SIFA 2026 : la vision de Chong Tze Chien pour une ville en jeu prend forme au Singapore International Festival of Arts

Ce sentiment de continuité s'étend à l'une des renaissances les plus attendues de l'événement : le retour du Festival Village. Situé sur Empress Lawn et s'étirant jusqu'à Anderson Bridge, cet espace en accès libre rappelle les rassemblements en plein air très animés qui caractérisaient autrefois les premières éditions du Singapore Arts Festival.

Pour Chong, la décision de le ressusciter relève autant de l'atmosphère que de la programmation. “C'est l'occasion pour nous de faire corps avec les éléments”, confie-t-il, “[pendant] ces soirées où l'on prend plaisir à flâner, à transpirer un peu parce que la sensation est agréable.”

Son affection pour le Festival Village s'accompagne d'un souvenir personnel. Alors jeune stagiaire au NAC lors des premières années du festival, Chong fut chargé de gérer des aspects logistiques, tels que les toilettes portables pour l'événement à Fort Canning. Dans l'urgence des préparatifs, il oublia un détail crucial : l'éclairage. Cet oubli provoqua une course effrénée de dernière minute avant la soirée d'ouverture, ses collègues unissant leurs forces pour résoudre le problème.

Ce qu'il en retient n'est pas un sentiment de gêne, mais d'exaltation — l'énergie collective qui naît lorsqu'on concrétise un projet. Il se souvient de la foule, de la douce chaleur nocturne et de la lueur des éclairages sous le ciel étoilé. En cet instant, la sphère des arts lui apparut moins comme une institution rigide que comme une célébration partagée.

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Le programme de 2026 cherche à capturer cet esprit tout en étendant son influence à travers la ville. Le Festival Village accueillera Just Keep Swimming, Just Keep Swimming par The Theatre Practice, une œuvre participative explorant la filiation dans les arts et le dialogue intergénérationnel. Rupture par The Observatory se déploiera sous la forme d'une installation sonore à l'aube, tandis que Makan Culture transformera le Festival Market en un espace de performance interactif rythmé par les marionnettes, la musique et l'imaginaire culinaire de Singapour.

À la nuit tombée, le public pourra découvrir Automata dans le cadre de la série Festival Late Nites, tandis que Festival Play!Ground étendra la portée du SIFA jusque dans les quartiers résidentiels. Au Nexus, dans le Punggol Digital District, le spectacle aérien Noli Timere se déploiera au-dessus du paysage urbain. En intérieur, le Festival Stage proposera une programmation éclectique, allant de productions internationales de premier plan telles que Lacrima, Hedda Gabler et Hamlet, jusqu'au retour aux sources du dramaturge singapourien basé à New York Jeremy Tiang avec sa pièce primée aux Obie Awards, Salesman 之死‭‬‬, une adaptation bilingue (mandarin et anglais) de Death of a Salesman (Mort d'un commis voyageur) d'Arthur Miller. Plus près de nous, des œuvres telles que Strangely Familiar de la T.H.E Dance Company, ainsi que Last Rites de Liu Xiaoyi d'Emergency Stairs, témoignent de l'investissement continu du festival pour la promotion des voix locales. On retrouvera également Lush Life, une performance documentaire réunissant la chanteuse et actrice Jacintha Abisheganaden et son collaborateur de longue date, et ex-mari, Dick Lee, sous la direction de Ong Keng Sen de T:>Works. Enfin, The Lighthouse, présentée par la compagnie australienne Patch Theatre, enchantera le jeune public.

Pourtant, selon Chong, la programmation seule ne suffit pas à définir l'héritage d'un festival. Les structures qui soutiennent la création dans les arts sont tout aussi cruciales. L'une de ses initiatives phares réside dans un modèle de développement sur deux ans pour une sélection de commandes locales. Les créateurs pourront présenter une première version de leur œuvre au Festival Village en 2026, avant de consacrer l'année suivante à peaufiner leurs concepts par le biais de recherches et d'expérimentations, pour finalement revenir au festival en 2027 ou 2028 avec une production pleinement aboutie.

Cette approche reflète la propre expérience de Chong en tant qu'homme de théâtre. Certaines de ses productions les plus ambitieuses, notamment Oiwa – The Ghost of Yotsuya, présentée au SIFA 2021, ont pris forme sur plusieurs années, permettant aux idées de mûrir et de s'approfondir. En revanche, le paysage créatif singapourien exige souvent une production effrénée. “À Singapour, nous travaillons d'arrache-pied”, observe-t-il. “Nous développons cinq nouvelles œuvres en une seule année, ce qui est très inhabituel.”

Une telle précipitation risque, selon lui, de réduire la pratique artistique à ce qu'il qualifie de “culture micro-ondes”. Les œuvres surgissent rapidement, mais manquent parfois de la profondeur que seule permet une réflexion soutenue. En ralentissant le processus, le SIFA peut offrir aux artistes quelque chose de bien plus rare qu'un financement ou une visibilité : du temps. “C'est comme l'élevage du vin”, souligne Chong. “Il a besoin de temps pour vieillir et révéler tous ses arômes.”

Au-delà du développement créatif, Chong réfléchit également à la manière dont le festival tisse des liens avec un public plus vaste. Pour lui, cela commence par concevoir l'accessibilité non pas comme une réflexion après coup, mais comme une composante essentielle de la structure même du festival. Il souhaite que l'événement fonctionne comme un lieu de rassemblement où différentes communautés se rencontrent par le prisme de l'art. Il évoque notamment les arts pratiqués par des personnes en situation de handicap, en insistant sur l'importance de voir des artistes porteurs de handicap assumer un véritable leadership créatif, plutôt que d'être simplement intégrés dans des schémas existants.

Malgré toute la réflexion stratégique qu'implique la direction d'un festival majeur, Chong demeure incontestablement un homme de théâtre dans l'âme. La scène conserve pour lui une puissance inégalée. “Chaque fois que je pénètre dans un théâtre, j'y vois un potentiel de possibilités infinies”, confie-t-il. “Quand je vois une scène, je ressens une grande excitation, car c'est une toile vierge.”

C'est peut-être là la promesse silencieuse qui se cache derrière “Let’s Play!”. Sous cette injonction se devine la conviction que les arts ne s'épanouissent pas dans la certitude, mais dans la curiosité — dans cette volonté d'expérimenter et de découvrir l'inattendu au fil du processus. C'est une image modeste pour un festival national des arts. Pourtant, c'est précisément l'enjeu. Un festival ne réussit pas uniquement lorsqu'il éblouit, mais lorsqu'il épouse le rythme de la ville — lorsque le jeu, avec tout le sérieux qu'il exige, devient une seconde nature.

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