk fast unsichtbar in seiner Umgebung aufgehen.

Mit einer sehr reduzierten Materialpalette sind fünf miteinander verbundene pavillonartige Baukörper entlang einer sanften Kurve über den gesamten Grundriss verteilt. Großzügige Glasfassaden und präzise platzierte Oberlichter sorgen dafür, dass die Ausstellungsräume mit natürlichem Tageslicht durchflutet werden, während die empfindlichen Kunstwerke gleichzeitig optimal geschützt bleiben.

Die räumliche Gestaltung im Inneren bietet eine außergewöhnliche Flexibilität. Ein besonderes Highlight ist die säulenfreie zentrale Galerie mit dem Namen “Galerie du Temps” (Galerie der Zeit), in der Meisterwerke aus unterschiedlichsten historischen Epochen in einer kontinuierlichen chronologischen Reihenfolge präsentiert werden.

Erbaut auf einem ehemaligen Militärflugplatz der Sowjetunion – einer Standortwahl von enormer symbolischer Bedeutung – ist die libanesisch-französische Architektin Lina Ghotmeh eine der drei federführenden Persönlichkeiten von Dorell.Ghotmeh.Tane (DGT) hinter diesem bemerkenswerten Projekt. Das Gebäude wurde 2013 mit dem prestigeträchtigen Preis “Europäisches Museum des Jahres” ausgezeichnet.

Das Design präsentiert einen langgestreckten, horizontalen Baukörper, der sich über das Gelände erstreckt und die alte Start- und Landebahn in eine sanft ansteigende architektonische Form verwandelt. Die weitläufigen Glasfassaden lassen großzügig Tageslicht in die Ausstellungsräume und erhalten gleichzeitig eine starke visuelle Verbindung zur umgebenden Natur. Die markante Neigung des Daches unterstreicht das Gefühl von Bewegung und Transformation, wodurch sowohl die historische Bedeutung des Ortes als auch die kulturelle Evolution Estlands reflektiert werden.

Im Inneren fließt die Besucherführung organisch durch die langgestreckte, offene Struktur. Anstelle einer bloßen Aneinanderreihung isolierter Räume entsteht eine kontinuierliche Reise, die die Gäste durch multifunktionale Zonen für Ausstellungen, Bildungsangebote und öffentliche Versammlungen führt.

Das 2012 fertiggestellte Heydar Aliyev Center hat sich zu einem Wahrzeichen der aserbaidschanischen Hauptstadt entwickelt. Es besticht durch seine skulpturale Form und stellt einen radikalen Bruch mit der traditionellen, starren Architekturgeometrie dar.

Der rund 57.500 Quadratmeter große Kulturkomplex umfasst Ausstellungsräume, ein Auditorium sowie ein Museum und spiegelt die unverwechselbare Architektursprache der irakisch-britischen Architektin Zaha Hadid wider. Durch den bewussten Verzicht auf scharfe Kanten und ein orthogonales Raster trägt das stählerne Raumfachwerk die fließenden Kurven. Dies erzeugt die Illusion einer einzigen, kontinuierlichen architektonischen Geste, die sich nahtlos aus dem Platz erhebt und sich faltet, um das Dach, die Wände und die Eingänge zu formen.

Die Außenhülle besteht aus Tausenden maßgeschneiderten Platten aus glasfaserverstärktem Beton (GRC) und glasfaserverstärktem Polyester (GRP). Diese Konstruktion lässt die Architektur harmonisch mit der Landschaft verschmelzen und verwandelt den angrenzenden öffentlichen Raum in eine rhythmisch geschwungene Platzanlage, in der die Grenzen zwischen Boden und Gebäude vollständig verschwimmen.

Im Innenbereich setzt sich die fließende Architektursprache fort. Großzügige Glasfronten lassen natürliches Tageslicht in die miteinander verbundenen Räume strömen. Das Ergebnis ist ein hochdynamisches Raumerlebnis, das die Rolle des Zentrums sowohl als kulturelle Institution als auch als kraftvolles architektonisches Statement eindrucksvoll unterstreicht.

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