Zwei Jahrzehnte im Wandel: Wie K-Pop von kleinen Wellen zu globalem Ruhm aufstieg

Lee erklärt, dass “westlicher Pop, J-Pop und Canto-Pop die drei größten Einflüsse in den Anfängen des K-Pop waren.” Westlicher Pop war durch Radiosendungen und Konzerte internationaler Künstler weit verbreitet. Hongkongs Canto-Pop-Stars wie Chelsia Chan, Leslie Cheung und Alan Tam waren in Südkorea unglaublich beliebt, da sie auch auf Englisch sangen. “Jeder in meiner Generation kennt Chelsia Chans [1977 veröffentlichten Titel] One Summer Night, der in Südkorea ein Megahit war. Es war unsere Abschlusshymne.” Er fügt hinzu, dass die Freundlichkeit und Vielseitigkeit der Canto-Pop-Stars – dass sie singen, schauspielern und tanzen konnten – zu ihrer Attraktivität beitrugen. Was J-Pop betrifft, so war dieser aufgrund der komplizierten Geschichte Japans mit Korea bis 1999 offiziell verboten, aber Musikfans fanden Wege zu Untergrundquellen, was die Faszination noch verstärkte.

Das Aufblühen ausländischer Musik in Südkorea veranlasste Menschen wie Lee Soo Man, der später das K-Pop-Imperium SM Entertainment gründen sollte, dazu, eigene Popmusik für das Land zu kreieren. In Lee Soo Man: King of K-Pop, einer Dokumentation, die im Mai letzten Jahres auf Prime Video veröffentlicht wurde, erzählt Lee, wie er als 27-jähriger Sänger 1980 ein Konzert des amerikanischen Sängers Leif Garrett in Südkorea besuchte. “Die Leute sprangen, schrien und riefen seinen Namen. Warum schreien sie nicht so für mich? Warum kennen wir all diese Lieder aus anderen Ländern?”, sagt der Sänger in der Dokumentation. “Ich fing an, über unsere Künstler nachzudenken und darüber, dass sie außerhalb Koreas nicht bekannt sind. Es wäre so schön, wenn ich der Erste sein könnte, der koreanische Lieder in der Welt bekannt macht.”

Er gründete 1989 das SM Studio, aus dem 1995 SM Entertainment hervorging. Das Unternehmen entwickelte strenge Ausbildungssysteme, um perfektionierte Idol-Gruppen zu produzieren – die Formel, aus der Acts wie HOT, SES, Super Junior, Girls’ Generation und TVXQ hervorgingen. Er war nicht der Einzige: Der Singer-Songwriter JY Park gründete 1997 JYP Entertainment (Stray Kids); der Musikmanager und ehemalige Boyband-Sänger Yang Hyun-suk gründete 1996 YG Entertainment (Bigbang); und der Plattenproduzent und Musikmanager Bang Si-hyuk gründete 2005 Big Hit Entertainment, heute Hybe (BTS). Diese Talentschmieden kombinierten amerikanische Produktionspräzision mit japanischen Strategien zur Fanbindung. Jeong sagt: “Die Trainees üben täglich stundenlang und lernen nicht nur Singen und Tanzen, sondern auch Englisch oder Japanisch, um sich als globale Künstler zu präsentieren.”

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Doch der Erfolg erforderte Zeit, Mühe – und Geduld. Das größte Problem, mit dem K-Pop-Künstler in den späten Neunzigern und den Nullerjahren konfrontiert waren, war die intensive Konkurrenz durch bereits etablierte Popgruppen weltweit. Der chinesische Markt beispielsweise wurde von Mando-Pop-Stars dominiert. Was den Westen betrifft: “[JYPs und SMs] ursprüngliche Idee war es, junge, hübsche, schlanke koreanische Frauen in die USA zu bringen, in der Annahme, dass sie das männliche Mainstream-Publikum in Amerika ansprechen würden, aber sie haben die US-Kultur völlig missverstanden”, sagt Lee. “Ich habe damals in den USA unterrichtet und meine männlichen Studenten gefragt, was sie über Girls’ Generation denken. Sie sagten alle [abfällig], sie sähen aus wie Grundschülerinnen.”

Der erste K-Pop-Star, der im Westen wirklich Erfolg hatte, war der Rapper und Singer-Songwriter Park Jae-sang, der von 2010 bis 2018 bei YG Entertainment unter Vertrag stand; Sie kennen ihn wahrscheinlich als Psy. Im Jahr 2012 veröffentlichte er Gangnam Style, eine bombastische Satire auf den elitären Lebensstil Seouls, die auf YouTube viral ging. “Psy hatte ursprünglich gar keinen globalen Ruhm im Sinn, aber die sozialen Medien kamen genau zum richtigen Zeitpunkt”, erklärt Lee. “Vor Gangnam Style zielten K-Pop-Künstler auf physische Albumverkäufe und Radioeinsätze ab.” Das brachte sie nicht sehr weit.

Hinzu kam, dass der Rapper in das amerikanische Stereotyp eines asiatischen Mannes passte, was ihn für das damalige westliche Publikum “akzeptabler” machte. “Er sah klein und sehr eigenartig aus, wie die Art von asiatischen Komikern, die Social-Media-Stars waren”, sagt Lee. Sein “Reitertanz” wurde schnell zu einem kulturellen Meme, und der Titel war der erste koreanischsprachige Song, der die Charts in mehreren westlichen Ländern anführte.

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Mit Psys Erfolg im Ausland begannen K-Pop-Agenturen ab Mitte der 2010er Jahre verstärkt mit amerikanischen und europäischen Produzenten zusammenzuarbeiten und passten Musikkomposition, Choreografie, Musikvideo-Visuals und sogar Modestile an, um die globale Resonanz zu maximieren. “Anfangs zielten sie auf nicht-weiße Zielgruppen ab, wie asiatische Amerikaner und Lateinamerikaner; später auf das weiße Mainstream-Publikum”, sagt Lee. Es hilft auch, dass sich die Hintergründe der K-Pop-Bands diversifiziert haben und die breitere asiatische Diaspora widerspiegeln: Felix von Stray Kids ist koreanischer Australier; Sriya von Blackswan ist Inderin; Jackson Wang ist Chinese und Katseye besteht aus multinationalen Mitgliedern.

Doch während die Produzenten die Maschinerie aufbauten, hätte das Phänomen ohne die Fans nicht existieren können. “Das Geheimrezept des K-Pop”, so Jeong, “ist die Authentizität und Intimität, die er zwischen Künstlern und Fans schafft.” Sie erklärt, wie Technologie und Emotion Hand in Hand arbeiten: “Von Livestreams bis hin zu Fan-Apps, die Einzelgespräche mit Idolen simulieren, fühlen sich [K-Pop-]Fans eng verbunden. Sie wissen, dass es eine Illusion ist, aber sie schätzen dieses Gefühl der Nähe. Taylor Swift sagt dir nicht, dass du gut schlafen sollst. Aber K-Pop-Idole tun das.”

Das Internet hatte auch einen massiven Einfluss darauf, wie die beiden Parteien interagieren. In den 1990er Jahren stellten Fans ihre eigenen Merchandise-Artikel von Hand her und betrieben kleine Online-Foren; in den 2010er Jahren war das Fantum digital, global und hochgradig organisiert. Jeong sagt: “Fans konsumieren nicht nur; sie leisten Arbeit: Sie stimmen für ihre Idole [in Gesangswettbewerben] ab, kaufen Alben in großen Mengen [um die Verkäufe anzukurbeln] und promoten sie online, damit ihre Idole im ‘Dschungel’ der K-Pop-Gruppen hervorstechen und die Konkurrenz ausstechen. Wenn diese K-Pop-Stars gewinnen, gratulieren sie nicht nur sich selbst, sondern auch ihren Fans und formulieren es als etwas, das sie gemeinsam erreicht haben, als eine kollektive Anstrengung.”

Diese Dynamik hat sogar traditionelle akademische Vorstellungen über Prominenz und deren Kontextualisierung verändert. “Wissenschaftler nannten es früher eine parasoziale Beziehung und bezogen sich damit auf die Art und Weise, wie das Publikum imaginäre Beziehungen zu Medienfiguren aufbaut”, sagt Jeong. “Früher war es eine Einbahnstraße, aber heute ist es eine asymmetrische Zwei-Wege-Kommunikation: Fans beeinflussen Unternehmen, Unternehmen reagieren auf Fans. Es ist ein Kreislauf.”

Der Einfluss von K-Pop reicht weit über die Musik hinaus. Von Schönheitsstandards bis hin zur Geopolitik hat er die Art und Weise verändert, wie nicht nur Südkorea, sondern ganz Asien in der Welt wahrgenommen wird. Die leitende CNN-Investigativkorrespondentin Kyung Lah, die die Dokumentation K-pop: A Star is Born produzierte, hat diesen Wandel aus erster Hand beobachtet und sagt, der Einfluss des K-Pop habe ethnische Wahrnehmungen im Westen herausgefordert. “Es ist eine Evolution und globale Dominanz aller koreanischen Dinge, sei es K-Beauty, K-Music oder K-Food – es ist allgegenwärtig”, erzählt sie Tatler. “Als ich in Chicago aufwuchs, war es nicht cool, Asiatin zu sein. Aber Gangnam Style hat etwas verändert. Plötzlich lernten weiße Kinder koreanische Wörter und Tanzschritte.” Sie fügt hinzu, dass ihre eigene Tochter “mir einen Brief schrieb, in dem sie sagte, sie sei stolz darauf, Augen wie meine zu haben. In einer Million Jahren hätte ich das nie gedacht. Als koreanisch-amerikanische Mutter ist es so schön zu sehen, dass junge Kinder sich in der modernen globalen Kultur widergespiegelt sehen und wirklich stolz darauf sein können.”

Lee stimmt zu, dass dieser kulturelle Wandel transformativ war. “Das Bild des koreanischen Mannes im Westen war schrecklich”, sagt er und erinnert an Stereotypen von Gewalt gegen Frauen, Kindesmisshandlung, Verzehr von Hunden oder Aggression. “Jetzt ist es BTS: höfliche, kreative Weltbürger.” Die K-Pop-Welle hat das nationale Image Südkoreas gestärkt und das Land von einem Industrieproduzenten in einen kulturellen Trendsetter verwandelt. Exporte in den Bereichen Kosmetik, Mode und Gaming sind neben der Musik sprunghaft angestiegen, was den Tourismus belebt und den nationalen Stolz befeuert.

Doch die glänzende Oberfläche verbirgt harte Realitäten. Für die Dokumentation begleitete Lah die Gruppe VVS, eine Gruppe aufstrebender Trainees, zweieinhalb Wochen lang kurz vor ihrem Debüt im April letzten Jahres. Die jungen Hoffnungsträger trainierten 12 bis 16 Stunden am Tag, oft auf Kosten der Schule und eines sozialen Lebens. “Ich wusste alles über die Hungerkuren, die Anzahl der Stunden, das Entdecktwerden als Kind; aber mir war nicht ganz klar, was man aufgibt, nämlich im Grunde seine Zukunft”, sagt sie. “Man entscheidet sich mit 12 oder 13 Jahren, die Schule abzubrechen, um diesem K-Pop-Traum nachzujagen. Was passiert, wenn man scheitert? Die Blackpinks dieser Welt machen weniger als ein Prozent aus, das sind also 99 Prozent dieser Kinder, die am Ende ohne Ausbildung, ohne Ruhm und ohne Einkommensquelle dastehen. Was bedeutet das in Asien, besonders wenn man eine junge Frau ist?”

Diejenigen, die Erfolg haben, sind abhängig von der Managementagentur, die Geld in Tanzunterricht, Gesangsunterricht, Sprachunterricht und Medientraining steckt; natürlich, so erklärt Jeong, fühlt sich das Unternehmen protektiv. “Wenn ein Star, der sein Debüt mit 20 Jahren gegeben hat, in einen Unfall verwickelt wird und seine Karriere vorzeitig beendet ist, verliert das Unternehmen seine Investition.” Die strikte Kontrolle über fast jeden Aspekt des Lebens eines Idols, von Ernährung und Anstand bis hin zum persönlichen Image, sei eine Versicherungspolice. “Sie wollen sicherstellen, dass diese K-Pop-Stars ein langlebiges Produkt sind, das nicht nur auftritt, sondern dem Unternehmen auch lange Zeit Gewinne einbringt.”

Und es ist nicht nur der Druck vom Management – K-Pop-Künstler stehen oft unter immensem Stress, die Erwartungen der Fans zu erfüllen. “Idole haben nie wirklich Feierabend”, sagt Jeong. “Fans erwarten jeden Tag Nachrichten, Livestreams, Updates.” Und wenn diese nicht erfüllt werden, kann die Gegenreaktion heftig sein. Man denke an Karina von Aespa, die eine handgeschriebene Entschuldigung veröffentlichen musste, weil sie den Schauspieler Lee Jae-wook datete, nachdem Fans Lastwagen mit LED-Panels gemietet hatten, auf denen die Worte “Ist die Liebe deiner Fans nicht genug?” standen, und diese vor dem Hauptquartier von SM Entertainment parkten, wobei sie drohten, die Alben und Konzerte der Band zu boykottieren; oder Hyuna, ehemals Wonder Girls, deren Agentur sie fallen ließ, nachdem sie und der K-Pop-Künstler E’Dawn ihre Beziehung auf Instagram bekannt gaben, ohne die Erlaubnis von Hyunas Agentur. In beiden Fällen deuten Berichte darauf hin, dass sich die Fans “verraten” und “desillusioniert” fühlten, als sie erkannten, dass ihre vorgestellten Versionen der Stars falsch waren.

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Trotz der vielen Kritikpunkte zeigen K-Pop und sein Einfluss auf Wirtschaft und Kultur keine Anzeichen einer Verlangsamung. Nach Angaben der südkoreanischen Regierungsbehörde Creative Content Agency erwirtschaftete die Branche im Jahr 2023 über 1,2 Billionen südkoreanische Won (816 Millionen US-Dollar) an Auslandseinnahmen. Und der K-Pop-Tourismus trägt zum Boom bei. Wahrzeichen, die in K-Pop Demon Hunters vorkommen, wie der Gyeongbok-Palast in Seoul und das Koreanische Nationalmuseum, meldeten nach dem Erfolg des Films Besucherrekorde. “Früher gab es viele asiatische Touristen”, sagt Lee, der gelegentlich in sein Heimatland zurückkehrt. “Aber letzten Sommer bemerkte ich weiße junge Frauen und weiße Familien, die diese Wahrzeichen besuchten, um etwas über unsere Geschichte zu lernen.” Seine Beobachtung deutet darauf hin, wie K-Pop ein größeres globales Interesse an der koreanischen Kultur und Geschichte weckt, das über die bloße Begeisterung für das Popkulturelement hinausgeht. Die Merchandise-Artikel des Museums mit traditionellen koreanischen Motiven, die im Film vorkamen – der Tiger, die Elster und der traditionelle Hut, bekannt als Gat – waren ausverkauft.

K-Pop zeigt keine Anzeichen dafür, die Lautstärke herunterzudrehen, in keinerlei Hinsicht. Jeong sagt, dass Unternehmen bereits mit der Richtung experimentieren, die die Zukunft einschlagen könnte: virtuelle Performer, hörgeschädigte Idole und sogar “Furry”-Cosplay-Gruppen. “K-Pop erweitert die Möglichkeiten – nicht nur für Musik, nicht nur für Koreaner, sondern für alle Arten von Genres und Kunstformen auf der ganzen Welt”, sagt sie. “Er ist hybridisiert, globalisiert und kann dennoch lokalisiert werden”, sagt sie. “Es ist nicht nur ein musikalisches Genre; es ist ein Produktionsstil. [Das ‘K’ in] K-Pop steht nicht mehr nur für Korea.”

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