Cinque designer emergenti di Hong Kong tra artigianato, memoria e ricerca di una voce propria

Qual è un tessuto che usereste per sempre?

Chung Tsz Ho: Il tessuto non tessuto è ordinario e industriale, ma se trattato con intenzione—pressato o scaldato—la sua texture cambia completamente. È lì che risiede l’interesse.

Minimalisti o massimalisti?

Chung Ka Ching: Preferisco “essenziale”. Un abito può richiedere un’enorme maestria e apparire comunque pulito e diretto.

Kinyan Lam

Da bambino, il capo preferito di Kinyan Lam, designer di Hong Kong, era una semplice maglietta con un personaggio dei cartoni che suonava quando premuto. Gli ha fatto comprendere che l’abbigliamento può offrire molto più dell’estetica. “Capii che gli abiti potevano essere divertenti e portare con sé ricordi”, ricorda—una consapevolezza che ha plasmato il suo futuro.

Lam ha fondato il suo brand nel 2023; quest’anno è stato nominato tra i 20 semifinalisti per il Premio LVMH 2026, diventando il terzo brand di Hong Kong a raggiungere questo traguardo. Il punto di forza di Lam è la stretta collaborazione con gli artigiani della provincia cinese di Guizhou.

Il Guizhou è una regione montuosa nel sud del paese, patria della minoranza etnica Dong, le cui tradizioni ancestrali di tintura naturale affrontano il rischio di estinzione—una perdita che Lam è determinato a prevenire. “Il loro artigianato mi dà una ragione per essere un designer di Hong Kong”, dice Lam. “Celebrare queste tradizioni mi spinge a creare in un settore saturo”.

L’esplorazione di questa maestria da parte di Lam inizia con tinture naturali derivate da frutta, fiori e radici, usate per colorare tessuti traspiranti come cotone e lino. La sua collezione autunno-inverno 2026, Grounded, si concentra su decorazioni floreali a maglia astratte—non nei colori vivaci tipici dei fiori, ma in tonalità bianche e terrose—tracciando la forma completa di una pianta dal germoglio alla radice. È, come dice Lam, una celebrazione della “forza nascosta delle radici e delle texture oneste della Terra”.

Tra i dettagli più ricercati vi sono bottoni bianchi fatti interamente di filo, cuciti a mano dagli artigiani del Guizhou. “La complessità del mio lavoro non si legge a colpo d’occhio”, afferma. “Riguarda la ricchezza del processo—strati su strati di tintura, l’intricato ricamo a mano, i sottili cambiamenti del tessuto passato tra mani umane—lì risiede il peso vero”.

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Cosa fai quando ti senti poco ispirato?

Svuoto la mente—mi prendo cura delle mie piante o semplicemente le osservo. C’è una potenza tranquilla in quella calma, che mi riporta dal rimuginare al sentire.

Dove vedi il tuo brand tra dieci anni?

Spero cresca come un albero—lentamente, con radici profonde. Non miriamo a essere il nome più rumoroso, ma voglio che il brand rappresenti uno stile di vita.

Hei Lau

Hei Lau ha preso la metafora della “seconda pelle” e l’ha resa incredibilmente reale. La sua proposta YDC 2025, In Pain—premiata per la miglior direzione artistica—usa il silicone per replicare la texture cutanea. Tagli aderenti fondono il tessuto con la pelle, creando un effetto che rasenta la nudità. Tale disagio è intenzionale: “A Hong Kong e in molte società asiatiche, c’è ancora poca tolleranza per uno stile apertamente sexy”, dice Lau. “Voglio sfidare questi pregiudizi obsoleti su come le donne dovrebbero vestirsi”.

La collezione attinge alla cultura BDSM e al fetish dressing—una sottocultura basata sul consenso in cui il piacere deriva da atti di dominazione e sottomissione. La serie di film 50 Sfumature di Grigio ha sdoganato il tema, ma in Asia rimane un tabù; ciò non ferma Lau. In Pain presenta accenti metallici, cinghie e copricapi ispirati ai corsetti—elementi tipici di questi designer di Hong Kong—accanto a capi in silicone. L’effetto enfatizza la silhouette corporea più che l’intento seduttivo. “Per me, il nudo suggerisce desiderio puro, tensione sessuale e fiducia nel proprio corpo”, afferma.

Lau ha recentemente assunto un nuovo ruolo: creare costumi di scena per clienti come la cantante Moon Tang e il gruppo Viva. Per questi design, il suo silicone lascia spazio a materiali come pizzo, stampe animalier e paillettes, mantenendo il principio guida. “Non mi limito mai a un solo materiale”, dice. “Conta il taglio e come modella il corpo”.

Si ispira a brand occidentali come Mugler, pur restando consapevole dei loro limiti. La sensualità e i tagli fascianti di tali marchi sono concepiti per proporzioni occidentali, e per Lau, quel divario è dove inizia il suo lavoro: creare per donne asiatiche minute come lei. “Ciò che mi rappresenta, a Hong Kong e in Asia, è una profonda comprensione di ciò di cui le donne asiatiche hanno bisogno: design aderenti, audaci e sicuri che diano potere a chi li indossa”.

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Tre parole per descrivere il tuo stile?

Nudo. Sensuale. Armonia.

Se potessi vestire chiunque, chi sarebbe?

FKA Twigs e Doja Cat. Amo la loro energia eccentrica e audacemente sexy.

Aenrmous (di Uia Kwok, Kenneth Cheang)

Il duo di Hong Kong Uia Kwok e Kenneth Cheang attinge a riferimenti storici e mitici per creare design di risonanza universale. A marzo, il brand Aenrmous ha svelato la collezione autunno-inverno 2026 durante la Paris Fashion Week. La linea è radicata nella storia polacca, ispirandosi al film del 1965 Cenere, un dramma storico ambientato durante le guerre napoleoniche. “Ci siamo ispirati a quella storia travagliata, dove creare è diventata una forma di resistenza silenziosa”, afferma Cheang.

La collezione presenta una qualità vissuta attraverso una palette terrosa e tagli che richiamano uno stato di trasandatezza ricercata—vita stretta, giacche dai bordi grezzi e gonne con orli irregolari. Un cappotto nero iconico prende come base la giacca da scherma francese, con il suo alto colletto rigido che ricorda l’uniforme napoleonica. “Questi look possono apparire scuri e silenziosi in superficie”, dice Kwok, “ma osservandoli troverete texture e dettagli che testimoniano l’influenza della memoria storica sul nostro modo di vestire”.

Il culmine della collezione è una serie di copricapi creati con l’artista polacco Aleksander Jurczak. Le loro falde sono realizzate in un materiale cerato che si irrigidisce con il freddo, chiudendosi attorno al volto. È un segno distintivo: dal 2021, il brand ha celato i volti dei modelli attraverso maschere o strutture mutevoli. La collezione primavera-estate 2026 ha fatto riferimento all’Albero della Vita. Le teste dei modelli erano avvolte in strati di tessuto o dotate di estensioni simili a rami.

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Questo gesto riflette l’impegno dei designer di Hong Kong per l’anonimato, proprio come il nome del loro brand. “In un mondo che spesso acquista il designer piuttosto che il lavoro, il nostro anonimato riporta il design al centro”.

Non che sia semplice. “Tradurre una sensazione astratta in qualcosa di concreto non è mai facile”, spiega Cheang. “Far esistere un’idea attraverso taglio, proporzione e tessuto richiede revisioni costanti. Perseverare è il nostro compito”.

C’è un tessuto che usereste indefinitamente?

Kwok: Il lino. È una delle fibre naturali più versatili—capace di mantenere la struttura pur adattandosi a chi lo indossa nel tempo. È uno dei tessuti più antichi della storia umana, presente in culture e secoli diversi.

C’è un regista o un artista che vi ha plasmato maggiormente?

Kwok: Il regista sovietico Andrei Tarkovsky con Lo Specchio e l’ungherese Béla Tarr con Il Cavallo di Torino sono state le nostre ispirazioni principali—ci hanno fatto pensare in modo diverso a cosa possano essere design e stile.

Fab Flow (di Jasmine Cheuk)

Per Jasmine Cheuk, fondatrice del brand di Hong Kong Fab Flow, il denim è una tela di possibilità. La partecipazione al Global Denim Talent Programme 2025 le ha dato una base rigorosa sul potenziale di questo materiale. “Ho compreso quanta varietà possa racchiudere un singolo pezzo di denim, dalla selezione del tessuto—peso, composizione, colore—alle tecniche di lavaggio e ai processi sostenibili”, racconta a Tatler.

Il “risultato” di cui parla si estende oltre le finiture, includendo anche l’impatto ambientale. La sua collezione donna autunno-inverno 2026 usa cotone rigenerativo: una soluzione agricola innovativa che ripristina gli ecosistemi e migliora la salute del suolo. Utilizza poi la tecnologia di stampa laser per ottenere effetti di lavaggio e usura senza danni all’ambiente o ai lavoratori.

La stessa collezione spazia tra vari trattamenti del denim, trovando il proprio carattere attraverso il taglio. “Sono attratta dalla rigidità del tessuto”, afferma. “Noterete spalle strutturate nei miei design—linee nette che proiettano forza—mentre il corpo del capo resta fluido”. Uno dei pezzi forti è una giacca con spalle drammaticamente larghe e maniche piene, stretta in vita da bottoni e tagliata con un orlo irregolare, indossata con un reggiseno in denim coordinato.

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La versatilità del denim nell’abbigliamento quotidiano è diventata un focus più nitido per Cheuk. Si è resa conto che non bastava un solo outfit: “Quando un design diventa un prodotto, devi pensare a cosa serve davvero a chi lo indossa”. Questa logica era già presente nel suo debutto al Centrestage 2024, dove l’ensemble in denim era costruito per essere multi-uso: una gonna corta indossabile da sola, abbottonata su un pannello per una silhouette lunga, o fissata all’orlo di una giacca corta per un effetto stratificato.

“Da adolescente, drappeggiavo tessuti su di me davanti allo specchio, modellando finché qualcosa prendeva forma”, ricorda. Quell’istinto di esplorare e ricostruire non l’ha mai abbandonata.

Minimalista o massimalista?

Per molto tempo ho continuato ad aggiungere—più strati, più dettagli, come se la complessità potesse provare qualcosa. Sto ancora trovando l’equilibrio, ma imparare ad aver fiducia nel togliere è la direzione verso cui vado.

Se potessi vestire chiunque, chi sarebbe?

Barbie Hsu. C’era una resilienza intrepida in lei che trovo avvincente. Vorrei che gli abiti la riflettessero—silhouette nette per la sua audacia, linee fluide per la sua grazia.