五位新兴的香港服装设计师：探寻匠心、记忆与独特的创作之声

有什么面料是您可以永远与之合作的？

钟子豪：无纺布既普通又工业化且便宜，但如果你带着意图去处理它—如挤压或加热—其质感会发生翻天覆地的变化。这正是其迷人之处。

极简主义还是极繁主义—您倾向于哪一端？

钟嘉静：我更倾向于“减法”这个词。一件作品可以包含极大的工艺匠心，但最终依然能呈现出简洁利落的视觉效果。

Kinyan Lam（林健欣）

童年时期，香港设计师林健欣最爱的衣物是一件印有卡通形象的简单衬衫，按下时会发出声音。这让他开始思考服装除了外观之外还能提供什么。“我当时意识到，服装可以是趣味的，能够承载许多记忆，”这种感悟最终形塑了他的未来。

林健欣于2023年创立了个人同名品牌，并入选了2026年LVMH大奖的20位半决赛选手名单，成为继2015年的Anaïs Jourden和2024年的Ponder.er之后，第三位入围此阶段的香港品牌。其品牌的独特优势在于与中国贵州工匠的紧密合作。

贵州是中国南部的一个多山地区，也是侗族同胞的家园，他们古老的天然染色传统正面临失传的危机—这也是林健欣决心协助保护的宝贵技艺。“他们的工艺给了我成为设计师的意义，”林健欣表示，“重现这些传统并赞美它们，让我在这过度饱和的行业中找到了坚持创作的动力。”

林健欣对这种手工艺的探索始于从水果、花卉和根茎中提取的天然染料，并将这些色彩应用于棉麻等透气面料中。其2026秋冬系列《Grounded》聚焦于抽象的雕塑感针织花卉装饰—并非以通常与花朵关联的艳丽色彩呈现，而是以白色和大地色调为主—描绘了植物从花蕾到根部的完整形态。正如林健欣所言，这是对“植物根部未被察觉的力量以及大地原始诚实纹理”的礼赞。

在这些设计中最安静且考究的细节中，包括由贵州工匠手工缝制的纯棉线扣，固定着同色调的棉质衬衫。“我作品中的复杂性并非一眼可见，”他说道。“其精髓在于过程的丰富性—层层叠叠的染色、手工刺绣的精细、以及布料在人类手中传递时发生的细微变化—那才是真正承载了重量的地方。”

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当您感到创作灵感枯竭时会做什么？

我会清空思绪—照顾我的植物，或者仅仅是观察它们。那种静谧中蕴含着强大的力量，让我从过度思考中抽离出来，回到感受本身。

十年后您希望品牌达到怎样的状态？

我希望我们像一棵树那样成长—慢慢地，深深扎根。我们不追求成为行业内最喧嚣的名字，但我希望品牌能代表某种内涵—一种特定的生活方式。

Hei Lau（刘希）

Hei Lau将“第二层皮肤”这一形容贴身感的陈旧比喻，变成了令人不安的真实呈现。她在YDC 2025参赛作品《In Pain》中获得了最佳艺术指导奖，利用硅胶来模拟人类皮肤的质感。贴身、裸露肌肤的剪裁使面料与下方肌肤融为一体，创造出近乎裸露的视觉效果。这种不安感是有意为之：“在香港及大多数亚洲社会，对于大胆性感的着装仍缺乏包容度，”刘希说道。“我想挑战这种现状—反抗那些关于女性着装的老旧偏见。”

该系列汲取了BDSM文化及其恋物装束的精髓—一种建立在知情同意与互相协商基础上的亚文化，通过支配与顺从的行为获得快感。《五十度灰》系列电影在全球主流观众中揭开了BDSM文化的神秘面纱，但在亚洲大部分地区，关于该话题的公开讨论依然罕见；但这并未阻碍刘希。在《In Pain》系列中，金属装饰、绑带和束胸灵感的头饰—这些恋物风格的标志性元素—与贴身的硅胶材质并存。这种效果展现的是身体轮廓本身的诱惑，而非直接的挑逗。“对我而言，裸露暗示着原始的欲望、张力及对自己身体的自信，”她说道。“这些特质构成了Hei Lau的品牌光环。”

刘希最近担任了新角色：为包括本地创作歌手Moon Tang和女团Viva在内的客户打造表演服装。对于这些定制设计，她将招牌硅胶换成了蕾丝、豹纹和亮片等新材质—尽管其核心原则始终如一。“我从不局限于某种材料，”她说道。“更重要的是剪裁以及它如何修饰身体。”

她深受那些大胆赞美女性曲线的西方品牌启发—尤其是曾在创意总监Casey Cadwallader掌舵下的Mugler—同时保持对这些品牌局限性的清晰认识。这些品牌擅长的性感与紧身剪裁主要针对西方比例，而对刘希而言，这种差异正是她作品的起点：为像她一样的娇小亚洲女性进行设计。“我认为在香港和整个亚洲，最能代表我的设计是对亚洲女性需求深度的理解：剪裁贴身、大胆自信—并能赋予穿着者力量的设计。”

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用三个词描述您的风格？

裸露、性感、和谐。

如果可以为任何人设计服装，您会选择谁？

FKA Twigs和Doja Cat。我爱她们那种古怪且毫不掩饰的性感能量。

Aenrmous（郭颖儿、郑展达）

香港设计师组合郭颖儿与郑展达从历史与神话中汲取灵感，打造出具有普遍共鸣的设计作品。今年3月，他们的品牌Aenrmous作为“欢迎来到巴黎”项目的一部分在巴黎时装周发布了2026秋冬系列。该系列根植于波兰历史，灵感来源于1965年的电影《灰烬》，这部历史剧以拿破仑战争为背景，追溯了波兰对法国领导人的信心从顶点跌落至毁灭的过程，以及随之而来的漫长而痛苦的清算。“我们从那段破碎的历史中汲取灵感，创作成为了一种无声的抵抗，”郑展达说道。

该系列通过大地色系呈现出一种历经风霜的层次感，剪裁上带有自然的颓废美—束腰、毛边夹克以及下摆不规则的半身裙。一件标志性的黑色大衣以法式击剑夹克为基础，其高立领和多排扣设计让人想起拿破仑时代的军装剪裁。“这些造型表面上看起来可能显得暗沉、低调、静谧，”郭颖儿说，“但细看之下，你会发现不同的材质、层次与细节，讲述着历史记忆对我们着装方式的深远影响。”

该系列的亮点是一系列与波兰艺术家Aleksander Jurczak合作的头饰。它们的帽檐由一种能在低温下变硬的特殊蜡制材料制成，使其能够包裹并遮住穿着者的脸庞。这是一种标志性的情感表达：自2021年品牌成立以来，其模特总是以遮盖面部的方式呈现，无论是通过面具、帽子还是每季各异的结构造型。2026春夏系列参考了代表永生的古老象征“生命之树”，模特们的头部包裹着与造型色调一致的织物层，或者装饰着长长的枝蔓状延伸物。

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这一举动反映了设计师对匿名的坚持，正如品牌名称一样—这是他们从一开始就做出的承诺。“在一个人们往往更关注设计师或品牌本身而非作品价值的世界里，我们对匿名的坚持是为了将设计回归到中心位置。”

但这并不容易。“将抽象的情感转化为具象的东西从未容易过，”郑展达解释道。“让一种理念通过剪裁、比例、材质以及穿着方式完全呈现，是一个不断修订的过程。而坚持走下去就是我们存在的原因。”

有什么面料是您可以永远与之合作的？

郭颖儿：亚麻。它是最具多功能性的天然纤维之一—适应于各种织法、密度和纹理，既能保持结构感，又能随着时间的推移与穿着者自然贴合。它也是人类历史上最古老的纺织品之一，历经多个世纪，广泛应用于日常生活及仪式场合。

哪位电影制作人、设计师或作品对您的影响最大？

郭颖儿：苏联导演安德烈·塔可夫斯基1975年的电影《镜子》以及匈牙利导演贝拉·塔尔2011年的《都灵之马》是我们的主要灵感来源—它们都让我们以不同的方式重新思考设计和风格的本质。

Fab Flow（卓颖琳）

对于香港服装品牌Fab Flow的创始人卓颖琳来说，丹宁（牛仔）是充满无限可能的画布。她参与了由香港知专设计学院主办的为期三个月的“全球丹宁人才计划”，这让她对该材质的完整范围有了更严谨的掌握。“我开始理解单一的丹宁面料所能蕴含的丰富性，从面料选择—克重、成分、颜色—到洗水工艺和可持续流程。同样的材质，处理方式不同，产出的结果截然不同。”

她所说的“结果”不仅仅是指服装的成品，更包括其对环境的影响。她的2026秋冬女装系列使用了再生棉：这是一种创新的农业解决方案，通过能够主动恢复生态系统、改善土壤健康和增加生物多样性的耕作方法种植棉花。她随后采用激光打印技术，在不伤害环境或服装工人的前提下，实现了水洗和做旧效果。

同一系列运用了多种丹宁处理手法，但每个造型—均由相同色调的面料构成—都通过剪裁展现出独特的个性。“我迷恋丹宁的硬挺感，”她说道。“你会发现我的设计中使用了结构化肩部—锐利、明确的线条传递出一种力量感—同时服装的主体保持柔软与灵动。”亮点之一是一款带有夸张加宽肩部和长袖的夹克，腰部由一排纽扣收紧，裁剪成不规则下摆，搭配同款丹宁文胸上衣和鱼尾裙。

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转为专业设计师后，丹宁在日常穿搭中的多功能性成为了卓颖琳关注的核心。她意识到单一造型是不够的：“当设计成为产品时，你必须考虑穿着者的真实需求—同一件单品应具备多种穿搭可能。”这种思维在她2024年Centrestage首秀中已有所体现，其丹宁套装围绕“多重穿着”逻辑构建：一条短裙既可单穿，也可扣在同款裙片上形成长款廓形，或将裙片固定在露脐丹宁夹克的下摆，营造出风衣式的层次感。

“青少年时期，我常在镜子前用布料缠绕自己，不断别针和塑形，直到成形，”她回忆道。那种探索、解构与重组的本能，从未离开过她。

极简主义还是极繁主义—您倾向于哪一端？

很长一段时间里，我一直在做加法—增加层次、增加细节，仿佛复杂性能证明什么。我仍在寻找平衡点，但学会信任“减法”是我目前的方向。

如果可以为任何人设计服装，您会选择谁？

徐熙媛。她身上有一种无畏的韧性，让我深感触动。我希望这些衣服能反映这一点—为她的勇敢带来锐利的结构化剪裁，为她的优雅带来灵动的线条。