Le peintre de “Les Funérailles de Mona Lisa” Yan Pei Ming va présenter une grande exposition en Chine ce mois-ci

Bien que Yan Pei Ming ait passé plus de quarante ans en France et suivi une formation classique occidentale à l'École Nationale Supérieure d'Art et de Design de Dijon, une profonde sensibilité chinoise continue d'imprégner le moindre de ses coups de pinceau. “De par mon nom et mon visage, je reste un artiste chinois, mais je suis en même temps un artiste français, et par-dessus tout un créateur international. Je ne peux effacer ni mon visage ni mes origines.”

Aujourd'hui, le marché de l'art dans son pays natal est très différent de celui qu'il a quitté en 1980. Bien qu'il s'agisse de sa première exposition individuelle dans un musée, il a déjà participé à des expositions collectives et personnelles dans des galeries à Pékin, Shanghai, Guangzhou et Hong Kong. “Depuis l'ouverture de la Chine, le public est devenu très réceptif à l'art contemporain et à la créativité moderne”, remarque-t-il. “Je suis heureux que mon travail soit désormais reconnu par le public chinois ; de nombreux Chinois apprécient mes œuvres.”

L'éveil artistique de l'artiste ne s'est pas fait par le biais des musées—Dans le sens des aiguilles d'une montre, depuis en haut à gauche : Nom d'un Chien! Un Jour Parfait (2012) ; l'artiste dans son atelier ; ses outils et chaussures dans l'atelier—ou des galeries, mais par l'art de propagande et les affiches de films. Né dans une famille ouvrière de Shanghai en 1960, il a grandi pendant la Révolution culturelle, ce grand mouvement sociopolitique lancé de 1966 à 1976 par l'ancien dirigeant chinois Mao Zedong pour purger la société de ses éléments capitalistes. Autodidacte, il apprenait à peindre dès l'âge de 13 ans en copiant des images de propagande de Mao et des Gardes rouges. L'audace, l'échelle et le caractère immédiat de ces images de l'époque ont façonné le vocabulaire visuel qu'il raffinerait plus tard pour créer son propre style. Bien qu'il se soit familiarisé avec l'art inspiré des peintures classiques en visitant des expositions—la première qui l'a fasciné présentait des peintures françaises du 19e siècle à Shanghai en 1978—en produisant des dessins, des natures mortes et des portraits entre la fin de la Révolution culturelle et son émigration vers la France, ses années formatrices ont été marquées par les bouleversements sociaux et la lourde influence du réalisme de style soviétique très répandu en Chine. “Ce fut une expérience d'apprentissage absolument nécessaire pour développer mon travail futur et trouver ma propre voie”, souligne-t-il.

À 19 ans, il postule à l'École d'Art et de Design de Shanghai, mais sa candidature est rejetée. Un oncle vivant à Paris l'invite alors à le rejoindre pour étudier en France. Finalement, il s'installe à Dijon, la paisible capitale de la Bourgogne. “C'est une ville magnifique, proche de Paris en train. L'École Nationale des Beaux-Arts, où j'ai étudié, est un excellent établissement. Il y a un formidable musée des beaux-arts et un superbe centre d'art, Le Consortium. Ils ont joué un rôle très important pour moi”, raconte-t-il. L'artiste, qui cite Velázquez, Goya, Caravage, de Kooning et Titien comme inspirations artistiques, ajoute : “Il n'est pas nécessaire de vivre à côté du Centre Pompidou ou du Louvre pour devenir un bon artiste.”

La vie d'un jeune étudiant chinois dans la France des années 1980 était exigeante. “Tous les étudiants chinois devaient travailler en parallèle de leurs études pour subvenir à leurs besoins. Être un artiste apprenti est toujours un combat. Mais la difficulté est aussi une force.” Vers l'âge de 15 ans, il a réalisé que la peinture était “le support parfait pour exprimer mes sentiments et mes émotions. J'ai toujours été passionné par l'art, et à l'époque, je me suis dit que je ferais tout mon possible pour devenir un artiste indépendant.”

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Mêlant l'imagerie chinoise et l'abstraction gestuelle européenne, où la peinture est appliquée de manière intuitive et énergique par coulures, éclaboussures ou étalements, Yan Pei Ming a rapidement développé son propre style : des portraits monumentaux construits sur des coups de pinceau rapides et violents, ainsi qu'une palette presque monochrome. Il s'intéresse aux portraits, mais contrairement aux affiches de propagande qui glorifient les titans politiques, son travail cherche à confronter, remettre en question ou “tuer” les personnalités célèbres. “Dans le monde d'aujourd'hui, le portrait est très important ; il contribue à la circulation des images à travers le monde. Le portrait révèle l'esprit de notre époque ; le portrait est l'essence même de l'histoire de l'art. Nous ne pouvons vivre sans le portrait”, affirme-t-il. “Quand je peins ces figures de pouvoir, je m'intéresse à la fois aux personnes et à leur image.”

Son œuvre Bruce Lee, par exemple, semble à la fois intime et monumentale. “J'ai découvert les films de Bruce Lee lorsque je suis arrivé à Dijon. C'est un acteur que tout le monde connaît, un héros de cinéma et une légende en même temps”, explique-t-il. “J'aime l'idée que les gens se demandent si je peins le héros qui joue dans le film ou l'acteur lui-même et sa propre personnalité. C'est comme si je peignais une double personnalité.”

Cette fascination pour la double nature de l'identité a culminé dans l'un de ses projets les plus célébrés : Les Funérailles de Mona Lisa. Exposée au Louvre—la demeure même du chef-d'œuvre de Léonard de Vinci des années 1500—cette œuvre affrontait l'histoire de l'art de plein fouet. “Quand j'ai été invité à organiser une exposition personnelle au Louvre, je devais créer un lien avec l'une des peintures du musée”, confie-t-il. “J'ai choisi l'œuvre la plus emblématique et la plus reconnue : La Joconde. Le monde entier connaît cette femme. En donnant à l'œuvre un thème funéraire, cela devient une sorte de célébration, pour offrir à Mona Lisa une seconde vie.” En peignant le visage le plus reproduit sur Terre, il l'a rendu dans des tons gris sourds, dépouillant la femme de sa célèbre mystique—une ombre plutôt qu'une imitation. La réapparition de l'œuvre au Louvre Abu Dhabi en 2023 a prolongé sa résonance : un parallèle envoûtant pour contrebalancer l'originale surexposée et exubérante en couleurs ; un dialogue entre l'Orient et l'Occident, le passé et le présent, l'icône et son interprétation.

Massimo de Carlo, fondateur de la galerie éponyme qui représente l'artiste depuis le début de sa carrière et a inauguré sa succursale hongkongaise avec son exposition en 2016, déclare : “Ce qui le distingue à l'échelle mondiale, c'est sa capacité à aborder les grands sujets—le pouvoir, la mortalité, l'histoire et le deuil—sans aucune hiérarchie. Mao, les détenus de la prison Regina Coeli, ses propres autoportraits, tous reçoivent la même attention intense et intransigeante. Il est une figure singulière dans le monde de l'art chinois, quelqu'un qui est parti, a absorbé tout ce que les traditions picturales occidentales et chinoises avaient à offrir, et se l'est entièrement approprié. Sur le plan international, il a transformé le débat sur ce que peut être la peinture d'histoire au cours des quarante dernières années.”

Malgré la réputation bâtie autour de son style emblématique, Yan Pei Ming ne cesse de se réinventer. “Je ne peins plus de la même manière qu'auparavant ; j'ai évolué, et ma palette est désormais ouverte à toutes les couleurs. Je ne veux pas être confiné uniquement au noir et blanc.” Ces dernières années, ses figures se sont multipliées pour glisser vers les paysages et les formes animales.

Au He Art Museum, cette transition est visible dans la série de portraits de tigres majestueux, de taureaux solennels et, de façon encore plus frappante, d'un gorille imposant exposé aux côtés de l'autoportrait de l'artiste. “C'est un diptyque qui interroge l'origine des humains, d'où ils viennent”, explique-t-il. “L'ADN du gorille est très proche de celui des humains.” Le titre de l'exposition, Masks (Masques), souligne la façon dont l'artiste conçoit les peintures comme un moyen de masquer la personnalité d'un sujet derrière son image publique. Dans ses représentations de figures culturelles et politiques, il s'agit du contraste entre l'image publique de la personnalité et sa qualité intérieure ; avec les peintures animalières, c'est la juxtaposition entre l'homme et la bête, qui invite non pas à la comparaison mais à la réflexion.

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“Quand je peins des animaux sauvages, je me pose des questions sur leur existence. Les humains sont si cruels envers eux, que je me dis que tous les animaux que je peins finiront par disparaître un jour”, confie-t-il. “En peignant des animaux qui vont disparaître, je laisse une trace.” Ses coups de pinceau—rapides, instinctifs, agressifs—évoquent le sentiment de préserver une mémoire qui s'efface.

Pour certains critiques, ces portraits d'animaux représentent un adoucissement émotionnel après des décennies à peindre le pouvoir politique et culturel. Mais pour Yan Pei Ming, ils bouclent la boucle : ils réaffirment son questionnement perpétuel sur la mortalité, la domination et l'empathie, mais désormais à travers un prisme animalier. “Quand j'étais jeune, j'allais au zoo de Shanghai chaque année avec ma classe. Les animaux me fascinent ; pour moi, ils incarnent la puissance et la beauté”, précise-t-il.

L'artiste a passé des décennies à produire des œuvres qui ont habillé les murs des plus grands musées d'Europe, et a participé à la Biennale de Venise en 1995 et 2003, ainsi qu'aux foires mondiales d'Art Basel, pourtant il insiste sur le fait qu'il a encore beaucoup à accomplir. “Mon projet à venir est de créer de magnifiques peintures dans mon atelier.” Actuellement, il travaille sur Game of Power, qui prolonge son exploration de l'autorité et de l'image. Ce projet comprend déjà plus de soixante portraits de figures puissantes, une série qu'il décrit comme une seule et même peinture en constante évolution. “C'est une œuvre que je poursuivrai tout au long de ma vie, qui évoluera en fonction des circonstances. Peut-être que j'en ferai 300… ou 500…”

Il n'a peut-être plus l'énergie qu'il avait autrefois—lorsque Tatler réalise ces photos dans son atelier de Dijon, il s'assoit parfois entre les prises de vue—et l'âge a peut-être tempéré sa férocité de jeunesse, mais l'ambition créative de l'artiste reste intacte. “Je suis impatient de créer des œuvres monumentales, car ce sera pratiquement impossible quand je serai plus vieux”, avoue-t-il. “Pour le reste de ma vie, je veux continuer à développer mon travail et à exposer dans des endroits où je ne l'ai jamais fait auparavant. Je considère que je suis encore au milieu de ma carrière.”

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