Yan Pei Ming, Maler der “Funeral of Mona Lisa”, präsentiert diesen Monat eine umfassende Ausstellung in China

Obwohl Yan Pei Ming mehr als 40 Jahre in Frankreich verbracht hat und an der École Nationale Supérieure d’Art et de Design de Dijon in der westlichen Klassik ausgebildet wurde, zieht sich eine tiefe chinesische Sensibilität durch jeden seiner Pinselstriche. “Mit meinem Namen und meinem Gesicht bleibe ich ein chinesischer Künstler, aber gleichzeitig bin ich ein französischer Künstler und vor allem ein internationaler Künstler. Ich kann weder mein Gesicht noch meine Herkunft auslöschen.”

Der heutige Kunstmarkt in seiner Geburtsstadt unterscheidet sich grundlegend von dem zur Zeit seiner Abreise im Jahr 1980. Obwohl dies seine erste Solo-Museumsausstellung ist, war er bereits in Gruppen- und Einzelausstellungen von Galerien in Peking, Shanghai, Guangzhou und Hongkong vertreten. “Seit der Öffnung Chinas ist die Öffentlichkeit sehr empfänglich für zeitgenössische Kunst und moderne Kreativität”, stellt er fest. “Ich bin erfreut, dass mein Werk nun vom chinesischen Publikum anerkannt wird; viele Chinesen schätzen meine Kunst.”

Yan Pei Mings erste Berührung mit der Kunst geschah nicht durch Museen (im Uhrzeigersinn, von oben links: Nom d’un Chien! Un Jour Parfait (2012); Yan in seinem Atelier; seine Werkzeuge und Schuhe im Atelier) oder Galerien, sondern durch Propagandakunst und Filmplakate. Geboren 1960 in eine Arbeiterfamilie in Shanghai, wuchs er während der Kulturrevolution auf — jener gesellschaftspolitischen Bewegung von 1966 bis 1976, die von Chinas ehemaligem Führer Mao Zedong ins Leben gerufen wurde, um kapitalistische Elemente aus der Gesellschaft zu verbannen. Yan brachte sich das Malen selbst bei; als 13-Jähriger übte er, indem er Propagandabilder von Mao und den Roten Garden kopierte. Die Kühnheit, das Format und die Unmittelbarkeit dieser damaligen Bilder prägten das visuelle Vokabular, das er später zu etwas völlig Eigenem weiterentwickeln sollte. Zwar lernte er auch klassisch inspirierte Kunst durch Ausstellungsbesuche kennen — die erste Schau, die ihn faszinierte, zeigte 1978 in Shanghai französische Malerei des 19. Jahrhunderts — und schuf zwischen dem Ende der Kulturrevolution und seiner Auswanderung nach Frankreich Zeichnungen, Stillleben sowie Porträts. Doch seine prägenden Jahre waren durch soziale Umbrüche und den starken Einfluss des in China vorherrschenden Realismus sowjetischer Prägung gekennzeichnet. “Es war eine absolut notwendige Lernerfahrung, um mein zukünftiges Werk zu entwickeln und meinen eigenen Weg zu finden”, reflektiert er.

Mit 19 Jahren bewarb er sich an der Shanghai Art & Design School, wurde jedoch abgelehnt. Ein in Paris lebender Onkel lud ihn ein, stattdessen nach Frankreich zu kommen und dort zu studieren. Letztendlich landete Yan in Dijon, der ruhigen Hauptstadt des Burgunds. “Es ist eine wunderschöne Stadt, die mit dem Zug schnell von Paris aus zu erreichen ist. Die National School of Fine Arts, an der ich studierte, ist eine hervorragende Schule. Es gibt ein wunderbares Museum der Schönen Künste und ein exzellentes Kunstzentrum, Le Consortium. Sie spielten eine sehr wichtige Rolle für mich”, erzählt er. Yan, der Velázquez, Goya, Caravaggio, de Kooning und Tizian als künstlerische Inspirationen nennt, fügt hinzu: “Man muss nicht zwingend neben dem Centre Pompidou oder dem Louvre wohnen, um ein guter Künstler zu werden.”

Das Leben als junger chinesischer Student im Frankreich der 1980er Jahre war überaus anspruchsvoll. “Alle chinesischen Studenten mussten neben ihrem Studium arbeiten, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Ein aufstrebender Künstler zu sein, ist immer ein Kampf. Aber in der Schwierigkeit liegt auch eine große Kraft.” Etwa im Alter von 15 Jahren erkannte er, dass die Malerei “das perfekte Medium war, um meine Gefühle und Emotionen auszudrücken. Ich war schon immer leidenschaftlich an der Kunst interessiert und sagte mir damals, dass ich alles in meiner Macht Stehende tun würde, um ein unabhängiger Künstler zu werden.”

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Durch die Verschmelzung chinesischer Bildsprache mit europäischer gestischer Abstraktion, bei der die Farbe intuitiv und energisch durch Tropfen, Spritzen oder Verwischen aufgetragen wird, entwickelte Yan Pei Ming bald seinen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil: monumentale Porträts, die auf schnellen, expressiven Pinselstrichen und einer nahezu monochromen Farbpalette aufbauen. Sein Interesse gilt Porträts, doch anstatt propagandaartige Plakate zu schaffen, die politische Titanen verherrlichen, zielen seine Werke darauf ab, berühmte Persönlichkeiten zu konfrontieren, zu hinterfragen oder sie symbolisch auszulöschen. “In der heutigen Welt ist die Porträtmalerei sehr wichtig; sie trägt zur weltweiten Verbreitung von Bildern bei. Das Porträt offenbart den Zeitgeist unserer Ära; es ist die wahre Essenz der Kunstgeschichte. Wir können ohne Porträts nicht leben”, konstatiert er. “Wenn ich diese mächtigen Figuren male, interessiere ich mich gleichzeitig für die Menschen und ihr Image.”

Sein Bruce Lee beispielsweise wirkt gleichermaßen intim wie monumental. “Ich entdeckte Bruce Lees Filme, als ich in Dijon ankam. Er ist ein Schauspieler, den jeder kennt, ein Filmheld und zugleich eine Legende”, sagt er. “Mir gefällt der Gedanke, dass sich die Menschen fragen, ob ich nun den Helden male, der im Film spielt, oder den Schauspieler selbst und seine Persönlichkeit. Es ist, als würde ich eine Doppelpersönlichkeit auf die Leinwand bannen.”

Diese Faszination für die duale Natur der Identität gipfelte in einem seiner berühmtesten Projekte: The Funeral of Mona Lisa. Ausgestellt im Louvre — der eigentlichen Heimat von Leonardo da Vincis Meisterwerk aus dem 16. Jahrhundert — stellte es sich der Kunstgeschichte frontal entgegen. “Als ich eingeladen wurde, eine Einzelausstellung im Louvre zu veranstalten, musste ich eine Verbindung zu einem der Gemälde des Museums herstellen”, erklärt er. “Ich wählte das ikonischste und bekannteste Werk: die Mona Lisa. Die ganze Welt kennt diese Frau. Indem dem Werk ein Beerdigungsthema verliehen wird, wird es zu einer Art Zelebrierung, um der Mona Lisa ein zweites Leben zu schenken.” Bei der Darstellung des meistreproduzierten Gesichts der Welt verwendete er gedämpfte Grautöne und beraubte die Frau ihrer berühmten Mystik — es entstand ein Schattenbild, keine bloße Imitation. Die erneute Präsentation des Werks im Louvre Abu Dhabi im Jahr 2023 erweiterte seine Resonanz: eine eindringliche Parallele als Gegengewicht zum gehypten, farbenfrohen Original; ein Dialog zwischen Ost und West, Vergangenheit und Gegenwart, Ikone und Interpretation.

Massimo de Carlo, der Gründer seiner gleichnamigen Galerie, der Yan seit Beginn seiner Karriere vertritt und 2016 die Niederlassung in Hongkong mit einer Ausstellung Yans eröffnete, erklärt: “Was ihn weltweit von anderen abhebt, ist seine Fähigkeit, sich den großen Themen — Macht, Sterblichkeit, Geschichte und Trauer — ohne jegliche Hierarchie zu widmen. Mao, die Insassen des Gefängnisses Regina Coeli, seine eigenen Selbstporträts — sie alle erhalten dieselbe intensive, kompromisslose Aufmerksamkeit. Er ist eine einzigartige Figur in der chinesischen Kunstwelt; jemand, der wegging, alles absorbierte, was sowohl die westliche als auch die chinesische Maltradition zu bieten hatte, und es sich vollkommen zu eigen machte. Auf internationaler Ebene hat er in den letzten 40 Jahren den Diskurs darüber, was Historienmalerei sein kann, maßgeblich verändert.”

Obwohl sich Yan Pei Ming mit seinem ikonischen Stil einen Namen gemacht hat, hört er nie auf, sich neu zu erfinden. “Ich male nicht mehr so wie früher; ich habe mich weiterentwickelt, und meine Palette steht nun allen Farben offen. Ich möchte mich nicht mehr ausschließlich auf Schwarz und Weiß beschränken lassen.” In den letzten Jahren haben sich seine Figuren vervielfacht und in Landschaften sowie Tierformen verwandelt.

Im He Art Museum lässt sich dieser Wandel an der Serie von Porträts majestätischer Tiger, würdevoller Stiere und, am eindrucksvollsten, eines hoch aufragenden Gorillas ablesen, der neben dem Selbstporträt des Künstlers zu sehen ist. “Es ist ein Diptychon, das die Herkunft des Menschen hinterfragt, woher er stammt”, erläutert Yan. “Die DNA des Gorillas ist der des Menschen sehr ähnlich.” Der Titel der Ausstellung, Masks, verweist darauf, wie der Künstler Gemälde als eine Form der Maskierung der Persönlichkeit eines Sujets hinter dessen öffentlicher Persona betrachtet. Bei seinen Darstellungen kultureller und politischer Persönlichkeiten geht es um den Kontrast zwischen dem öffentlichen Image und der inneren Beschaffenheit der Person; bei den Tiergemälden steht die Gegenüberstellung von Mensch und Tier im Mittelpunkt, die nicht zum bloßen Vergleich, sondern zur tiefen Reflexion einlädt.

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“Wenn ich wilde Tiere male, stelle ich mir Fragen zu ihrer Existenz. Die Menschen sind so grausam zu ihnen, dass ich glaube, alle Tiere, die ich male, werden eines Tages verschwunden sein”, sagt er. “Indem ich Tiere male, die verschwinden werden, hinterlasse ich eine Spur.” Seine Pinselführung — schnell, instinktiv, aggressiv — weckt das Gefühl, eine verblassende Erinnerung bewahren zu wollen.

Für einige Kritiker stellen diese Tierporträts eine emotionale Zähmung dar, nachdem er jahrzehntelang politische und kulturelle Macht gemalt hat. Doch für Yan schließt sich hier ein Kreis: Sie bekräftigen seine lebenslange Auseinandersetzung mit Sterblichkeit, Dominanz und Empathie, nun jedoch durch eine ursprüngliche Linse. “Als ich jung war, besuchte ich jedes Jahr mit meiner Klasse den Zoo in Shanghai. Tiere faszinieren mich; für mich verkörpern sie Kraft und pure Schönheit”, resümiert er.

Yan hat jahrzehntelang Werke geschaffen, die die Wände der größten Museen Europas schmücken, und nahm 1995 sowie 2003 an der Biennale von Venedig und den globalen Messen der Art Basel teil. Dennoch besteht er darauf, dass er noch vieles erreichen möchte. “Mein bevorstehendes Projekt ist es, in meinem Atelier wunderschöne Gemälde zu erschaffen.” Derzeit arbeitet er an Game of Power, das seine Erkundung von Autorität und Image konsequent fortsetzt. Es umfasst bereits mehr als 60 Porträts mächtiger Persönlichkeiten — eine Serie, die er als ein einziges, sich stetig entwickelndes Gemälde beschreibt. “Es ist ein Werk, das ich mein ganzes Leben lang fortführen werde und das sich je nach den Umständen weiterentwickelt. Vielleicht werde ich 300 malen … oder gar 500 …”

Er mag vielleicht nicht mehr die unbändige Energie vergangener Tage besitzen — als Tatler diese Fotos in seinem Atelier in Dijon aufnimmt, setzt er sich gelegentlich zwischen den Aufnahmen hin — und das Alter mag seine frühere Wildheit etwas gemildert haben, doch Yans kreative Ambition bleibt ungebrochen. “Ich bin voller Tatendrang, monumentale Werke zu schaffen, denn wenn ich älter bin, wird dies praktisch unmöglich sein”, betont er. “Für den Rest meines Lebens möchte ich meine Arbeit weiterentwickeln und an Orten ausstellen, an denen ich noch nie zuvor präsent war. Ich betrachte mich selbst immer noch als mitten in meiner Karriere stehend.”

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