Exklusiv-Interview mit LOEWE-Stiftungsvorsitzender Sheila Loewe: Eine Liebeserklärung an das Kunsthandwerk – LOEWE und 180 Jahre Tradition

Seit der Gründung des jährlichen Handwerkspreises im Jahr 2016 ist dieser mittlerweile in der neunten Ausgabe angelangt. In diesen neun Jahren blieb das Kernkriterium der Auswahl trotz wechselnder Trends stets beständig: der Schutz alter Techniken, ihre innovative Weiterentwicklung und die Sicherung ihres Fortbestands in der Zukunft.

Für Sheila ist Handwerk kein verstaubtes Relikt, sondern eine lebendige Sprache. Der diesjährige LOEWE-Preis präsentierte Werke, die Produktion als ein Wechselspiel aus Spannung und Instabilität begreifen. Naturthemen prägen die Materialwahl, während Konzepte wie Wachstum und Zerfall durch Techniken wie Weben oder Schichten tief in den Objekten verankert sind. Traditionen werden hier im zeitgenössischen Kontext neu definiert, wobei die Exponate stets den Dialog zwischen Kontinuität und Wandel suchen.

In diesem Jahr kürte die Expertenjury den koreanischen Künstler Jongjin Park für seine Keramikskulptur “Strata of Illusion” aus einer beeindruckenden Auswahl von 5.100 Einreichungen aus 133 Ländern.

Sheila erinnert sich, dass das Werk die Jury von Anfang an faszinierte: Die Struktur aus tausenden mit Porzellan beschichteten Papierschichten kollabierte im Brennvorgang auf kontrollierte Weise, wodurch eine organische, unvollkommene Form entstand. Das Werk ist ein Zeugnis von Risiko und künstlerischem Feingefühl.

Die Jury war von dieser “Poesie des Verschwindens” tief bewegt. Sheila erklärt: “Obwohl es aus der Keramik stammt, erinnert der Formungsprozess an die Glasbläserei, während die Papierlagen an Buchbinderei denken lassen. Das Werk weigert sich, durch ein einzelnes Material definiert zu werden – es besitzt eine ergreifende Schönheit.”

Dass die Verleihung in Singapur stattfand, verlieh dem Anliegen eine besondere Note. Sheila betonte, dass Südostasien eine lebendige Designszene besitzt. Die Präsentation in der National Gallery habe es ermöglicht, regionale Kunsthandwerk-Facetten mit dem internationalen Diskurs zu verbinden.

Besonders beeindruckend war die starke Präsenz koreanischer Kunstschaffender, die sechs der 30 Finalistenplätze belegten. Sheila lobte: “In manchen Teilen der Welt muss man ein 'verrückter Held' sein, um vom Handwerk zu überleben, doch in Korea wird es als nationale Ehre betrachtet. Die Sensibilität für Materialien liegt dort in der Natur der Menschen.”

Die Aufnahme der LOEWE-Kreativdirektoren Jack McCollough und Lazaro Hernandez in die Jury brachte frischen Wind. Laut Sheila brachten sie eine lebendige, moderne Perspektive ein. Die diesjährige Ausstellung wirkte durch ihre Einflüsse dynamischer und “cooler”, geprägt von intensiveren Farben und einer spielerischen Herangehensweise an Materialien.

Für Sheila liegt der größte Wert des Handwerks in den verborgenen Geschichten der Künstler. Es geht nicht nur um das Objekt, sondern um die Hingabe und die Jahre der Ausdauer hinter der Arbeit. Die Sorge um das Aussterben seltener Traditionen treibt die Stiftung an, eine “Craft Prize Family” zu bilden, um das Überleben dieser Talente zu sichern.

Sheila berichtet, dass viele Künstler durch die “Craft Prize Family” erst ihr Zugehörigkeitsgefühl fanden. Mit mittlerweile 270 Mitgliedern hat die Stiftung die Plattform “The Room” geschaffen, um die Werke und die Bedeutung des Handwerks weltweit sichtbar zu machen. “Wir alle lieben das Handwerk”, schließt Sheila, “und wir hoffen, diese Liebe weltweit zu verbreiten.”

Aus über 5.100 Einreichungen wurden diese exzellenten Finalisten-Arbeiten ausgewählt, die den hohen Standard von LOEWE widerspiegeln.

Das Werk besteht aus tausenden mit Porzellan beschichteten Papierschichten. Durch den Brennvorgang entsteht eine organische Deformation, die die Jury durch ihre Poesie und die Balance zwischen Risiko und Materialverhalten tief beeindruckte.

Eine herausragende Arbeit aus Bambus. Ein 70 cm großer Würfel kombiniert einen starren Rahmen mit tausenden feinen Bambusstreifen im Inneren, was einen spannenden Kontrast zwischen Stabilität und feiner Struktur schafft.

Die Künstlerin verbindet Altes Glas mit Silberchemie. Das Material wirkt wie eine eigene Haut, die sich schichtet und faltet, und verwandelt hartes Glas in eine sinnliche, fast malerische Form.

Vivi Rosa nutzt recyceltes Glas, Baumwollreste und Zement für einen innovativen, brennfreien Verbundwerkstoff. Die Textur erinnert an die Erde und thematisiert das nachhaltige Verhältnis von Handwerk und Natur.

Inspiriert von täglichen Spaziergängen zeigt das Werk dreifach glasierte Oberflächen. Die Farben wirken wie geologische Schichten und interpretieren japanische Glasur-Traditionen auf eine moderne, spontane Weise neu.

Der Künstler nutzt die Buchbindetechnik des 19. Jahrhunderts. Papier, Stickgarn und Aluminiumdraht werden zu einer architektonischen Skulptur verwoben, die traditionelle Handwerkskunst in den Raum hebt.

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