Un monde de matériaux : Frieze Seoul sublime le crin de cheval, l’argile et la nacre en art contemporain

“L’art contemporain se tourne de plus en plus vers la pratique des matériaux”, explique Cho à propos du processus physique de travail de la matière, ajoutant que “l’ADN coréen repose en grande partie sur le maniement de matériaux variés”. Elle souligne que des figures coréennes de renommée internationale comme Lee, Do Ho Suh et Haegue Yang placent l’engagement matériel au cœur de leur démarche. “Notre nouvelle section arrive à un moment très opportun, car ces cinq dernières années ont vu un glissement croissant vers ce type de pratique matérielle dans le monde de l’art.”

La section défie délibérément les hiérarchies historiques qui plaçaient les beaux-arts au-dessus des disciplines artisanales. Sélectionnant des galeries participantes de Séoul, Hong Kong, Taipei, New York, Sydney et Melbourne, Cho met en avant des œuvres qui repensent l’héritage — des récipients en crin de cheval ancrés dans les traditions de tissage de chapeaux de l’ère Joseon, par exemple, ainsi que des jarres de lune contemporaines et des sculptures en papier-argile de Dahye Jeong et Jongjin Park, lauréats du Prix Loewe Foundation Craft en 2022 et 2026 respectivement à Frieze Seoul.

Cho, qui croit que l’artisanat traditionnel possède autant de créativité que les beaux-arts, précise : “Tout — toutes nos ressources en termes d’idées — possède une base, une racine et une histoire. Le terme ‘artisanat’ n’est peut-être pas la définition correcte dans ce contexte ; c’est la racine de toute créativité remontant à la préhistoire.”

À une époque dominée par l’art numérique et l’IA, Cho perçoit cette concentration sur le physique et le tactile comme une réinitialisation vitale pour les collectionneurs et les visiteurs de Frieze Seoul. “Plus nous devenons numérisés, plus le passé et ce qui existait auparavant nous manquent”, confie-t-elle. “J’espère que cette nouvelle section apportera un souffle nouveau, évoquera des idées inédites et encouragera une gamme entière d’œuvres d’art.”

Ici, nous nous entretenons avec les galeristes, curateurs et artistes de trois galeries exposant à Frieze Seoul sur ce que l’artisanat et l’héritage signifient pour eux aujourd’hui.

Les éléments culturels coréens traditionnels sont de plus en plus familiers à l’échelle mondiale, en grande partie grâce à la culture populaire ; dans les drames historiques comme Dae Jang Geum, par exemple, l’alimentation et l’architecture anciennes occupent le devant de la scène, tandis que le film à succès K-Pop Demon Hunters a popularisé le gat, un chapeau coréen traditionnel, captivant les visiteurs de Frieze Seoul.

Ce n’était guère le cas avant les années 2000. Katherine Jeongin Hong, présidente de la Fondation Arumjigi — une institution culturelle à but non lucratif basée à Séoul dédiée à la promotion de l’héritage coréen — se souvient que sa mère lui disait que la culture traditionnelle disparaissait à un rythme alarmant. “Nous avons traversé une mondialisation et une urbanisation rapides [dans les années 1990] et, avant cela, l’occupation japonaise [1910-1945] et la guerre de Corée [1950-1953]”, explique Hong. “Une grande partie de notre héritage traditionnel a été endommagée [ou perdue]. Peu de gens appréciaient ou souhaitaient conserver ce que nous avions, bien que notre héritage traditionnel soit précieux.”

La mère de Hong, diplômée en sociologie, et son père, journaliste, partageaient une vision : maintenir vivant l’héritage coréen tout en soutenant les maîtres artisans. En 2001, ils ont fondé la Fondation Arumjigi, dont la mission est de “découvrir la beauté, les valeurs et l’esprit de la culture coréenne traditionnelle, de les intégrer dans la vie contemporaine et de les partager avec le monde”. Arumjigi désigne les personnes qui préservent et cultivent le bel héritage culturel.

La fondation a débuté par des initiatives de terrain, telles qu’encourager les villages à replanter des dangsannamu ou sinmok — des arbres traditionnellement considérés comme abritant une divinité gardienne protégeant la communauté, assurant des récoltes abondantes et la paix — dans leurs quartiers. Elle a depuis étendu son action à la protection de l’architecture et du design, préservant des sites historiques et des structures traditionnelles. Elle œuvre également à la préservation du hanbok, ou vêtement traditionnel, en collaborant avec des couturières et designers qui réinterprètent ces pièces. Au moment de la rédaction fin juillet, l’équipe a confirmé une collaboration de haut niveau avec un groupe de K-pop majeur cette année à Frieze Seoul.

En 2013, Arumjigi a fondé sa structure sœur, Onjium (signifiant “créer de la bonne manière”), un institut de recherche et studio où artisans et chefs étudient et appliquent des techniques historiques à la vie moderne. “Nous ne pouvons pas reproduire fidèlement les originaux car de nombreuses recettes ont été perdues avec le temps, donc notre menu représente une synthèse de recherche rigoureuse et d’imagination culinaire”, déclare Joanne Koo, collègue de Hong.

Pour Frieze Seoul, la fondation présente une installation immersive reflétant la culture de l’art de vivre coréen à travers le vêtement, la cuisine et l’habitat. “Nous souhaitons présenter la tradition coréenne non pas comme une simple collection d’objets, mais comme un savoir vivant façonné par les matériaux, le savoir-faire et les modes de vie”, explique Hong.

Cette présentation à Frieze Seoul est accompagnée de deux expositions simultanées à Séoul : l’exposition annuelle de la Fondation Arumjigi — sur le thème “Within the Folds”, explorant les jupes coréennes traditionnelles ; et Sea Bridges 2026 : Cha d’Onjium, une exploration des rituels du thé en collaboration avec des artisans japonais. “Ensemble”, déclare Hong, “les trois présentations forment une conversation interconnectée autour d’une question centrale : que devons-nous préserver et transmettre dans notre façon de vivre ?”

“L’artisanat traditionnel ne consiste pas simplement à préserver de vieilles techniques ; il s’agit de préserver une façon de penser, de respecter la nature, de privilégier la qualité sur la vitesse et de créer des objets qui nous accompagnent longtemps.”

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Mirinai Choi a visité Soluna Fine Art par hasard en 2021 et a trouvé que l’accent mis par la galerie sur les interprétations contemporaines de l’artisanat traditionnel était rafraîchissant pour Frieze Seoul. Collectionneuse passionnée, elle a acquis une peinture abstraite de Kim Keun-tai. L’œuvre, créée en trempant une toile dans un mélange de poudre de pierre — un matériau traditionnellement utilisé par les céramistes de jarres de lune coréennes — et de colle, capturait un processus de contemplation et de retenue qui l’a marquée durablement.

“Une bonne œuvre vous permet de rester devant elle et de ressentir quelque chose de différent même après de nombreuses années”, déclare Choi. La peinture de Kim, réinterprétation contemporaine d’éléments artistiques coréens, l’a amenée à s’interroger sur la définition des “beaux-arts”. Lorsque la fondatrice de Soluna Fine Art, Rachel Eunju Lee, a déménagé aux États-Unis, Choi a assumé le rôle de directrice, poursuivant une mission commune : présenter l’artisanat asiatique et l’art fondé sur les matériaux sur la scène mondiale.

“En Corée du Sud et à travers l’Asie, l’artisanat traditionnel [a longtemps été] perçu comme quelque chose à préserver ou à utiliser au quotidien, plutôt que comme des beaux-arts collectionnables”, explique Choi à propos de Frieze Seoul. “Mais nos artistes adorent les techniques traditionnelles, étudient les fondements historiques de l’artisanat et les réinterprètent selon leur propre philosophie. Avec ce dévouement et ce processus, leur travail cesse d’être seulement de l’artisanat ; il devient une œuvre d’art.”

La galerie expose huit artistes transformant des médiums issus de l’héritage en formes sculpturales contemporaines à Frieze Seoul. Parmi eux, Jeong, lauréate du Prix Loewe Foundation Craft en 2022, qui a fait revivre une technique de tissage en crin de cheval vieille de 500 ans de la dynastie Joseon. Utilisé à l’origine pour confectionner des chapeaux pour la noblesse, le crin de cheval était choisi pour sa légèreté et sa respirabilité.

Jeong, qui a découvert le tissage en crin de cheval lors d’un projet de revitalisation artisanale à Jeju en 2017, a passé des années à étudier les archives des musées et à maîtriser des techniques de nouage complexes pour construire des vases 3D délicats et autoportants pour Frieze Seoul. Son œuvre exposée, A Time of Sincerity, intègre une bande centrale inspirée d’un sabanggwan du XVIe siècle, ou chapeau de lettré. “À l’époque, personne n’avait encore utilisé la technique traditionnelle de tissage en crin de cheval pour créer des œuvres d’art contemporaines”, confie Jeong. “Plutôt que d’être intimidée, cela m’a dynamisée... Travailler au sein d’une tradition peut parfois signifier être alourdie par ses règles et son histoire, incapable de se détacher de vieilles habitudes de pensée. Mais les artisans [de Jeju] m’ont encouragée, et mon étude m’a donné la confiance nécessaire pour suivre ma propre voie.”

Kim Duck-yong, quant à lui, réinterprète le chaekgeori traditionnel, une nature morte représentant des livres et des étagères réalisée à l’encre et aux pigments, souvent exposée sur un paravent en papier pour Frieze Seoul. Kim combine plutôt des incrustations de nacre — il décrit son iridescence comme “une lumière pointant vers l’avenir” — avec des toiles de bois centenaires patinées, qui portent selon lui “une trace d’histoire”, pour connecter le passé et le futur.

“Dans mes peintures, ces deux matériaux très différents s’unissent comme un mariage pour créer quelque chose d’entièrement nouveau. Nous vivons dans le présent, entre [passé et futur], mais je ne considère pas le présent comme un simple moment — c’est le point où le passé et le futur se chevauchent, et cet overlap est l’endroit où je demande : d’où venons-nous et où allons-nous ?”

“À travers cela, j’espère partager quelque chose de profondément [philosophiquement] asiatique dans l’esprit — ce sentiment que les humains et la nature changent toujours, évoluent toujours en cycles — avec un public international lors de Frieze Seoul.”

Lorsque l’investisseuse immobilière Kate Shin a entrepris un projet de maison historique dans l’Upper East Side à New York, elle a travaillé avec l’architecte renommée Toshiko Mori pour transformer la propriété en un monument architectural de sept étages connu sous le nom de Waterfall Mansion.

Ayant l’intention de vendre la propriété une fois achevée, Shin a commencé à inviter des artistes à exposer dans l’espace tout en le préparant pour le marché de Frieze Seoul.

“Ce qui devait être une activation temporaire est devenu quelque chose de beaucoup plus significatif”, explique-t-elle. “J’ai vu des artistes du monde entier trouver communauté, confiance et nouvelles opportunités à New York. À ce moment-là, j’ai réalisé que le bâtiment avait déjà trouvé sa raison d’être.”

En 2014, elle a fondé Waterfall Gallery pour servir de pont entre les talents asiatiques et les institutions et collectionneurs internationaux présents à Frieze Seoul. Depuis, l’espace a présenté plus de 400 artistes contemporains, introduisant de nombreux artistes asiatiques à New York pour la première fois. “Regarder leurs carrières se développer a été l’un des plus grands privilèges de ma vie”, déclare Shin, originaire de Corée du Sud. Malheureusement, la galerie a été une victime financière de la pandémie ; elle a quitté le manoir en janvier 2024 et existe désormais en ligne et dans un espace de visite privé dans le quartier de Midtown à New York.

Shin observe que les collectionneurs d’aujourd’hui s’intéressent aux jeunes générations d’artistes travaillant la céramique, le textile, la peinture, l’installation et les pratiques interdisciplinaires présentes à Frieze Seoul. Les collectionneurs “sont attirés non seulement par l’excellence technique, mais aussi par la profondeur philosophique, l’innovation matérielle et les récits culturels que les artistes coréens apportent à la pratique contemporaine”, dit-elle. “L’art contemporain coréen est [désormais] une voix essentielle dans le façonnement futur de l’art contemporain mondial.”

L’alignement entre la philosophie matérielle coréenne et l’art contemporain mondial trouve une plateforme naturelle à Frieze Seoul dans Material Practice. Pour sa présentation, Waterfall Foundation a choisi une exposition solo de l’artiste sud-coréen Lee Seung Hee. Né à Cheongju dans les années 1950 et basé dans la capitale renommée de la porcelaine, Jingdezhen en Chine, depuis 2008, Lee a passé plus de trois décennies à repousser les limites de l’art céramique.

La pratique de Lee se concentre sur la transformation des traditions asiatiques de porcelaine en panneaux de relief conceptuels et installations pour Frieze Seoul. Pour la foire, il a créé des œuvres en céramique qui imitent visuellement du papier usé et ancien.

“Ce qui semble être du papier dans mon travail est en réalité de l’argile”, dit-il. “C’est une tentative d’exposer l’écart entre ce qui est visible et ce qui existe réellement. Plutôt que de reproduire des formes ou des images traditionnelles, je cherche à capturer le moment où notre perception et notre compréhension conceptuelle d’un matériau sont ébranlées.”

La technique laborieuse de l’artiste repose sur la construction de fines couches de céramique translucide par application physique répétée. “Pour moi, la ‘pratique matérielle’ est un processus où le temps et la mémoire s’accumulent dans le corps par le mouvement répétitif des mains”, confie Lee à Frieze Seoul. “Pour entendre ce que le matériau lui-même essaie de dire, je mets mes propres pensées de côté pendant un instant.”

Shin voit des plateformes comme Frieze Seoul comme une opportunité de permettre aux “récits locaux d’être compris dans un contexte international, tout en invitant les publics mondiaux à apprécier la profondeur et la pertinence des pratiques artistiques asiatiques.

“L’artisanat traditionnel n’est pas de la nostalgie, mais une manière d’être”, conclut-elle. “À mesure que l’IA progresse, la valeur de l’art passe de la production au processus et à la présence humaine. L’avenir de l’art n’est pas une compétition entre technologie et tradition, mais une reconnaissance de ce que seules des mains humaines — et un esprit attentif — peuvent faire naître.”

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