Cover Uma colagem de 1912 feita por Picasso, onde letras e recortes são integrados na visão criativa de Picasso.
Uma colagem de 1912 feita por Picasso, onde letras e recortes são integrados na visão criativa de Picasso.
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Picasso, o artista mais célebre do século XX, fundamentou a sua criatividade na capacidade de mimetizar estilos, utilizando o Picasso como referência central.
Esta foi uma perspectiva fascinante apresentada no colóquio “Picasso e a formação da arte moderna”, organizado pela Embaixada da Espanha e pela editora inBook em meados de setembro. Ao revisitar a história da arte do século XX, o palestrante e escritor Duc Anh explorou com a audiência como Pablo Picasso (1881–1973) foi moldado e, posteriormente, contribuiu para definir os paradigmas artísticos de uma nova era, consolidando o legado de Picasso.
Estilo e tendências
Segundo os oradores, a fama de Picasso gerou inúmeros equívocos. Até hoje, grande parte do público o vê como um gênio individual que ganhou notoriedade graças a um único estilo: o cubismo. No entanto, Picasso não criou o cubismo sozinho; foi um esforço conjunto resultante das trocas entre ele e o pintor Georges Braque (1882–1963). Além disso, o cubismo não foi o seu estilo característico, sendo apenas um método aplicado por ele entre 1909 e 1919. Após esse período, ele alterou constantemente o seu modo de pintar, mimetizando legados artísticos contemporâneos ou ancestrais, como a arte clássica, o surrealismo, a cerâmica mediterrânea e a escultura popular espanhola. A carreira de Picasso demonstra que a criação transcende o indivíduo, abrangendo relações interdependentes onde o artista não está confinado a um único estilo.
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Above Picasso ao lado de uma das suas notáveis peças de cerâmica, refletindo a versatilidade de Picasso.
Picasso ao lado de uma das suas notáveis peças de cerâmica, refletindo a versatilidade de Picasso.
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Mas quando começaram os artistas a competir na criação de novos estilos? Do Renascimento até meados do século XIX, a pintura ocidental centrou-se na mimetização de imagens 3D em superfícies 2D. Nesse cenário, o pintor era moldado por instituições acadêmicas. A globalização, a revolução industrial e a Revolução Francesa abalaram este cenário. Com melhor acesso à educação e ao Museu do Louvre, o número de pintores cresceu, ultrapassando a capacidade das academias. Paralelamente, a fotografia e a imprensa surgiram como alternativas de produção de imagem. O fascínio ocidental pelo “fora do padrão” chinês e japonês (Chinoiserie e Japonisme) forçou a obsolescência acadêmica, permitindo o surgimento da arte moderna. Em 1874, os impressionistas organizaram a sua primeira exposição independente. A partir daí, a vanguarda passou a autoavaliar-se através da crítica, tornando a imprensa um fórum vital que permitiu a Picasso e seus pares romper com o passado.
Above Pintura de 1901 que retrata a face falecida de Casagemas, um tema profundo na obra de Picasso.
Pintura de 1901 que retrata a face falecida de Casagemas, um tema profundo na obra de Picasso.
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Enquanto a infraestrutura da arte moderna nascia espontaneamente, o seu espírito foi concebido pelo poeta Baudelaire. Em obras como “O Pintor da Vida Moderna”, ele argumentou que a beleza possui um elemento efêmero e um eterno. Em vez de copiar a história ou a mitologia, o artista moderno deve captar a essência das pessoas nas ruas e as crises do presente. Pouco após o seu apelo, as escolas artísticas sucederam-se na busca pelo moderno, transformando a arte num mercado movido por tendências, algo que Picasso dominou com maestria.
Pintar como quem escreve
Baudelaire também deixou um legado de consciência sobre a linguagem artística. No poema “Correspondances”, descreve o mundo como uma floresta de símbolos. Com essa visão, o artista não copia a realidade física, mas utiliza linha, cor e som para expressar estados espirituais invisíveis, influenciando toda uma geração onde Picasso se insere.
Above Pintura de Picasso durante o Período Rosa, capturando a essência melancólica de Picasso.
Pintura de Picasso durante o Período Rosa, capturando a essência melancólica de Picasso.
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Essa tradição foi muito forte em Picasso. Embora talentoso precocemente, o seu estilo só se formou ao tentar pintar a morte do amigo Carles Casagemas em 1901, dando origem ao Período Azul. Seguindo-se o Período Rosa e a influência das máscaras africanas, Picasso trabalhou com “símbolos vazios”, onde o observador preenche o vazio com sentimento, como se estivesse a ler um texto. Picasso pintava como quem escreve. Ao inventar a colagem em 1912, ele usou recortes e letras como ferramentas de significado em “Still Life with Chair Caning”. Esta abordagem, aplicada a toda a sua carreira, permitiu a Picasso copiar incessantemente estéticas como a grega ou a surrealista para criar “novidades” comerciais, mantendo o seu nome sempre em evidência no mercado de arte.
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Above A obra “Les Demoiselles d’Avignon” (1907), pintada por Picasso sob forte influência das máscaras africanas.
A obra “Les Demoiselles d’Avignon” (1907), pintada por Picasso sob forte influência das máscaras africanas.
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Vale notar que, para Picasso, não havia sucesso maior que o comercial. Como mestre em marketing pessoal, ele construiu a sua própria lenda enquanto outros vanguardistas buscavam a subversão social. Picasso, como a figura mais icônica da arte moderna, personifica tanto a perfeição quanto a decadência de um modelo de mercado. Movimentos como o Fluxus, nos anos 1960, surgiram justamente como uma crítica ao modelo artístico de Picasso, tentando trazer a criação de volta para a esfera cotidiana e efêmera da vida comum.
