Materialwelten: Die Frieze Seoul verwandelt Pferdehaar, Ton und Perlmutt in hohe Kunst

“Zeitgenössische Kunst bewegt sich immer mehr in Richtung Materialpraxis”, sagt Cho über den praktischen Prozess der Arbeit mit physischen Stoffen, während “ein Großteil der koreanischen DNA mit dem Umgang verschiedener Materialien zu tun hat.” Sie fügt hinzu, dass international gefeierte koreanische Persönlichkeiten wie Lee, Do Ho Suh und Haegue Yang die materielle Auseinandersetzung ins Zentrum ihres Schaffens stellen. “Unsere zusätzliche Sektion auf der Frieze Seoul kommt zu einem sehr passenden Zeitpunkt, da sich die Kunstwelt in den letzten fünf Jahren verstärkt dieser Art von Materialpraxis zugewandt hat.”

Die Sektion hinterfragt bewusst historische Hierarchien, die bildende Kunst über materielle Disziplinen stellten. Durch die Auswahl teilnehmender Galerien aus Städten von Seoul, Hongkong und Taipeh bis nach New York, Sydney und Melbourne präsentiert Cho Arbeiten, die Tradition neu denken — etwa Gefäße aus Pferdehaar, die in den Hutmachertraditionen der Joseon-Zeit wurzeln, oder zeitgenössische Mondvasen und Papier-Ton-Skulpturen von Dahye Jeong und Jongjin Park, den Gewinnern des Loewe Foundation Craft Prize 2022 bzw. 2026.

Cho, die glaubt, dass traditionelles Handwerk ebenso viel Kreativität besitzt wie die bildende Kunst, sagt: “Alles — all unsere Ressourcen an Ideen — hat eine Basis, eine Wurzel und eine Geschichte. Das Wort ‘Handwerk’ ist in diesem Kontext vielleicht nicht die korrekte Definition; es ist die Wurzel aller Kreativität, die bis in prähistorische Zeiten zurückreicht.”

In einer Ära, die von digitaler Kunst und KI dominiert wird, betrachtet Cho diesen physischen, taktilen Fokus als einen wichtigen Reset für Sammler und Messebesucher der Frieze Seoul. “Je stärker wir uns digitalisieren, desto mehr vermissen wir das Vergangene und das, was früher war”, sagt sie. “Ich hoffe, diese neue Sektion bringt frischen Wind, weckt neue Ideen und inspiriert eine völlig neue Auswahl an Kunstwerken.”

Hier sprechen wir mit Galeristen, Kuratoren und Künstlern von drei Galerien, die auf der Frieze Seoul ausstellen, darüber, was Handwerk und Erbe für sie heute bedeuten.

Traditionelle koreanische kulturelle Elemente sind durch die Popkultur weltweit immer bekannter geworden; in historischen K-Dramen wie Dae Jang Geum stehen alte Kochkunst und Architektur im Mittelpunkt, während der erfolgreiche Film K-Pop Demon Hunters den gat, einen traditionellen koreanischen Hut, popularisierte.

Vor den 2000er Jahren war das kaum der Fall. Katherine Jeongin Hong, Vorsitzende der Arumjigi Foundation — einer gemeinnützigen kulturellen Institution in Seoul, die sich der Förderung des koreanischen Erbes widmet — erinnert sich, wie ihre Mutter ihr erzählte, dass die traditionelle koreanische Kultur in besorgniserregendem Tempo verschwand. “Wir erlebten eine schnelle Globalisierung und Urbanisierung [in den 1990er Jahren] und davor die japanische Besatzung [1910–1945] sowie den Koreakrieg [1950–1953]”, sagt Hong. “Ein Großteil unseres traditionellen Erbes wurde beschädigt [oder ging verloren]. Nicht viele Menschen schätzten oder wollten bewahren, was wir einst hatten, obwohl unser traditionelles Erbe wertvoll ist.”

Hong's Mutter, eine Soziologin, und ihr Vater, ein Journalist, teilten eine Vision: koreanisches Erbe lebendig zu halten und gleichzeitig meisterhafte Handwerker zu unterstützen. Im Jahr 2001 gründeten sie die Arumjigi Foundation mit der Mission, “die Schönheit, die Werte und den Geist der traditionellen koreanischen Kultur zu entdecken, sie in das moderne Leben zu integrieren und sie mit der Welt zu teilen”. Arumjigi bezeichnet Menschen, die schönes kulturelles Erbe bewahren und pflegen.

Die Stiftung begann mit Basisinitiativen, wie etwa der Ermutigung von Dörfern in ganz Südkorea, dangsannamu oder sinmok neu zu pflanzen — Bäume, von denen man traditionell glaubte, dass sie eine Schutzgottheit beherbergen, die die Gemeinschaft schützt, eine reiche Ernte sichert und Frieden gewährleistet. Sie hat ihre Reichweite inzwischen auf architektonische und gestalterische Disziplinen ausgeweitet und bewahrt historische Wahrzeichen und traditionelle Baustrukturen. Sie arbeitet auch an der Erhaltung des hanbok, der traditionellen koreanischen Kleidung, in Zusammenarbeit mit Näherinnen und Designern, die die traditionellen Gewänder neu interpretieren. Zum Zeitpunkt des Schreibens Ende Juli bestätigte das Team eine hochkarätige Zusammenarbeit mit einer führenden K-Pop-Gruppe für dieses Jahr.

Im Jahr 2013 gründete Arumjigi die Schwesterorganisation Onjium (was “auf die richtige Weise erschaffen” bedeutet), ein Forschungsinstitut und Studio, in dem Handwerker und Köche historische Techniken erforschen, testen und auf das moderne Leben anwenden. “Wir können die Originale nicht vollständig kopieren, da viele Rezepte im Laufe der Zeit verloren gegangen sind, daher repräsentiert unser Menü eine Synthese aus strenger Forschung und kulinarischer Vorstellungskraft”, sagt Hongs Kollegin Joanne Koo.

Für die Frieze Seoul präsentiert die Stiftung eine immersive Installation, die die koreanische Lifestyle-Kultur in Kleidung, Kulinarik und Architektur widerspiegelt. “Wir möchten die koreanische Tradition nicht nur als eine Sammlung schöner Objekte präsentieren, sondern als einen lebendigen Wissensschatz, der durch Materialien, Handwerkskunst und Lebensweisen geprägt ist”, sagt Hong.

Die Präsentation auf der Frieze Seoul wird von zwei weiteren Ausstellungen in Seoul begleitet: dem jährlichen Schaufenster der Arumjigi Foundation — das diesjährige Thema ist “Within the Folds” und erkundet traditionelle koreanische Röcke; sowie Onjiums Sea Bridges 2026: Cha, einer Erforschung von Teeritualen in Zusammenarbeit mit japanischen Handwerkern. “Zusammen”, sagt Hong, “bilden die drei Präsentationen ein einziges, miteinander verknüpftes Gespräch um eine zentrale Frage: Was sollten wir in der Art und Weise, wie wir leben, bewahren und weiterführen?”

“Traditionelles Handwerk bedeutet nicht nur, alte Techniken zu bewahren; es geht darum, eine Denkweise zu erhalten, die Natur zu respektieren, Qualität über Geschwindigkeit zu stellen und Dinge zu erschaffen, die lange an unserer Seite bleiben können.”

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Mirinai Choi besuchte die Soluna Fine Art 2021 zufällig und empfand den Fokus der Galerie auf zeitgenössische Interpretationen traditioneller Handwerkskunst als erfrischend. Als begeisterte Kunstsammlerin kaufte sie ein abstraktes Gemälde von Kim Keun-tai. Das Werk, das durch das Einweichen von Leinwand in einer Mischung aus Steinpulver — einem Material, das traditionell von koreanischen Mondvasen-Keramikern verwendet wird — und Kleber entstand, fing einen Prozess der Kontemplation und Zurückhaltung ein, der einen bleibenden Eindruck hinterließ.

“Ein gutes Werk lässt Sie davor stehen und auch nach vielen Jahren noch etwas Besonderes fühlen”, sagt Choi. Kims Gemälde, eine zeitgenössische Neuinterpretation traditioneller koreanischer Kunstelemente, regte sie zum Nachdenken über die Definition von “bildender Kunst” an. Als die Gründerin von Soluna Fine Art, Rachel Eunju Lee, in die USA zog, übernahm Choi die Rolle der Direktorin und setzte die gemeinsame Mission fort, asiatisches Handwerk und materialorientierte Kunst auf der globalen Bühne der Frieze Seoul zu präsentieren.

“In Südkorea und ganz Asien wurde traditionelles Handwerk [lange Zeit] eher als etwas angesehen, das man bewahren oder für tägliche Zwecke nutzen sollte, anstatt als sammelbare bildende Kunst”, sagt Choi. “Aber die Künstler unserer Galerie lieben traditionelle Techniken, studieren die historischen Grundlagen des Handwerks und interpretieren sie durch ihre eigene Philosophie neu. Mit diesem Engagement und diesem Prozess hört ihre Arbeit auf, nur Handwerk zu sein; sie wird zur bildenden Kunst.”

Die Galerie präsentiert auf der Frieze Seoul acht Künstler, die überlieferte Materialien in zeitgenössische skulpturale Formen verwandeln. Unter ihnen ist Jeong, die Gewinnerin des Loewe Foundation Craft Prize 2022, die eine 500 Jahre alte Technik des Pferdehaarflechtens aus der Joseon-Dynastie wiederbelebt hat. Ursprünglich für die Herstellung von Hüten für den Adel verwendet, wurde Pferdehaar wegen seiner Leichtigkeit und Atmungsaktivität gewählt.

Jeong, die während eines Projekts zur Handwerksrevitalisierung auf Jeju 2017 erstmals mit dem Pferdehaarflechten in Berührung kam, verbrachte Jahre damit, Museumsarchive zu erforschen und komplizierte Knüpftechniken zu beherrschen, um filigrane, freistehende 3D-Gefäße zu bauen. Ihr auf der Frieze Seoul gezeigtes Werk “A Time of Sincerity” integriert ein zentrales Band, das einem sabanggwan aus dem 16. Jahrhundert, einem “Gelehrtenhut”, nachempfunden ist. “Damals hatte noch niemand die traditionelle Technik des Pferdehaarflechtens verwendet, um zeitgenössische Kunstwerke zu schaffen”, sagt Jeong. “Anstatt mich davon entmutigen zu lassen, hat es mich energetisiert ... Innerhalb einer Tradition zu arbeiten, kann manchmal bedeuten, von ihren Regeln und ihrer Geschichte erdrückt zu werden, unfähig, alte Denkgewohnheiten abzulegen. Aber die Handwerker [aus Jeju] ermutigten mich, und mein Studium gab mir das Selbstvertrauen, meinen eigenen Weg zu gehen.”

Kim Duck-yong seinerseits interpretiert die traditionelle chaekgeori neu, ein Stillleben von Büchern und Regalen, das oft mit Tusche und Farbpigmenten auf einem Papier-Faltenschirm dargestellt wird. Kim kombiniert stattdessen Perlmutt-Einlagen — er beschreibt deren Schillern als “ein Licht, das in die Zukunft weist” — mit jahrhundertealtem, verwittertem Holz, das er als Träger für “eine Spur der Geschichte” betrachtet, um Vergangenheit und Zukunft zu verbinden.

“In meinen Gemälden kommen diese beiden sehr unterschiedlichen Materialien wie eine Ehe zusammen, um etwas völlig Neues zu schaffen. Wir leben in der Gegenwart, zwischen [Vergangenheit und Zukunft], aber ich denke nicht, dass die Gegenwart nur ein einziger Moment ist — es ist der Punkt, an dem Vergangenheit und Zukunft einander überlappen, und diese Überlappung ist der Ort, an dem ich frage: Woher kommen wir und wohin gehen wir?

“Dadurch hoffe ich, etwas tief [philosophisch] Asiatisches im Geist zu teilen — dieses Bewusstsein, dass Menschen und Natur sich ständig verändern, sich immer in Zyklen bewegen — und zwar mit einem internationalen Publikum auf der Frieze Seoul.”

Als Immobilieninvestorin und -entwicklerin Kate Shin ein historisches Stadthaus-Projekt an der Upper East Side in New York übernahm, arbeitete sie mit dem renommierten Architekten Toshiko Mori zusammen, um das Anwesen in ein siebenstöckiges architektonisches Wahrzeichen zu verwandeln, das als Waterfall Mansion bekannt wurde.

Da sie beabsichtigte, das Anwesen nach vier Jahren fertigzustellen und zu verkaufen, begann Shin, Künstler einzuladen, ihre Werke innerhalb der Räumlichkeiten auszustellen, während sie diese für den Markt vorbereitete.

“Was ich als vorübergehende Aktivierung erwartete, wurde zu etwas viel Bedeutsamerem”, sagt sie. “Ich erlebte, wie Künstler aus der ganzen Welt in New York Gemeinschaft, Selbstvertrauen und neue Möglichkeiten fanden. In diesem Moment erkannte ich, dass das Gebäude bereits seinen Zweck gefunden hatte.”

Im Jahr 2014 gründete sie die Waterfall Gallery, um als Brücke zwischen asiatischen Talenten und internationalen Institutionen sowie Sammlern zu fungieren. Seit ihrer Gründung hat die Galerie mehr als 400 zeitgenössische Künstler aus der ganzen Welt präsentiert und viele asiatische Künstler zum ersten Mal in New York eingeführt. “Ihre Karriereentwicklung zu beobachten, war eines der größten Privilegien meines Lebens”, sagt Shin, die ursprünglich aus Südkorea stammt. Leider war die Galerie ein finanzielles Opfer der Pandemie; sie zog im Januar 2024 aus dem Herrenhaus aus und existiert seitdem online sowie in einem privaten Ausstellungsraum im New Yorker Stadtteil Midtown.

Shin beobachtet, dass sich Sammler heute für jüngere Generationen von Künstlern interessieren, die in den Bereichen Keramik, Textilien, Malerei, Installation, Medienkunst und interdisziplinäre Praktiken arbeiten. Die Sammler “fühlen sich nicht nur von technischer Exzellenz angezogen, sondern auch von der philosophischen Tiefe, der Materialinnovation und den kulturellen Narrativen, die koreanische Künstler in die zeitgenössische Praxis einbringen”, sagt sie. “Die koreanische zeitgenössische Kunst ist [heute] eine unverzichtbare Stimme bei der Gestaltung der Zukunft der globalen Kunstwelt, wie man auch auf der Frieze Seoul sehen kann.”

Die Ausrichtung zwischen koreanischer Materialphilosophie und globaler zeitgenössischer Kunst findet auf der Frieze Seoul in der Materialpraxis eine natürliche Plattform. Für ihren Messestand wählte die Waterfall Foundation eine Solopräsentation des südkoreanischen Künstlers Lee Seung Hee. In den 1950er Jahren in Cheongju geboren und seit 2008 in der renommierten Porzellanhauptstadt Jingdezhen in China ansässig, hat Lee mehr als drei Jahrzehnte damit verbracht, die Grenzen der Keramikkunst zu erweitern.

Lees Schaffen konzentriert sich darauf, traditionelle asiatische Porzellantraditionen in konzeptionelle Reliefpaneele und Installationen zu verwandeln. Für die Frieze Seoul hat er Keramikarbeiten geschaffen, die visuell abgenutztes, gealtertes Papier nachahmen.

“Was in meiner Arbeit wie Papier aussieht, ist eigentlich Ton”, sagt er. “Dies ist ein Versuch, die Kluft zwischen dem, was sichtbar ist, und dem, was tatsächlich existiert, aufzudecken. Anstatt traditionelle Formen oder Bilder zu reproduzieren, ziele ich darauf ab, den Moment einzufangen, in dem unsere Wahrnehmung und unser konzeptionelles Verständnis eines Materials erschüttert werden.”

Die arbeitsintensive Technik des Künstlers basiert auf dem Aufbau dünner, transluzenter Keramikschichten durch wiederholte physische Anwendung. “Für mich ist ‘Material Practice’ ein Prozess, bei dem sich Zeit und Erinnerung durch die repetitive Bewegung der Hände im Körper ansammeln”, sagt Lee. “Um zu hören, was das Material selbst zu sagen versucht, stelle ich meine eigenen Gedanken einen Moment lang zurück.”

Shin sieht Plattformen wie die Frieze Seoul als eine Gelegenheit, “lokale Narrative in einem internationalen Kontext verständlich zu machen, während globale Publikumsschichten eingeladen werden, die Tiefe und Relevanz asiatischer künstlerischer Praktiken auf der Frieze Seoul zu würdigen.

“Traditionelles Handwerk ist keine Nostalgie, sondern eine Lebensweise”, sagt sie. “Während die KI voranschreitet, verschiebt sich der Wert von Kunst von der Produktion hin zu Prozess und menschlicher Präsenz. Die Zukunft der Kunst ist kein Wettbewerb zwischen Technologie und Tradition, sondern eine Anerkennung dessen, was nur menschliche Hände — und ein aufmerksamer Geist — hervorbringen können.”

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