Cinq jeunes designers de mode de Hong Kong sur le savoir-faire, la mémoire et la quête d'une voix propre

Kinyan Lam

Enfant, le vêtement préféré du créateur hongkongais Kinyan Lam était une simple chemise imprimée d’un personnage de dessin animé qui émettait un son lorsqu’on appuyait dessus. Cela l’a amené à réfléchir à ce que le vêtement pouvait offrir au-delà de l’apparence. “J’ai réalisé alors que les vêtements pouvaient être ludiques et porteurs de tant de souvenirs”, se souvient-il — une prise de conscience qui allait orienter l’avenir de ces designers de mode.

Lam a fondé sa marque éponyme en 2023. Cette année, il a été nommé parmi les 20 demi-finalistes du prix LVMH 2026, devenant ainsi la troisième marque de Hong Kong à atteindre ce stade, après Anaïs Jourden en 2015 et Ponder.er en 2024. L’atout majeur de Lam réside en partie dans son étroite collaboration avec des artisans de la province chinoise du Guizhou.

Le Guizhou est une région montagneuse au sud du pays, foyer de la minorité ethnique Dong, dont les traditions ancestrales de teinture naturelle font face à un risque d’extinction — une perte que Lam est déterminé à prévenir. “Leur savoir-faire me donne une raison d’être designer”, explique Lam. “Ressusciter ces traditions et les célébrer me donne une motivation pour continuer à créer dans une industrie saturée.”

L’exploration de cet artisanat par Lam commence avec des teintures naturelles issues de fruits, de fleurs et de racines, qu’il utilise pour colorer des matières respirantes comme le coton et le lin. Sa collection automne-hiver 2026, intitulée Grounded, met à l’honneur des ornements floraux tricotés, abstraits et sculpturaux — présentés non pas dans les couleurs vives habituellement associées aux fleurs, mais dans des tons blancs et terreux — traçant la forme complète d’une plante, du bourgeon à la racine. C’est, comme le dit Lam, une célébration de “la force invisible des racines et des textures brutes et honnêtes de la Terre”.

Parmi les détails les plus discrets mais les plus réfléchis de ces designers de mode, on trouve des boutons blancs entièrement fabriqués à partir de fils cousus main par les artisans du Guizhou, retenant des chemises en coton dans les mêmes tons pâles. “La complexité de mon travail ne se lit pas au premier coup d’œil”, dit-il. “Il s’agit de la richesse du processus — couches sur couches de teinture, minutie de la broderie main, changements subtils qui résultent du passage du tissu entre les mains humaines — c’est là que réside le véritable poids de la création.”

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Que faites-vous lorsque vous manquez d’inspiration ?

Je vide mon esprit — en m’occupant de mes plantes ou simplement en les observant. Il y a une force tranquille dans ce silence, une force qui m’éloigne de la rumination pour me ramener au ressenti.

Où voyez-vous votre marque dans dix ans ?

J’espère que nous croîtrons comme un arbre : lentement, avec des racines profondes. Nous ne cherchons pas à être le nom le plus tonitruant de l’industrie, mais je veux que la marque incarne quelque chose — un certain art de vivre.

Hei Lau

Hei Lau a pris la métaphore de la “seconde peau” — souvent galvaudée pour désigner un vêtement ajusté — pour la rendre inconfortablement réelle. Sa participation au YDC 2025, avec une collection intitulée In Pain — lauréate du prix Best Art Direction — utilise le silicone pour reproduire la texture de la peau humaine. Des coupes ajustées et suggestives fusionnent le tissu à la peau, créant un effet étrangement proche de la nudité. Ce malaise est intentionnel : “À Hong Kong et dans la plupart des sociétés asiatiques, il existe encore peu de tolérance pour une manière de s’habiller ouvertement sexy”, explique Lau. “Je veux défier cela ; résister aux préjugés dépassés sur la façon dont les femmes se vêtent.”

La collection puise dans la culture BDSM et le fétichisme — une sous-culture fondée sur le consentement éclairé et la négociation mutuelle, où le plaisir est trouvé dans des jeux de domination et de soumission. Si la saga cinématographique Fifty Shades of Grey a démystifié le BDSM auprès du grand public, la conversation reste rare en Asie ; ce qui n’arrête pas Lau. In Pain présente des accents métalliques, des sangles et des accessoires de tête inspirés des corsets — signatures du vestiaire fétichiste — aux côtés de vêtements en silicone moulant. L’effet souligne l’attrait de la silhouette corporelle plutôt qu’une intention séductrice ostensible. “Pour moi, le nu évoque le désir brut, la tension sexuelle et la confiance en son propre corps”, dit-elle. “Ces qualités forment l’aura d’Hei Lau.”

Lau a récemment endossé un nouveau rôle : créer des costumes de scène pour des clientes comme la chanteuse Moon Tang et le groupe Viva. Pour ces créations sur mesure, son silicone signature cède la place à de nouvelles matières — dentelle, imprimé léopard, sequins — bien que son principe directeur reste inchangé. “Je ne me limite jamais à une seule matière”, assure-t-elle. “Ce qui compte davantage, c’est la coupe et la manière dont elle sculpte le corps.”

Elle s’inspire de marques occidentales qui célèbrent ouvertement le corps féminin — Mugler, particulièrement sous l’égide de l’ancien directeur artistique Casey Cadwallader — tout en restant lucide sur leurs limites. La sensualité et les coupes près du corps que maîtrisent ces maisons sont conçues pour des proportions occidentales, et pour Lau, c’est précisément là que commence le travail de ces designers de mode : créer pour des femmes asiatiques petites et fines comme elle. “Ce que je crois incarner le mieux, à Hong Kong et en Asie, c’est une compréhension profonde des besoins des femmes asiatiques : des designs ajustés, audacieux et confiants, qui valorisent celle qui les porte.”

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Trois mots pour décrire votre style ?

Nu. Sensuel. Harmonie.

Si vous pouviez habiller qui vous voulez, qui serait-ce ?

FKA Twigs et Doja Cat. J’aime leur énergie excentrique et leur sensualité décomplexée.

Aenrmous (par Uia Kwok, Kenneth Cheang)

Le duo hongkongais Uia Kwok et Kenneth Cheang puise dans des références historiques et mythiques pour élaborer des designs à portée universelle. En mars, leur label Aenrmous a dévoilé sa collection automne-hiver 2026 lors du programme Welcome to Paris à la Fashion Week. La collection est profondément ancrée dans l’histoire polonaise, inspirée par le film de 1965 Cendres — un drame historique se déroulant durant les guerres napoléoniennes qui retrace la foi de la Pologne envers le leader français, de son apogée à son inévitable chute, suivie d’une longue et douloureuse introspection. “Nous avons tiré notre inspiration de cette histoire brisée, où la création est devenue une forme de résistance silencieuse”, explique Cheang.

La collection dégage une patine et une superposition, avec une palette terreuse et des coupes qui évoquent naturellement le désordre — tailles cintrées, vestes aux bords francs et jupes aux ourlets inégaux. Un manteau noir marquant prend la veste d’escrimeur française pour base, son col montant et ses rangées parallèles de boutons rappelant la silhouette d’un uniforme napoléonien. “Ces looks peuvent paraître sombres, discrets ou tranquilles en surface”, dit Kwok, “mais si vous regardez de plus près, vous découvrirez des textures, des strates et des détails qui témoignent de l’influence durable de la mémoire historique sur notre façon de nous habiller.”

Le point d’orgue de la collection est une série d’accessoires de tête créés en collaboration avec l’artiste polonais Aleksander Jurczak. Leurs bords sont confectionnés dans une matière cirée qui se raidit par temps froid, se refermant ainsi autour du visage de celui ou celle qui les porte. C’est un sentiment signature : depuis sa création en 2021, la marque présente des mannequins dont le visage est dissimulé par des masques, des chapeaux ou des structures changeant à chaque saison. La collection printemps-été 2026 a évoqué l’Arbre de Vie, symbole antique d’immortalité. Les têtes des mannequins étaient enveloppées de couches de tissus ton sur ton ou ornées d’extensions ressemblant à des branches.

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Ce geste reflète l’engagement des designers de mode envers l’anonymat, tout comme le nom de leur marque — une approche choisie dès le début. “Dans un monde où les gens achètent souvent le créateur ou la marque plutôt que le travail lui-même, notre anonymat vise à replacer le design au centre de tout.”

Ce n’est pas toujours simple. “Traduire un sentiment abstrait en une forme concrète n’est jamais facile”, explique Cheang. “Réussir à faire exister une idée à travers la coupe, la proportion, le tissu, la manière dont le vêtement est porté — c’est toujours un processus de révision constante. Et c’est précisément ce pour quoi nous sommes là.”

Y a-t-il un tissu que vous travailleriez indéfiniment ?

Kwok : Le lin. C’est l’une des fibres naturelles les plus polyvalentes — adaptable en tissage, densité et texture, capable de structurer tout en bougeant naturellement avec celui qui le porte au fil du temps. C’est aussi l’un des textiles les plus anciens de l’histoire humaine, présent dans toutes les cultures et siècles pour des usages quotidiens comme cérémoniels.

Y a-t-il un cinéaste, un designer de mode ou une œuvre qui vous a le plus marqué ?

Kwok : Le film Le Miroir (1975) du réalisateur soviétique Andreï Tarkovski et Le Cheval de Turin (2011) du cinéaste hongrois Béla Tarr ont été nos inspirations majeures — tous deux nous ont amenés à repenser fondamentalement ce que peuvent être le design et le style.

Fab Flow (par Jasmine Cheuk)

Pour Jasmine Cheuk, fondatrice de la marque de mode locale Fab Flow, le denim est une toile de possibilités infinies. Sa participation au Global Denim Talent Programme 2025 — une incubation de trois mois organisée par le Hong Kong Design Institute — lui a permis d’acquérir une maîtrise plus rigoureuse de ce matériau. “J’ai appris à quel point un seul morceau de denim peut contenir de variations, du choix du tissu — poids, composition, couleur — aux techniques de délavage et aux processus durables”, confie-t-elle à Tatler. “Le même tissu, traité différemment, donne un résultat totalement inédit.”

Le résultat dont elle parle s’étend au-delà des finitions : il englobe l’impact environnemental. Sa collection de mode féminine automne-hiver 2026 utilise du coton régénératif : une solution agricole innovante qui restaure les écosystèmes, améliore la santé des sols et accroît la biodiversité. Elle emploie ensuite la technologie laser pour obtenir des effets de délavage sans nuire à l’environnement ni aux travailleurs.

La collection explore diverses méthodes de traitement du denim, chaque look — construit entièrement à partir de tissus de la même palette tonale — trouvant sa propre personnalité par la coupe seule. “Je suis attirée par la rigidité du tissu”, dit-elle. “Vous remarquerez des épaules structurées dans mes designs — des lignes nettes qui projettent une sensation de force — tandis que le corps du vêtement reste fluide.” L’une des pièces phares est une veste aux épaules dramatiquement élargies et manches pleines, cintrée à la taille par une rangée de boutons, portée avec un haut en denim et une jupe style queue de poisson.

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La polyvalence du denim dans le vestiaire quotidien est devenue un axe majeur pour Cheuk dès qu’elle a commencé à concevoir professionnellement. Elle a compris que réussir une tenue ne suffisait pas : “Quand un design devient un produit, il faut penser aux besoins réels de celui qui le porte — une même pièce devrait fonctionner de plusieurs manières.” Cette réflexion était déjà à l’œuvre lors de ses débuts à Centrestage en 2024, où son ensemble en denim reposait sur une logique multi-usage : une jupe courte portée seule, boutonnée à un panneau assorti pour former une silhouette plus longue, ou fixée à l’ourlet d’une veste courte pour un effet superposé façon trench.

“Adolescente, je drapais des tissus sur moi devant le miroir, épinglant et sculptant jusqu’à ce qu’une forme apparaisse”, se souvient-elle. Cet instinct — explorer, déconstruire et reconstruire — ne l’a jamais quittée.

Minimaliste ou maximaliste : où vous situez-vous sur le spectre ?

Pendant longtemps, j’ai ajouté — plus de couches, plus de détails, comme si la complexité pouvait prouver quelque chose. Je cherche encore l’équilibre, mais apprendre à faire confiance au dépouillement est la voie que je privilégie.

Si vous pouviez habiller qui vous voulez, qui serait-ce ?

Barbie Hsu. Il y avait en elle une résilience intrépide que je trouve profondément fascinante. Je voudrais que les vêtements reflètent cela — des silhouettes nettes et structurées pour son audace, des lignes fluides pour sa grâce.