Cinco diseñadores de moda emergentes de Hong Kong sobre artesanía, memoria y la búsqueda de su propia voz

¿Cuál es un tejido con el que podrían trabajar para siempre?

Chung Tsz Ho: La tela no tejida es ordinaria, industrial y económica, pero si la tratas con intención (presionándola o calentándola), su textura cambia por completo. Ahí es precisamente donde reside el interés para estos diseñadores.

Minimalistas o maximalistas, ¿dónde se sitúan en el espectro?

Chung Ka Ching: Prefiero el término “depurado”. Una prenda puede implicar una enorme cantidad de artesanía y, al final, verse limpia y directa.

Kinyan Lam

De niño, la prenda favorita del diseñador de Hong Kong Kinyan Lam era una camisa sencilla estampada con un personaje de dibujos animados que sonaba al presionarlo. Eso le hizo considerar lo que la ropa podía ofrecer más allá de la apariencia. “Me di cuenta entonces de que la ropa podía ser divertida, que podía llevar consigo mucha memoria”, recuerda, una realización que marcaría el futuro de uno de los diseñadores más prometedores.

Lam fundó su marca homónima en 2023; este año, ha sido nombrado uno de los 20 semifinalistas para el Premio LVMH 2026, convirtiéndose en la tercera marca de Hong Kong en alcanzar esta etapa, tras Anaïs Jourden en 2015 y Ponder.er en 2024. El valor diferencial de Lam reside en parte en su estrecha colaboración con artesanos de la provincia china de Guizhou.

Guizhou es una región montañosa en el sur del país y hogar de la minoría étnica Dong, cuyas tradiciones ancestrales de teñido natural enfrentan la amenaza de la extinción, una pérdida que Lam está decidido a ayudar a prevenir. “Su artesanía me da una razón para ser diseñador”, dice Lam. “Recuperar estas tradiciones y celebrarlas me da un motivo para seguir creando en una industria sobresaturada”.

La exploración de esta artesanía por parte de Lam comienza con tintes naturales derivados de frutas, flores y raíces, que utiliza para colorear tejidos transpirables como el algodón y el lino. Su colección otoño-invierno 2026, titulada Grounded, se centra en adornos florales de punto, abstractos y escultóricos, realizados no en los colores vívidos típicamente asociados con las flores, sino en tonos blancos y terrosos, trazando la forma completa de una planta desde el capullo hasta la raíz. Es, como dice Lam, una celebración de “la fuerza invisible de las raíces de las plantas y las texturas crudas y honestas de la Tierra”.

Entre los detalles más silenciosos pero más considerados de los diseños se encuentran botones blancos hechos totalmente de hilo, cosidos a mano por artesanos de Guizhou, que sujetan camisas de algodón en el mismo tono pálido. “La complejidad en mi trabajo no es algo que puedas leer de un vistazo”, comenta este de los diseñadores destacados. “Se trata de la riqueza del proceso: capa tras capa de teñido, la complejidad del bordado a mano, los cambios sutiles que provienen de la tela pasando por manos humanas; ahí es donde reside el verdadero peso”.

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¿Qué hace cuando se siente sin inspiración?

Vació mi mente: cuidando mis plantas o simplemente observándolas. Hay un poder silencioso en esa quietud, uno que me aleja de pensar demasiado y me lleva a sentir.

¿Dónde ve su marca dentro de diez años?

Espero que crezcamos como un árbol: lentamente, con raíces profundas. No aspiramos a ser el nombre más ruidoso de la industria, pero quiero que la marca represente algo: una forma de vida específica.

Hei Lau

Hei Lau tomó la “segunda piel”, una metáfora muy usada para un ajuste ceñido, y la hizo incómodamente real. Su propuesta para el YDC 2025, una colección titulada In Pain (receptora del premio a la Mejor Dirección Artística), utiliza silicona para replicar la textura de la piel humana. Cortes ajustados que dejan la piel al descubierto funden el tejido con la piel debajo, creando un efecto incómodamente cercano a la desnudez. Esa inquietud es intencionada: “En Hong Kong y en la mayoría de las sociedades asiáticas, todavía hay poca tolerancia para vestirse de una manera que sea abiertamente sexy”, dice Lau. “Quiero desafiar eso; presionar contra los prejuicios obsoletos sobre cómo se visten las mujeres”, afirma una de las diseñadoras más disruptivas.

La colección se basa en la cultura BDSM y su vestimenta fetichista: una subcultura construida sobre el consentimiento informado y la negociación mutua, en la cual el placer se encuentra a través de actos de dominación y sumisión. La serie de películas Cincuenta sombras de Grey, lanzada entre 2015 y 2018, desmitificó la cultura BDSM entre las audiencias principales en todo el mundo, aunque en gran parte de Asia, la conversación abierta sobre el tema sigue siendo poco común; no es que eso detenga a Lau. In Pain presenta detalles metálicos, correas y tocados inspirados en corsés, elementos fundamentales de la vestimenta fetichista, junto con prendas de silicona ajustadas. El efecto habla del encanto de la silueta del cuerpo más que de cualquier intención seductora manifiesta. “Para mí, desnudo sugiere deseo crudo, tensión sexual y confianza en el propio cuerpo”, dice. “Esas cualidades forman el aura de Hei Lau”.

Lau ha encontrado recientemente un nuevo rol: crear vestuario de actuación para clientes como la cantautora local Moon Tang y el grupo femenino Viva. Para estos diseños personalizados, su silicona característica da paso a nuevos materiales (encaje, estampado de leopardo, lentejuelas), aunque su principio rector permanece inalterado. “Nunca me limito a un solo material”, dice. “Lo que importa más es el corte y cómo moldea el cuerpo”.

Se inspira en marcas occidentales que celebran abiertamente la forma femenina, destacando especialmente Mugler bajo la dirección del ex director creativo Casey Cadwallader, sin dejar de tener claras sus limitaciones. La sensualidad y los cortes que marcan el cuerpo en los que tales marcas destacan están concebidos en gran medida con proporciones occidentales en mente, y para Lau, esa brecha es precisamente donde comienza su trabajo: diseñar para mujeres asiáticas menudas construidas como ella. “Lo que creo que me representa más, en Hong Kong y en toda Asia, es una comprensión profunda de lo que las mujeres asiáticas necesitan de un corte: diseños que sean ajustados, audaces y seguros, y que empoderen a quien los vista”.

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¿Tres palabras para describir su estilo?

Desnudo. Sensual. Armonía.

Si pudiera diseñar para alguien, ¿quién sería?

FKA Twigs y Doja Cat. Me encanta su energía peculiar y descaradamente sexy.

Aenrmous (por Uia Kwok, Kenneth Cheang)

El dúo de Hong Kong Uia Kwok y Kenneth Cheang se basan en referencias históricas y míticas para elaborar diseños universalmente resonantes. En marzo, su marca Aenrmous presentó su colección otoño-invierno 2026 como parte del programa Welcome to Paris en la Semana de la Moda de París. La colección está profundamente arraigada en la historia polaca, inspirándose en la película de 1965 Las cenizas: un drama histórico ambientado durante las guerras napoleónicas que rastrea la fe de Polonia en el líder francés desde sus alturas hasta su inevitable colapso, y el largo y doloroso ajuste de cuentas que siguió. “Nos inspiramos en esa historia rota, donde crear se convirtió en una forma de resistencia silenciosa”, dice Cheang, uno de los diseñadores de la firma.

La colección tiene una calidad desgastada y estratificada a través de su paleta terrosa y cortes que naturalmente gritan descuido: cinturas ceñidas, chaquetas de bordes crudos y faldas con dobladillos desiguales. Un abrigo negro destacado toma la chaqueta de esgrima francesa como base, con su cuello alto y filas paralelas de botones que recuerdan la silueta de un uniforme de la era napoleónica. “Estos looks pueden parecer oscuros, discretos y tranquilos en la superficie”, dice Kwok, “pero mire más de cerca y encontrará diferentes texturas, capas y detalles que hablan de la influencia duradera de la memoria histórica en la forma en que nos vestimos”.

El punto culminante de la colección es una serie de tocados creados en colaboración con el artista polaco Aleksander Jurczak. Sus alas están hechas de un material especialmente encerado que se endurece en temperaturas más frías, lo que provoca que se cierren y oscurezcan el rostro de quien los lleva puestos. Este es un sentimiento característico: desde su fundación en 2021, la marca ha presentado modelos cuyos rostros están ocultos, mediante máscaras, sombreros o estructuras que varían en forma cada temporada. La colección primavera-verano 2026 hizo referencia al Árbol de la Vida, el antiguo símbolo de la inmortalidad. Las cabezas de las modelos fueron envueltas en capas de tela entonadas para combinar con cada look, o ajustadas con largas extensiones similares a ramas.

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El gesto refleja el compromiso de estos diseñadores con el anonimato, al igual que el nombre de su marca; un enfoque con el que se comprometieron desde el principio. “En un mundo donde la gente a menudo compra al diseñador o la marca en lugar del trabajo en sí, nuestro compromiso con el anonimato se trata de poner el diseño de nuevo en el centro”.

No es que eso sea sencillo. “Traducir un sentimiento abstracto en algo concreto nunca es fácil”, explica Cheang. “Lograr que una idea exista plenamente a través del corte, la proporción, la tela, la forma en que se lleva algo: siempre es un proceso de revisión constante. Y avanzar a través de eso es lo que estamos aquí para hacer”.

¿Hay un tejido con el que trabajarían indefinidamente?

Kwok: El lino. Es una de las fibras naturales más versátiles: adaptable en tejido, densidad y textura, capaz de mantener la estructura mientras se desplaza naturalmente con el usuario con el tiempo. Es también uno de los textiles más antiguos en la historia humana, presente en culturas y siglos tanto en uso cotidiano como ceremonial.

¿Hay un cineasta, diseñador o trabajo que los haya moldeado más?

Kwok: El cineasta soviético Andrei Tarkovsky con su película de 1975 El espejo y el cineasta húngaro Béla Tarr con su película de 2011 El caballo de Turín han sido nuestras mayores inspiraciones; ambos nos hicieron pensar de manera diferente sobre lo que el diseño y el estilo pueden ser fundamentalmente.

Fab Flow (por Jasmine Cheuk)

Para Jasmine Cheuk, fundadora de la marca de moda local Fab Flow, la mezclilla (denim) es un lienzo de posibilidades. Su participación en el Programa Global de Talento en Denim 2025, una iniciativa de incubación de tres meses organizada por el Instituto de Diseño de Hong Kong, le dio una base más rigurosa en todo el rango del material. “Llegué a entender cuánta variedad puede contener una sola pieza de mezclilla, desde la selección de tela (peso, composición, color) hasta las técnicas de lavado y los procesos sostenibles”, cuenta a Tatler. “El mismo tejido, cuando se trata de manera diferente, produce un resultado completamente distinto”, explica una de las diseñadoras más innovadoras.

El “resultado” del que habla va más allá de los acabados de las prendas; también abarca su impacto ambiental. Su colección de mujer para otoño-invierno 2026 utiliza algodón regenerativo: una solución agrícola innovadora que cultiva algodón utilizando métodos de cultivo que restauran activamente los ecosistemas, mejoran la salud del suelo y aumentan la biodiversidad. Luego emplea tecnología de impresión láser para lograr efectos de lavado y desgaste sin dañar el medio ambiente ni a los trabajadores de la confección.

La misma colección se mueve a través de una gama de tratamientos de mezclilla, sin embargo, cada look (construido enteramente con tejidos dentro de la misma paleta tonal) encuentra su propio carácter a través del corte solamente. “Me atrae la rigidez del tejido”, dice. “Notará hombros estructurados en mis diseños, líneas nítidas y definidas que proyectan una sensación de fuerza, mientras que el cuerpo de la prenda se mantiene suave y fluido”. Uno de los puntos destacados es una chaqueta con hombros dramáticamente ensanchados y mangas completas, ceñida a la cintura con una fila de botones y cortada a un dobladillo irregular, usada con un top de mezclilla a juego y una falda de corte sirena.

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La versatilidad de la mezclilla en el vestir cotidiano se convirtió en un enfoque más nítido para Cheuk una vez que se dedicó al diseño profesionalmente. Se dio cuenta de que conseguir un atuendo bien hecho no era suficiente: “Cuando un diseño se convierte en un producto, tienes que pensar en lo que el usuario realmente necesita; la misma pieza debería poder funcionar de más de una manera”. Este pensamiento ya estaba en juego durante su debut en Centrestage en 2024, donde su conjunto de mezclilla se construyó en torno a una lógica de uso múltiple: una falda corta de mezclilla usada sola, abotonada a un panel de falda a juego para formar una silueta más larga, o con el panel de la falda abrochado al dobladillo de una chaqueta de mezclilla recortada para un efecto de capas tipo gabardina.

“De adolescente, drapeaba tela sobre mí misma frente al espejo, prendiendo y dando forma hasta que algo tomaba forma”, recuerda. Ese instinto para explorar, deconstruir y reconstruir nunca la ha abandonado.

Minimalista o maximalista, ¿dónde se sitúa en el espectro?

Durante mucho tiempo, seguí añadiendo más capas, más detalles, como si la complejidad pudiera probar algo. Todavía estoy encontrando el equilibrio, pero aprender a confiar en menos es hacia donde me dirijo.

Si pudiera diseñar para alguien, ¿quién sería?

Barbie Hsu. Había una resiliencia audaz sobre ella que encuentro profundamente convincente. Querría que la ropa reflejara eso: siluetas afiladas y estructuradas para su audacia, líneas fluidas para su gracia.