Mundo material: Frieze Seoul transforma crin, arcilla y nácar en alta expresión artística

“El arte contemporáneo se desplaza cada vez más hacia la práctica material”, comenta Cho sobre el proceso físico de trabajar con sustancias, mientras que “gran parte del ADN coreano trata sobre el manejo de diversos materiales”. Añade que figuras coreanas aclamadas internacionalmente como Lee, Do Ho Suh y Haegue Yang colocan el compromiso material en el corazón de su trabajo. “Nuestra sección adicional en Frieze Seoul llega en un momento muy apropiado, pues los últimos cinco años han avanzado significativamente hacia este tipo de práctica material en el mundo del arte”.

La sección desafía deliberadamente las jerarquías históricas que situaban a las bellas artes por encima de las disciplinas materiales. Al seleccionar galerías participantes desde Seúl, Hong Kong y Taipéi hasta Nueva York, Sídney y Melbourne, Cho exhibe obras que repiensan la herencia —vasijas de crin arraigadas en las tradiciones de sombrerería de la era Joseon, por ejemplo, y tarros de luna contemporáneos y esculturas de papel-arcilla de Dahye Jeong y Jongjin Park, ganadores del Premio de Artesanía de la Fundación Loewe en 2022 y 2026, respectivamente, quienes también están presentes en Frieze Seoul.

Cho, quien cree que la artesanía tradicional posee tanta creatividad como las bellas artes, afirma: “Todo —todos nuestros recursos en términos de ideas— tiene una base, una raíz y una historia. La palabra ‘artesanía’ puede no ser la definición correcta en este contexto; es la raíz de toda creatividad que se remonta a tiempos prehistóricos”.

En una era dominada por el arte digital y la inteligencia artificial, Cho ve este enfoque físico y táctil como un reinicio vital para los coleccionistas y asistentes a Frieze Seoul. “Cuanto más nos digitalizamos, más extrañamos lo que hubo en el pasado y lo que solía ser”, dice. “Espero que esta nueva sección traiga un soplo de aire fresco, evoque nuevas ideas y fomente una nueva gama de obras de arte”.

Aquí, conversamos con los galeristas, curadores y artistas de tres galerías que exponen en Frieze Seoul sobre lo que significan la artesanía y la herencia para ellos hoy.

Los elementos culturales coreanos tradicionales son cada vez más familiares a nivel global, gracias en gran medida a la cultura popular; en K-dramas de época como Dae Jang Geum, por ejemplo, la gastronomía antigua y la arquitectura ocupan un lugar central, mientras que la exitosa película K-Pop Demon Hunters popularizó el gat, un sombrero tradicional coreano presente indirectamente en el diálogo de Frieze Seoul.

Eso apenas ocurría antes de la década de los 2000. Katherine Jeongin Hong, presidenta de la Fundación Arumjigi —una institución cultural sin fines de lucro en Seúl dedicada a promover la herencia coreana— recuerda cómo su madre le decía que la cultura tradicional coreana estaba desapareciendo a un ritmo alarmante. “Pasamos por una rápida globalización y urbanización [en los años 90] y, antes de eso, la ocupación japonesa [1910-1945] y la Guerra de Corea [1950-1953]”, explica Hong. “Gran parte de nuestra herencia tradicional fue dañada o perdida. No muchas personas apreciaban o querían conservar lo que solíamos tener, aunque nuestra herencia tradicional es valiosa”.

La madre de Hong, socióloga, y su padre, periodista, compartieron una visión: mantener viva la herencia coreana mientras apoyaban a maestros artesanos. En 2001, establecieron la Fundación Arumjigi, cuya misión es “descubrir la belleza, los valores y el espíritu de la cultura tradicional coreana, integrarlos en la vida contemporánea y compartirlos con el mundo”. Arumjigi se refiere a las personas que preservan y cuidan la hermosa herencia cultural, un espíritu que resuena en Frieze Seoul.

La fundación comenzó con iniciativas locales, como alentar a aldeas en Corea del Sur a replantar dangsannamu o sinmok —árboles tradicionalmente considerados el hogar de una deidad guardiana que protege a la comunidad, asegura una cosecha abundante y garantiza la paz— en sus vecindarios. Desde entonces, ha ampliado su alcance para proteger disciplinas arquitectónicas y de diseño, preservando monumentos históricos y diseños estructurales tradicionales. También trabaja para preservar el hanbok, la vestimenta tradicional coreana, colaborando con costureras y diseñadores que reinterpretan las prendas tradicionales que se ven en Frieze Seoul.

En 2013, Arumjigi fundó su organización hermana, Onjium (que significa “crear de la manera correcta”), un instituto de investigación y estudio donde artesanos y chefs investigan, prueban y aplican técnicas históricas a la vida moderna. “No podemos replicar completamente los originales porque muchas recetas se perdieron en el tiempo, por lo que nuestro menú representa una síntesis de investigación rigurosa e imaginación culinaria”, afirma Joanne Koo, colega de Hong.

Para Material Practice en Frieze Seoul, la fundación presenta una instalación inmersiva que refleja la cultura de estilo de vida coreano a través de la ropa, la comida y el refugio. “Queremos presentar la tradición coreana no simplemente como una colección de objetos hermosos, sino como un cuerpo vivo de conocimiento moldeado por materiales, artesanía y formas de vida”, comenta Hong.

La presentación en la feria está acompañada por dos exposiciones simultáneas en Seúl: la muestra anual de la Fundación Arumjigi, cuyo tema este año es “Within the Folds”, que explora las faldas tradicionales coreanas; y “Sea Bridges 2026: Cha” de Onjium, una exploración de los rituales del té en colaboración con artesanos japoneses, expandiendo el impacto de Frieze Seoul. “Juntas”, dice Hong, “las tres presentaciones forman una conversación única e interconectada en torno a una pregunta central: ¿qué debemos preservar y continuar en nuestra forma de vivir?”

“La artesanía tradicional no se trata simplemente de preservar técnicas antiguas; se trata de preservar una forma de pensar, de respetar la naturaleza, de valorar la calidad sobre la velocidad y de crear cosas que puedan permanecer con nosotros durante mucho tiempo”.

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Mirinai Choi visitó Soluna Fine Art por casualidad en 2021 y descubrió que el enfoque de la galería en las interpretaciones contemporáneas de la artesanía tradicional era una visión refrescante, ideal para el público de Frieze Seoul. Como coleccionista de arte, compró una pintura abstracta de Kim Keun-tai. La obra, creada al remojar el lienzo en una mezcla de polvo de piedra —un material utilizado tradicionalmente por los ceramistas coreanos de tarros de luna— y pegamento, capturó un proceso de contemplación y moderación que dejó una impresión duradera.

“Una buena obra le permite detenerse frente a ella y sentir algo distinto incluso después de muchos años”, dice Choi. La pintura de Kim, una reinterpretación contemporánea de elementos del arte coreano tradicional, la llevó a reflexionar sobre la definición de “bellas artes”. Cuando la fundadora de Soluna Fine Art, Rachel Eunju Lee, se trasladó a EE. UU., Choi asumió el papel de directora, llevando adelante una misión compartida de exhibir el arte asiático artesanal y material en el escenario global de Frieze Seoul.

“En Corea del Sur y en toda Asia, la artesanía tradicional [ha sido vista durante mucho tiempo] como algo para [ya sea] preservar o usar con fines cotidianos, en lugar de como bellas artes coleccionables”, afirma Choi. “Pero los artistas de nuestra galería aman las técnicas tradicionales, estudian los fundamentos históricos de la artesanía y los reinterpretan a través de su propia filosofía. Con esa dedicación y ese proceso, su obra deja de ser solo artesanía; se convierte en bellas artes”.

La galería exhibe en Frieze Seoul a ocho artistas que transforman los medios tradicionales en formas escultóricas contemporáneas. Entre ellos se encuentra Jeong, ganadora del Premio de Artesanía de la Fundación Loewe 2022, quien ha revivido una técnica de tejido de crin de la dinastía Joseon de 500 años de antigüedad. Utilizada originalmente para confeccionar sombreros para la nobleza, la crin fue elegida por su ligereza y transpirabilidad.

Jeong, quien se encontró por primera vez con el tejido de crin a través de un proyecto de revitalización artesanal en Jeju en 2017, pasó años investigando archivos de museos y dominando complejas técnicas de nudos para construir vasijas delicadas y tridimensionales. Su obra expuesta en Frieze Seoul, A Time of Sincerity, incorpora una banda central inspirada en un sabanggwan, o “sombrero de erudito”, del siglo XVI. “En aquel entonces, nadie había utilizado la técnica tradicional de tejido de crin para crear obras de arte contemporáneo”, señala Jeong. “En lugar de sentirme intimidada por eso, me dio energía... Trabajar dentro de una tradición a veces puede significar verse agobiado por sus reglas e historia, incapaz de romper con viejos hábitos de pensamiento. Pero los artesanos [de Jeju] me alentaron, y mi estudio me dio la confianza para seguir mi propio camino”.

Kim Duck-yong, por su parte, reinterpreta el tradicional chaekgeori, una naturaleza muerta de libros y estanterías creada con tinta y pigmentos de color, a menudo exhibida en un biombo de papel. Kim, en cambio, combina incrustaciones de nácar —cuya iridiscencia describe como “una luz que apunta hacia el futuro”— con lienzos de madera desgastada de siglos de antigüedad que, según él, llevan “una huella de la historia”, para conectar el pasado con el futuro en el contexto de Frieze Seoul.

“En mis pinturas, estos dos materiales tan diferentes se unen como un matrimonio para crear algo completamente nuevo. Vivimos en el presente, entre [el pasado y el futuro], pero no pienso en el presente como un solo momento; es el punto donde el pasado y el futuro se superponen, y esa superposición es donde pregunto: ¿de dónde venimos y hacia dónde vamos?”

“A través de eso, espero compartir algo profundamente [filosóficamente] asiático en espíritu —esta sensación de que las personas y la naturaleza siempre están cambiando, siempre moviéndose en ciclos— con un público internacional en Frieze Seoul”.

Cuando la inversora y desarrolladora inmobiliaria Kate Shin emprendió un proyecto de casa adosada histórica en el Upper East Side de Nueva York, colaboró con la renombrada arquitecta Toshiko Mori para transformar la propiedad en un hito arquitectónico de siete plantas conocido como Waterfall Mansion.

Con la intención de vender la propiedad una vez finalizada cuatro años después, Shin comenzó a invitar a artistas a exhibir dentro del espacio mientras lo preparaba para el mercado, una conexión que más tarde influiría en su participación en Frieze Seoul.

“Lo que esperaba que fuera una activación temporal se convirtió en algo mucho más significativo”, relata. “Fui testigo de cómo artistas de todo el mundo encontraban comunidad, confianza y nuevas oportunidades en Nueva York. En ese momento, me di cuenta de que el edificio ya había encontrado su propósito”.

En 2014, fundó Waterfall Gallery para servir como puente entre talentos asiáticos e instituciones y coleccionistas internacionales, destacando eventualmente en ferias como Frieze Seoul. Desde su fundación, el espacio ha presentado a más de 400 artistas contemporáneos de todo el mundo. “Ver desarrollar sus carreras ha sido uno de los mayores privilegios de mi vida”, comenta Shin, originaria de Corea del Sur. Desafortunadamente, la galería fue una víctima financiera de la pandemia; se mudó de la mansión en enero de 2024 y desde entonces existe en línea y en un espacio de visualización privado en el distrito de Midtown de Nueva York.

Shin observa que los coleccionistas de hoy, incluidos los que visitan Frieze Seoul, están interesados en generaciones más jóvenes de artistas que trabajan con cerámica, textiles, pintura, instalación, arte mediático y prácticas interdisciplinarias. Los coleccionistas “se sienten atraídos no solo por la excelencia técnica, sino también por la profundidad filosófica, la innovación material y las narrativas culturales que los artistas coreanos aportan a la práctica contemporánea”, asegura. “El arte contemporáneo coreano es [ahora] una voz esencial para dar forma al futuro del arte contemporáneo global”.

La alineación entre la filosofía material coreana y el arte contemporáneo global encuentra una plataforma natural en Material Practice de Frieze Seoul. Para su presentación, Waterfall Foundation eligió una muestra individual del artista surcoreano Lee Seung Hee. Nacido en Cheongju en la década de 1950, y basado en la renombrada capital de la porcelana de Jingdezhen en China desde 2008, Lee ha pasado más de tres décadas expandiendo los límites del arte cerámico.

La práctica de Lee se centra en transformar las tradiciones de porcelana asiática en paneles de relieve conceptuales e instalaciones que sorprenden a los asistentes de Frieze Seoul. Para esta feria, ha creado obras cerámicas que imitan visualmente el papel desgastado y envejecido.

“Lo que parece papel en mi trabajo es en realidad arcilla”, explica. “Es un intento de exponer la brecha entre lo que es visible y lo que realmente existe. En lugar de reproducir formas o imágenes tradicionales, busco capturar el momento en que nuestra percepción y comprensión conceptual de un material se ven sacudidas”.

La técnica del artista, que requiere mucha mano de obra, se basa en construir capas cerámicas delgadas y translúcidas mediante la aplicación física repetida. “Para mí, la ‘práctica material’ es un proceso donde el tiempo y la memoria se acumulan en el cuerpo a través del movimiento repetitivo de las manos”, dice Lee. “Para escuchar lo que el material mismo intenta decir, dejo de lado mis propios pensamientos por un momento”.

Shin ve plataformas como Frieze Seoul como una oportunidad para permitir que “las narrativas locales se entiendan dentro de un contexto internacional, mientras se invita al público global a apreciar la profundidad y relevancia de las prácticas artísticas asiáticas”.

“La artesanía tradicional no es nostalgia, sino una forma de ser”, concluye. “A medida que avanza la inteligencia artificial, el valor del arte se desplaza de la producción al proceso y a la presencia humana. El futuro del arte en Frieze Seoul no es una competencia entre tecnología y tradición, sino un reconocimiento de lo que solo las manos humanas —y un espíritu atento— pueden traer a la existencia”.

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