專訪 LOEWE 基金會主席｜血液裡流淌的工藝靈魂，與 Sheila Loewe 談一段走過 180 年的工藝情書

自 2016 年創立年度工藝獎以來，今年已邁入第九屆 。九年來，評選的核心基準從未因潮流而動搖，始終專注於三件事：保護古老的技藝、賦予其創新，並幫助它們在漫長的未來中存活 。

在 Sheila 眼中，工藝從不是一成不變的古董，而是一門持續流動的語言。今年的 LOEWE 基金會工藝獎，便呈現出一系列將製作視為「平衡、不穩定與張力協商」的作品。原本有序的系統被微妙地擾動：克制的色彩中突然出現鮮明變化、平滑表面被裂痕打破、精確幾何則被柔化、扭曲或移位 。自然世界不僅影響材料選擇與製作過程，成長、衰敗與循環轉化等概念，也透過切割、彎折、編織與層疊等手法深植於作品之中 。籃編、紡織、染色與建築等文化傳統則成為創作的重要參照，並於當代語境、尺度與合作模式下被重新詮釋；整個展覽的作品，都在延續與斷裂之間不斷被塑造 。

今年，專家評審團從來自 133 個國家與地區、超過 5,100 件驚人投稿中 ，選出了韓國藝術家 Jongjin Park（獲獎作品為陶瓷雕塑《Strata of Illusion》）作為本屆得主 。

這件作品從初選階段就深深吸引了評審團。Sheila 回憶道，這件雕塑的奇妙之處在於其控制與崩塌之間的張力 。藝術家將數千張塗覆彩色瓷漿的紙張層層堆疊 ，形成幾何感強烈的結構 ；然而在窯燒過程中，紙張會燃燒殆盡，規整的結構在熱力與重力作用下逐漸下陷、變形，最終呈現出真誠且不完美的有機樣貌。

評審團深深刻著迷於這種「消失的詩意」 。Sheila 感性地說：「雖然它根植於瓷藝，卻呼應了多種工藝傳統：透過空氣塑造形體的方式令人聯想到玻璃吹製，而紙張層疊則帶有書籍裝幀的意涵 。製程、風險與材料行為本身，就是作品意義的核心 。這件作品拒絕被單一材料定義 ，它美得令人動容。」

這份對技藝傳承的堅持，在今年落腳新加坡時，擦出了更具溫度的火花 。談及為何選擇新加坡國家美術館作為主辦地 ，Sheila 坦言：「我們喜歡帶著工藝獎巡迴世界，而新加坡乃至整個東南亞，正擁有一個非常迷人且極具生命力的當代工藝與設計社群。能在這座國家美術館展出，讓東南亞的工藝微光與國際主流展開對話，這讓這次的落地本身就變得無比特別。」  

而這份地緣美學的對話，也同時映照出亞洲另一端：韓國當代工藝的強大底蘊。在本屆 30 位決選藝術家中 ，韓國創作者便強勢攻佔了 6 席。Sheila 讚嘆道：「在世界上很多地方，你必須成為一個『瘋狂的英雄（Crazy Hero）』才有可能靠手工藝活下去；但在韓國，工藝是一項至高無上的全國榮譽。他們天生就能深刻感知材料與工藝的重量，基金會不需要教他們任何事。能站在這個充滿技藝的世界核心親眼見證他們的能量，是我們的榮幸。」

工藝獎的自我演進，也呈現在評審團的新血注入上。今年，LOEWE 創意總監 Jack McCollough 與 Lazaro Hernandez 加入了重要評審團 。

他們的到來，為一向沉靜的工藝獎帶來了充滿活力的當代視角。Sheila 笑道：「去年的展覽非常優雅美麗，但色調是內斂、純淨的中性色；而今年在 Jack 與 Lazaro 的加入下，整場展覽變得非常『酷』。你可以看到更震撼的視覺張力、鮮明的色彩變化與更多元的跨界嘗試。他們兩位是真正瘋狂地愛著工藝 ，這份玩味材料的靈感不僅留存在工藝獎，也深刻啟發了品牌與基金會的其他企劃。」

在當代設計圈常耽溺於視覺衝擊與直覺式感官的當下，身為主席的 Sheila 卻坦言自己抱持著完全不同的文藝浪漫：「在這一點上，也許我很浪漫，甚至有點傻。但對我而言，工藝世界最珍貴的價值，往往藏在那些看不見的背後。是那些工藝家如何瘋狂地愛上某種材料、如何長年累月在某一處土地上默默堅持的故事。你眼睛看到的只是器物，真正擊中人心的是故事的厚度。」

這份感性，也驅使著她去面對工藝長久以來的孤獨與瀕危現實。許多珍稀的祖傳技藝，往往因為大師離世、年輕人不願承接而永遠絕跡。「工藝關乎我們的文化遺產，當它們失傳了，就真的太遲了。這也是為什麼我們最自豪的，不是頒發了多少獎金，而是建立了一個『工藝獎家族（Craft Prize Family）』。」

Sheila 分享，曾有一位參展的韓國工藝家告訴她，連他的父母都不知道他平常究竟在做什麼，直到他來到這個由創作者組成的大家庭，才終於找到了歸屬。如今，工藝獎家族已累積了 270 位歷屆入圍成員，基金會特別為此打造了數位平台「The Room」，將成員的作品與合作藝廊全面數位化，向全球觀眾證明「製作」這件事所蘊含的持久可能性 。

「我們都熱愛工藝，」Sheila 在採訪的最後微笑著說，「而我們希望能把這份治癒孤獨的、純粹的熱愛，溫柔地傳遞給全世界。」

歷經全球 133 個國家與地區、超過 5,100 件創作的激烈角逐，以下為您精選本次突圍而出的決選傑作。

作品以數千張塗覆彩色瓷漿的紙張層層堆疊，形成厚重且幾何感強烈的矩形結構 。其成型過程充滿張力：在窯燒中紙張會燃燒殆盡，原本規整的結構在熱力與重力作用下逐漸下陷、變形，最終呈現出真誠且不完美的有機雕塑樣貌 。評審團深深著迷於這種紙張在燒製中消失的詩意，製程、風險與材料行為本身即是作品意義的核心 。

憑藉驚豔的台灣竹工藝入圍。作品完全以竹材構築出一個 70 公分見方的立方體，外部是嚴謹對稱的竹格框架，內部則懸掛著數千條經特殊處理的超細竹條。剛與柔的強烈對比，為傳統竹藝開闢了前衛的空間幾何語彙。

藝術家將生活中的情感、脆弱注入創作，完美融合了舊玻璃與銀化工藝。玻璃材質猶如肌理般層層自我堆疊、折疊，將原本冰冷剛硬的材質轉化為帶有繪畫深度的流動體，呈現極具張力的感官擾動。

藝術家使用再生玻璃粉、碎棉與水泥，研發出完全免燒製的環保複合材料。作品表面經由層層手工打磨，展現如大地般質樸且觸感豐富的肌理，深刻探討了當代工藝與永續自然的共生關係。

作品靈感源自藝術家每日步行上班的街景路程。作品經過三次反覆施釉，讓繽紛色彩如同考古地層般在表面自由生長、暈散與層疊，以當代美學深刻回應了日本傳統釉藝的隨機本質與器物厚度。

將書籍的「書脊」化為主體，運用源自 18 至 19 世紀英國的端頭帶縫製技法，以紙頁、刺繡線與鋁絲手工縫製。作品巧妙地把傳統裝訂工藝昇華為充滿幾何節奏的建築式雕塑，在延續與斷裂之間不斷被塑造。

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