Mundo material: A “Frieze Seoul” transforma crina de cavalo, argila e madrepérola em alta arte

“A arte contemporânea está a mover-se cada vez mais em direção à prática material,” diz Cho sobre o processo prático de trabalhar com substâncias físicas, enquanto “muito do ADN coreano é sobre lidar com diferentes materiais.” Ela acrescenta que figuras coreanas aclamadas internacionalmente como Lee, Do Ho Suh e Haegue Yang colocam o envolvimento material no centro da sua prática. “A nossa secção adicional na “Frieze Seoul” surge num momento muito apropriado, à medida que os últimos cinco anos se moveram cada vez mais para este tipo de prática material no mundo da arte.”

A secção desafia deliberadamente as hierarquias históricas que colocavam as belas-artes acima das disciplinas materiais. Ao selecionar galerias participantes em cidades que vão de Seul, Hong Kong e Taipé a Nova Iorque, Sydney e Melbourne, Cho apresenta obras que repensam a herança — vasos de crina de cavalo enraizados nas tradições de tecelagem de chapéus da era Joseon, por exemplo, e jarras “moon jar” contemporâneas e esculturas de papel-argila de Dahye Jeong e Jongjin Park, vencedores do Loewe Foundation Craft Prize em 2022 e 2026, respetivamente.

Cho, que acredita que o artesanato tradicional tem tanta criatividade quanto as belas-artes, diz: “Tudo — todos os nossos recursos em termos de ideias — tem uma base, uma raiz e uma história. A palavra ‘artesanato’ pode não ser a definição correta neste contexto; é a raiz de toda a criatividade que remonta aos tempos pré-históricos.”

Numa era dominada pela arte digital e pela IA, Cho vê este foco físico e tátil como um reset vital para colecionadores e visitantes da “Frieze Seoul”. “Quanto mais digitalizados nos tornamos, mais sentimos falta do que estava no passado e do que costumava ser,” diz ela. “Espero que esta nova secção traga uma lufada de ar fresco, evoque novas ideias e incentive uma gama totalmente nova de obras de arte.”

Aqui, falamos com os galeristas, curadores e artistas de três galerias em exposição na “Frieze Seoul” sobre o que o artesanato e a herança significam para eles hoje.

Os elementos culturais coreanos tradicionais são cada vez mais familiares globalmente, em grande parte graças à cultura popular; em dramas de época como Dae Jang Geum, por exemplo, a comida e a arquitetura antigas ocupam o centro das atenções, enquanto o filme de sucesso K-Pop Demon Hunters popularizou o gat, um chapéu coreano tradicional.

Isso mal era o caso antes dos anos 2000. Katherine Jeongin Hong, presidente da Fundação Arumjigi — uma instituição cultural sem fins lucrativos em Seul dedicada a promover a herança coreana — recorda como a sua mãe lhe dizia que a cultura tradicional coreana estava a desaparecer a um ritmo alarmante. “Passámos por uma rápida globalização e urbanização [nos anos 90] e, antes disso, a ocupação japonesa [1910-1945] e a Guerra da Coreia [1950-1953],” diz Hong. “Muito da nossa herança tradicional foi danificado [ou perdido]. Não muitas pessoas apreciavam ou queriam manter o que costumávamos ter, embora a nossa herança tradicional seja valiosa.”

A mãe de Hong, formada em sociologia, e o seu pai, jornalista, partilharam uma visão: manter a herança coreana viva enquanto apoiavam artesãos mestres. Em 2001, estabeleceram a Fundação Arumjigi, com a missão de “descobrir a beleza, os valores e o espírito da cultura tradicional coreana, trazê-los para a vida contemporânea e partilhá-los com o mundo”. Arumjigi refere-se a pessoas que preservam e nutrem uma bela herança cultural.

A fundação começou com iniciativas de base, como encorajar aldeias em toda a Coreia do Sul a replantar dangsannamu ou sinmok — árvores tradicionalmente acreditadas por albergar uma divindade guardiã que protege a comunidade, garante uma colheita abundante e assegura a paz — nos seus bairros. Expandiu desde então o seu alcance para proteger disciplinas arquitetónicas e de design, preservando marcos históricos e designs estruturais tradicionais. Também trabalha para preservar o hanbok, ou vestuário tradicional coreano, colaborando com costureiras e designers que reinterpretam as peças tradicionais. Na altura da escrita, no final de julho, a equipa confirmou uma colaboração de alto perfil com um grupo de K-pop líder ainda este ano.

Em 2013, a Arumjigi fundou a sua organização irmã, Onjium (que significa “criar da maneira certa”), um instituto de investigação e estúdio onde artesãos e chefs pesquisam, testam e aplicam técnicas históricas à vida moderna. “Não podemos replicar totalmente os originais porque muitas receitas foram perdidas com o tempo, por isso o nosso menu representa uma síntese de investigação rigorosa e imaginação culinária,” diz a colega de Hong, Joanne Koo.

Para a Prática Material na “Frieze Seoul”, a fundação apresenta uma instalação imersiva que reflete a cultura do estilo de vida coreano através do vestuário, da comida e do abrigo. “Queremos apresentar a tradição coreana não apenas como uma coleção de belos objetos, mas como um corpo vivo de conhecimento moldado por materiais, artesanato e modos de vida,” diz Hong.

A apresentação na feira é acompanhada por duas exposições simultâneas noutros locais de Seul: a mostra anual da Fundação Arumjigi — o tema deste ano é “Dentro das Dobras”, explorando as saias tradicionais coreanas; e Sea Bridges 2026: Cha da Onjium, uma exploração de rituais de chá, em colaboração com artesãos japoneses. “Juntas,” diz Hong, “as três apresentações formam uma única conversa interligada em torno de uma questão central: o que devemos preservar e levar adiante na forma como vivemos?”

“O artesanato tradicional não é simplesmente sobre preservar técnicas antigas; é sobre preservar uma forma de pensar, respeitar a natureza, valorizar a qualidade em detrimento da velocidade e criar coisas que possam permanecer connosco durante muito tempo.”

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Mirinai Choi visitou a Soluna Fine Art por acaso em 2021 e achou o foco da galeria em interpretações contemporâneas do artesanato tradicional uma visão refrescante. Uma colecionadora de arte entusiasta, comprou uma pintura abstrata de Kim Keun-tai. A obra, criada ao embeber a tela numa mistura de pó de pedra — um material tradicionalmente usado por ceramistas de jarras “moon jar” coreanos — e cola, capturou um processo de contemplação e contenção que deixou uma impressão duradoura na “Frieze Seoul”.

“Uma boa obra permite que fique à sua frente e sinta algo diferente mesmo após muitos anos,” diz Choi. A pintura de Kim, uma reinterpretação contemporânea de elementos de arte tradicional coreana, deixou-a a pensar sobre a definição de “belas-artes”. Quando a fundadora da Soluna Fine Art, Rachel Eunju Lee, se mudou para os EUA, Choi assumiu o cargo de diretora, levando adiante uma missão partilhada de exibir artesanato asiático e arte impulsionada por materiais no palco global da “Frieze Seoul”.

“Na Coreia do Sul e em toda a Ásia, o artesanato tradicional [tem sido] visto como algo para [ou] preservar ou usar para fins diários, em vez de belas-artes colecionáveis,” diz Choi. “Mas os artistas da nossa galeria adoram técnicas tradicionais, estudam as fundações históricas dos ofícios e reinterpretam-nos através da sua própria filosofia. Com essa dedicação e processo, o seu trabalho deixa de ser apenas artesanato; torna-se bela arte.”

A galeria exibe oito artistas que transformam meios de herança em formas esculturais contemporâneas. Entre eles está Jeong, a vencedora do Loewe Foundation Craft Prize de 2022, que reviveu uma técnica de tecelagem de crina de cavalo de 500 anos da Dinastia Joseon.

Jeong, que encontrou pela primeira vez a tecelagem de crina de cavalo através de um projeto de revitalização de artesanato em Jeju em 2017, passou anos a pesquisar arquivos de museus e a dominar técnicas de amarração complexas para construir vasos 3D delicados e independentes. O seu trabalho em exposição, A Time of Sincerity, incorpora uma banda central modelada a partir de um sabanggwan do século XVI, ou chapéu de estudioso. “Na altura, ninguém tinha usado a técnica tradicional de tecelagem de crina de cavalo para criar obras de arte contemporâneas antes,” diz Jeong. “Em vez de me sentir intimidada por isso, energizou-me... Trabalhar dentro de uma tradição pode por vezes significar ser oprimida pelas suas regras e história, incapaz de romper com velhos hábitos de pensamento. Mas os artesãos [de Jeju] encorajaram-me, e o meu estudo deu-me a confiança para seguir o meu próprio caminho.”

Kim Duck-yong, por sua vez, reinterpreta o tradicional chaekgeori, uma pintura de natureza morta de livros e estantes criada com tinta e pigmentos de cor e frequentemente exibida num biombo de papel. Kim combina incrustações de madrepérola — ele descreve a sua iridescência como “uma luz a apontar para o futuro” — com madeira envelhecida de séculos, que ele diz carregar “um vestígio de história”, para conectar o passado e o futuro na “Frieze Seoul”.

“Nas minhas pinturas, estes dois materiais muito diferentes juntam-se como um casamento para criar algo inteiramente novo. Vivemos no presente, entre [passado e futuro], mas não penso no presente como apenas um único momento — é o ponto onde o passado e o futuro se sobrepõem, e essa sobreposição é onde pergunto: de onde viemos e para onde vamos?

“Através disso, espero partilhar algo profundamente [filosoficamente] asiático em espírito — este sentido de que as pessoas e a natureza estão sempre a mudar, sempre a mover-se em ciclos — com uma audiência internacional.”

Quando a investidora e promotora imobiliária Kate Shin assumiu um projeto de moradia histórica no Upper East Side em Nova Iorque, trabalhou com o renomado arquiteto Toshiko Mori para transformar a propriedade num marco arquitetónico de sete andares conhecido como Waterfall Mansion.

Pretendendo vender a propriedade quando estivesse concluída quatro anos depois, Shin começou a convidar artistas para expor no espaço enquanto o preparava para o mercado.

“O que esperava ser uma ativação temporária tornou-se algo muito mais significativo,” diz ela. “Testemunhei artistas de todo o mundo a encontrar comunidade, confiança e novas oportunidades em Nova Iorque. Nesse momento, percebi que o edifício já tinha encontrado o seu propósito.”

Em 2014, fundou a Waterfall Gallery para servir de ponte entre talentos asiáticos e instituições e colecionadores internacionais na “Frieze Seoul”. Desde a sua fundação, o espaço apresentou mais de 400 artistas contemporâneos de todo o mundo, apresentando muitos artistas asiáticos em Nova Iorque pela primeira vez. “Assistir ao desenvolvimento das suas carreiras tem sido um dos maiores privilégios da minha vida,” diz Shin, que é originária da Coreia do Sul. Infelizmente, a galeria foi uma vítima financeira da pandemia; mudou-se da mansão em janeiro de 2024 e tem existido desde então online e num espaço de visualização privado no distrito de Midtown, em Nova Iorque.

Shin observa que os colecionadores de hoje estão interessados em gerações mais jovens de artistas que trabalham com cerâmica, têxteis, pintura, instalação, arte mediática e práticas interdisciplinares. Os colecionadores “são atraídos não apenas pela excelência técnica, mas também pela profundidade filosófica, inovação material e narrativas culturais que os artistas coreanos trazem à prática contemporânea”, diz ela. “A arte contemporânea coreana é [agora] uma voz essencial na formação do futuro da arte contemporânea global.”

O alinhamento entre a filosofia material coreana e a arte contemporânea global encontra uma plataforma natural na “Frieze Seoul”. Para a sua apresentação de stand, a Waterfall Foundation escolheu uma mostra a solo do artista sul-coreano Lee Seung Hee. Nascido em Cheongju nos anos 1950, e sediado na renomada capital da porcelana de Jingdezhen, na China, desde 2008, Lee passou mais de três décadas a expandir os limites da arte cerâmica.

A prática de Lee centra-se na transformação das tradições de porcelana asiática em painéis de relevo concetuais e instalações. Para a “Frieze Seoul”, ele criou obras cerâmicas que mimetizam visualmente papel desgastado e envelhecido.

“O que parece ser papel no meu trabalho é, na verdade, argila,” diz ele. “Esta é uma tentativa de expor o fosso entre o que é visível e o que realmente existe. Em vez de reproduzir formas ou imagens tradicionais, pretendo capturar o momento em que a nossa perceção e compreensão concetual de um material são abaladas.”

A técnica laboriosa do artista baseia-se na construção de camadas cerâmicas finas e translúcidas através da aplicação física repetida. “Para mim, ‘prática material’ é um processo onde o tempo e a memória se acumulam no corpo através do movimento repetitivo das mãos,” diz Lee. “Para ouvir o que o próprio material está a tentar dizer, ponho de lado os meus próprios pensamentos por um momento.”

Shin vê plataformas como a “Frieze Seoul” como uma oportunidade para permitir que “narrativas locais sejam compreendidas dentro de um contexto internacional, convidando simultaneamente as audiências globais a apreciar a profundidade e a relevância das práticas artísticas asiáticas.”

“O artesanato tradicional não é nostalgia, mas uma forma de ser,” diz ela. “À medida que a IA avança, o valor da arte muda da produção para o processo e a presença humana. O futuro da arte não é uma competição entre tecnologia e tradição, mas um reconhecimento do que apenas as mãos humanas — e um espírito atento — podem trazer à existência.”

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