Fünf aufstrebende Designer aus Hongkong über Handwerk, Erinnerungen und ihre eigene Stimme

Welchen Stoff könnten Sie für immer verarbeiten?

Chung Tsz Ho: Vliesstoff ist gewöhnlich, industriell und günstig, aber wenn man ihn gezielt behandelt – presst oder erhitzt – kann sich seine Textur völlig verändern. Genau darin liegt der Reiz für unsere Designer.

Minimalistisch oder maximalistisch – wo ordnen Sie sich ein?

Chung Ka Ching: Ich bevorzuge das Wort “reduziert”. Ein Kleidungsstück kann handwerklich extrem aufwendig sein und dennoch klar und direkt wirken.

Kinyan Lam

Als Kind war das Lieblingskleidungsstück des Hongkonger Designers Kinyan Lam ein einfaches Hemd, auf dem eine Cartoon-Figur gedruckt war, die beim Drücken klang. Das brachte ihn dazu, darüber nachzudenken, was Kleidung jenseits der Ästhetik bieten kann. “Ich erkannte damals, dass Kleidung Spaß machen kann und dass sie so viele Erinnerungen in sich tragen kann”, erinnert er sich – eine Erkenntnis, die seine Zukunft als einer der kreativsten Designer prägen sollte.

Lam gründete sein gleichnamiges Label im Jahr 2023; in diesem Jahr wurde er zu einem der 20 Halbfinalisten für den LVMH Prize 2026 ernannt. Er ist damit erst die dritte Marke aus Hongkong, die diese Stufe erreicht hat, nach Anaïs Jourden im Jahr 2015 und Ponder.er im Jahr 2024. Lams Alleinstellungsmerkmal ist die enge Zusammenarbeit mit Kunsthandwerkern aus der chinesischen Provinz Guizhou.

Guizhou ist eine Bergregion im Süden des Landes und Heimat der ethnischen Minderheit der Dong, deren überlieferte Traditionen des natürlichen Färbens vom Aussterben bedroht sind – ein Verlust, den Lam verhindern möchte. “Ihr Handwerk gibt mir einen Grund, als Designer zu arbeiten”, sagt Lam. “Diese Traditionen wiederzubeleben und zu feiern, gibt mir den Antrieb, in einer übersättigten Branche kreativ zu bleiben.”

Lams Auseinandersetzung mit diesem Kunsthandwerk beginnt bei natürlichen Farbstoffen aus Früchten, Blumen und Wurzeln, mit denen er atmungsaktive Stoffe wie Baumwolle und Leinen färbt. Seine Herbst-Winter-Kollektion 2026 mit dem Titel Grounded konzentriert sich auf abstrakte, skulpturale Strick-Blumenverzierungen – nicht in den leuchtenden Farben, die man typischerweise mit Blumen assoziiert, sondern in Weiß- und Erdtönen – und zeichnet die volle Form einer Pflanze von der Knospe bis zur Wurzel nach. Es ist, wie Lam es ausdrückt, eine Feier der “unsichtbaren Stärke von Pflanzenwurzeln und der rauen, ehrlichen Texturen der Erde”.

Zu den durchdachtesten Details der Entwürfe gehören weiße Knöpfe, die vollständig aus Garnen bestehen und von Kunsthandwerkern aus Guizhou handgefertigt wurden, um Baumwollhemden im gleichen hellen Ton zu schließen. “Die Komplexität meiner Arbeit ist nichts, was man auf den ersten Blick erkennt”, sagt der Designer. “Es geht um die Reichhaltigkeit des Prozesses – Schicht für Schicht Färben, die Feinheit der Handstickerei, die subtilen Veränderungen durch menschliche Hände – darin liegt das wahre Gewicht.”

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Was tun Sie, wenn Sie sich nicht inspiriert fühlen?

Ich leere meinen Geist – kümmere mich um meine Pflanzen oder beobachte sie einfach. In dieser Stille liegt eine ruhige Kraft, die mich vom Überdenken abhält und mich zum Fühlen zurückbringt.

Wo sehen Sie Ihre Marke in zehn Jahren?

Ich hoffe, wir wachsen wie ein Baum – langsam, mit tiefen Wurzeln. Wir wollen nicht der lauteste Name in der Branche sein, aber die Marke soll für etwas stehen – eine bestimmte Art zu leben.

Hei Lau

Hei Lau nahm den Begriff “zweite Haut” – eine abgenutzte Metapher für eng anliegende Kleidung – und machte ihn unangenehm real. Ihr YDC 2025-Beitrag, eine Kollektion mit dem Titel In Pain, die mit dem Best Art Direction Award ausgezeichnet wurde, nutzt Silikon, um die Textur menschlicher Haut nachzuahmen. Eng anliegende, hautenthüllende Schnitte verschmelzen den Stoff mit der darunterliegenden Haut und erzeugen einen Effekt, der der Nacktheit unangenehm nahe kommt. Diese Beunruhigung ist beabsichtigt: “In Hongkong und den meisten anderen asiatischen Gesellschaften gibt es immer noch wenig Toleranz für Kleidung, die offen sexy ist”, sagt Lau. “Ich möchte das herausfordern – mich gegen die veralteten Vorurteile wehren, wie Frauen sich kleiden sollten.”

Die Kollektion stützt sich auf die BDSM-Kultur und ihre Fetisch-Mode – eine Subkultur, die auf informierter Zustimmung und gegenseitiger Aushandlung basiert, in der Lust durch Akte der Dominanz und Unterwerfung gefunden wird. Die Filmreihe Fifty Shades of Grey hat das Thema zwar weltweit bekannter gemacht, doch in vielen Teilen Asiens bleibt ein offenes Gespräch darüber selten; was Lau jedoch nicht aufhält. In Pain verwendet Metallakzente, Riemen und Korsett-Kopfschmuck – Signatur-Elemente der Fetisch-Mode – neben körperbetonten Silikonkleidungsstücken. Der Effekt spricht für den Reiz der Körpersilhouette anstatt für eine explizit verführerische Absicht. “Für mich steht Nacktheit für rohes Verlangen, sexuelle Spannung und Selbstvertrauen im eigenen Körper”, sagt die Designerin. “Diese Eigenschaften bilden die Aura von Hei Lau.”

Lau hat kürzlich eine neue Rolle gefunden: das Entwerfen von Bühnenkostümen für Künstlerinnen wie die lokale Singer-Songwriterin Moon Tang und die Girlgroup Viva. Für diese individuellen Entwürfe weicht ihr typisches Silikon neuen Materialien – Spitze, Leopardenmuster, Pailletten – doch ihr Leitprinzip bleibt unverändert. “Ich beschränke mich nie auf ein einziges Material”, sagt sie. “Was zählt, ist der Schnitt und wie er den Körper formt.”

Sie lässt sich von westlichen Marken inspirieren, die die weibliche Form offen feiern – vor allem Mugler unter der Leitung des ehemaligen Creative Directors Casey Cadwallader – bleibt jedoch realistisch bezüglich der Grenzen. Die Sinnlichkeit und körperbetonten Schnitte solcher Marken sind weitgehend auf westliche Proportionen ausgerichtet. Für Lau ist diese Lücke genau der Ausgangspunkt ihrer Arbeit: Design für zierliche asiatische Frauen mit ihrer eigenen Statur. “Was mich in Hongkong und ganz Asien repräsentiert, ist ein tiefes Verständnis dafür, was asiatische Frauen von einem Schnitt brauchen: Designs, die figurbetont, mutig und selbstbewusst sind – und die die Trägerin stärken.”

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Drei Wörter, um Ihren Style zu beschreiben?

Nackt. Sinnlich. Harmonie.

Wenn Sie für jemanden entwerfen könnten, wer wäre das?

FKA Twigs und Doja Cat. Ich liebe ihre exzentrische, unverblümt sexy Energie.

Aenrmous (von Uia Kwok, Kenneth Cheang)

Das Hongkonger Duo Uia Kwok und Kenneth Cheang greift auf historische und mythische Referenzen zurück, um universell ansprechende Designs zu schaffen. Im März präsentierte ihr Label Aenrmous die Herbst-Winter-Kollektion 2026 im Rahmen des Welcome to Paris-Programms auf der Paris Fashion Week. Die Kollektion ist tief in der polnischen Geschichte verwurzelt und wurde vom Film The Ashes aus dem Jahr 1965 inspiriert – einem Historiendrama über die Napoleonischen Kriege, das Polens Vertrauen in den französischen Anführer bis zum unvermeidlichen Zusammenbruch nachzeichnet. “Wir ließen uns von dieser zerbrochenen Geschichte inspirieren, in der das Schöpferische zu einer Form des stillen Widerstands wurde”, sagt Cheang.

Die Kollektion hat durch ihre erdige Farbpalette eine verwitterte, vielschichtige Qualität und Schnitte, die eine gewisse Nachlässigkeit ausstrahlen – betonte Taillen, Jacken mit rohen Kanten und Röcke mit unebenen Säumen. Ein markanter schwarzer Mantel basiert auf der französischen Fechtjacke; der hohe Stehkragen und parallele Knopfreihen erinnern an die Silhouette einer napoleonischen Uniform. “Diese Looks mögen auf den ersten Blick dunkel, schlicht und ruhig wirken”, sagt Kwok, “aber bei genauerem Hinsehen entdeckt man unterschiedliche Texturen, Schichten und Details, die vom anhaltenden Einfluss historischer Erinnerungen auf unsere Art, uns zu kleiden, zeugen.”

Das Highlight der Kollektion ist eine Reihe von Kopfbedeckungen, die in Zusammenarbeit mit dem polnischen Künstler Aleksander Jurczak entstanden sind. Ihre Krempen sind aus einem speziellen gewachsten Material gefertigt, das bei kühleren Temperaturen steif wird, sodass sie sich um das Gesicht des Trägers schließen und dieses verdecken. Dies ist ein Markenzeichen: Seit der Gründung im Jahr 2021 hat das Label Models gezeigt, deren Gesichter durch Masken, Hüte oder Strukturen verborgen waren. Die Frühjahr-Sommer-Kollektion 2026 bezog sich auf den Baum des Lebens, das alte Symbol der Unsterblichkeit. Die Köpfe der Models waren in Stoffschichten gehüllt, die auf jeden Look abgestimmt waren, oder mit langen, zweigartigen Erweiterungen versehen.

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Diese Geste spiegelt das Engagement der Designer für Anonymität wider, ebenso wie ihr Markenname – ein Ansatz, dem sie sich von Anfang an verpflichtet haben. “In einer Welt, in der die Leute so oft den Designer oder die Marke kaufen anstatt das Werk selbst, geht es bei unserer Anonymität darum, das Design wieder in den Mittelpunkt zu rücken.”

Das ist jedoch kein einfacher Weg. “Ein abstraktes Gefühl in etwas Konkretes zu übersetzen, ist nie leicht”, erklärt Cheang. “Eine Idee durch Schnitt, Proportion, Stoff und Trageweise vollständig zum Leben zu erwecken – es ist immer ein Prozess der ständigen Überarbeitung. Und diesen durchzustehen, ist unsere Aufgabe als Designer.”

Gibt es einen Stoff, den Sie unbegrenzt verarbeiten würden?

Kwok: Leinen. Es ist eine der vielseitigsten Naturfasern – anpassungsfähig in Webart, Dichte und Textur, fähig, Struktur zu halten und sich im Laufe der Zeit auf natürliche Weise mit dem Träger zu bewegen. Es ist zudem eines der ältesten Textilien der Menschheitsgeschichte.

Gibt es einen Filmemacher, Designer oder ein Werk, das Sie am meisten geprägt hat?

Kwok: Der sowjetische Filmemacher Andrej Tarkowski mit seinem Film Spiegel (1975) und der ungarische Regisseur Béla Tarr mit Das Turiner Pferd (2011) waren unsere größten Inspirationen – beide ließen uns darüber nachdenken, was Design und Style im Kern sein können.

Fab Flow (von Jasmine Cheuk)

Für Jasmine Cheuk, Gründerin des lokalen Modelabels Fab Flow, ist Denim eine Leinwand voller Möglichkeiten. Ihre Teilnahme am Global Denim Talent Programme – einer dreimonatigen Inkubationsinitiative des Hong Kong Design Institute – gab ihr ein tieferes Verständnis für das gesamte Potenzial des Materials. “Ich habe gelernt, wie viel Abwechslung ein einzelnes Denim-Stück bieten kann, von der Stoffauswahl – Gewicht, Zusammensetzung, Farbe – bis hin zu Waschtechniken und nachhaltigen Prozessen”, erzählt sie Tatler. Der gleiche Stoff liefert bei unterschiedlicher Behandlung ein völlig anderes Ergebnis.

Das “Ergebnis”, von dem sie spricht, geht über die Veredelung hinaus – es umfasst auch die ökologische Bilanz. Ihre Herbst-Winter-Kollektion 2026 für Damen verwendet regenerativ angebaute Baumwolle: eine innovative landwirtschaftliche Lösung, die Baumwolle mittels Anbaumethoden produziert, die aktiv Ökosysteme wiederherstellen, die Bodengesundheit verbessern und die Artenvielfalt erhöhen. Sie setzt zudem Laser-Drucktechnologie ein, um Wasch- und Distressing-Effekte ohne Schäden für Umwelt oder Fabrikarbeiter zu erzielen.

Die Kollektion spielt mit verschiedenen Denim-Behandlungen, doch jeder Look – vollständig aus Stoffen der gleichen Farbpalette konstruiert – findet seinen eigenen Charakter allein durch den Schnitt. “Ich fühle mich zur Steifheit des Stoffes hingezogen”, sagt sie. “Man bemerkt strukturierte Schultern in meinen Designs – scharfe, definierte Linien, die Stärke projizieren – während der Körper des Kleidungsstücks weich und fließend bleibt.” Ein Highlight ist eine Jacke mit dramatisch verbreiterten Schultern und weiten Ärmeln, die mit einer Knopfreihe an der Taille gerafft ist und einen unregelmäßigen Saum aufweist, getragen mit einem passenden Denim-Bustier und einem Fishtail-Rock.

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Die Vielseitigkeit von Denim im Alltag rückte für Cheuk stärker in den Fokus, als sie sich professionell dem Design widmete. Sie erkannte, dass ein gelungenes Outfit nicht ausreicht: “Wenn ein Entwurf zum Produkt wird, muss man überlegen, was der Träger wirklich braucht – dasselbe Teil sollte auf mehr als eine Weise funktionieren.” Diese Überlegung zeigte sich bereits bei ihrem Debüt auf der Centrestage 2024, wo ihr Denim-Ensemble auf einer Multi-Wear-Logik basierte: ein kurzer Denim-Rock, der allein getragen, an ein passendes Rockteil geknöpft oder für einen trenchcoat-artigen Layering-Effekt an den Saum einer verkürzten Denim-Jacke befestigt werden konnte.

“Als Teenager drapierte ich Stoff vor dem Spiegel über mich, steckte ihn ab und formte ihn, bis er Gestalt annahm”, erinnert sie sich. Dieser Instinkt – zu erforschen, zu dekonstruieren und neu aufzubauen – hat sie nie verlassen.

Minimalistisch oder maximalistisch – wo ordnen Sie sich ein?

Lange Zeit habe ich immer mehr hinzugefügt – mehr Schichten, mehr Details, als könnte Komplexität etwas beweisen. Ich finde noch immer die Balance, aber zu lernen, weniger zu vertrauen, ist der Weg, den ich einschlage.

Wenn Sie für jemanden entwerfen könnten, wer wäre das?

Barbie Hsu. Sie strahlte eine furchtlose Widerstandsfähigkeit aus, die ich zutiefst faszinierend finde. Ich würde Kleidung entwerfen, die das widerspiegelt – scharfe, strukturierte Silhouetten für ihre Kühnheit und fließende Linien für ihre Anmut.