SIFA 2026: Chong Tze Chiens Vision einer spielenden Stadt prägt das Singapore International Festival of Arts

Dieses Gefühl der Kontinuität erstreckt sich auch auf eine der am meisten erwarteten Wiederbelebungen des Festivals — die Rückkehr des Festival Village. Dieser frei zugängliche Treffpunkt, der sich vom Empress Lawn bis hin zur Anderson Bridge erstreckt, weckt Erinnerungen an die lebhaften Zusammenkünfte unter freiem Himmel, die frühere Ausgaben des Singapore Arts Festival auszeichneten.

Für Chong hat die Entscheidung für diese Wiederbelebung ebenso viel mit der Atmosphäre wie mit dem Programm zu tun. “Es ist eine Gelegenheit für uns, eins mit den Elementen zu sein”, sagt er, “in jener abendlichen Zeit, in der wir gerne verweilen und auch ein wenig ins Schwitzen geraten, weil es einfach guttut.”

Seine Zuneigung zum Festival Village ist auch mit einer persönlichen Erinnerung verbunden. Als junger Praktikant beim NAC in den frühen Jahren des Festivals war Chong für praktische Belange wie mobile Toiletten für die Veranstaltung im Fort Canning zuständig. In der Hektik der Vorbereitungen vergaß er jedoch ein entscheidendes Detail: die Beleuchtung. Dieses Versehen löste in letzter Minute vor der Eröffnungsnacht hektische Betriebsamkeit aus, woraufhin die Kollegen zusammenarbeiteten, um das Problem rechtzeitig zu lösen.

Was ihm davon in Erinnerung blieb, war keine Peinlichkeit, sondern vielmehr Begeisterung — jene kollektive Energie, die entsteht, wenn man gemeinsam etwas verwirklicht. Er erinnert sich an die Menschenmengen, die warme Nachtluft und das Leuchten der Lichter unter freiem Himmel. Die Künste fühlten sich in diesem Moment weniger wie eine Institution an, sondern vielmehr wie ein gemeinsames Fest.

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Das Programm für 2026 strebt danach, genau diesen Geist einzufangen und seine Reichweite über die gesamte Stadt auszudehnen. Das Festival Village präsentiert Just Keep Swimming, Just Keep Swimming von The Theatre Practice, ein partizipatorisches Werk, das künstlerische Abstammungslinien und den generationenübergreifenden Dialog erforscht. Rupture von The Observatory entfaltet sich in der Morgendämmerung als Klanginstallation, während Makan Culture den Festival Market in einen interaktiven Aufführungsort verwandelt, der von Puppenspiel, Musik und Singapurs kulinarischer Fantasie geprägt ist.

Nach Einbruch der Dunkelheit kann das Publikum Automata im Rahmen der Serie Festival Late Nites erleben, während das Festival Play!Ground die Präsenz der SIFA bis in die Wohnviertel ausweitet. Im Nexus im Punggol Digital District entfaltet sich das Luftspektakel Noli Timere über der urbanen Landschaft. In den geschlossenen Räumen präsentiert die Festival Stage ein facettenreiches Programm — von internationalen Produktionen wie Lacrima, Hedda Gabler und Hamlet bis hin zur Heimkehr des in New York lebenden singapurischen Dramatikers Jeremy Tiang mit seinem Obie-Award-prämierten Stück Salesman 之死, der zweisprachigen Adaption (Mandarin und Englisch) von Arthur Millers Death of a Salesman. Werke aus der Heimat wie Strangely Familiar von der T.H.E Dance Company sowie Last Rites von Liu Xiaoyi (Emergency Stairs) spiegeln die kontinuierliche Förderung lokaler Stimmen wider. Hinzukommt Lush Life, eine dokumentarische Performance unter der Regie von Ong Keng Sen von T:>Works, die die Sängerin und Schauspielerin Jacintha Abisheganaden mit ihrem langjährigen Weggefährten und früheren Ehemann Dick Lee zusammenführt. Jüngeres Publikum wird derweil von The Lighthouse des australischen Patch Theatre in den Bann gezogen.

Für Chong definiert jedoch nicht nur das Programm allein das Vermächtnis eines Festivals. Ebenso entscheidend sind die Strukturen, die das künstlerische Schaffen aufrechterhalten. Eine seiner zentralen Initiativen ist ein zweijähriges Entwicklungsmodell für ausgewählte lokale Auftragsarbeiten. Die Kunstschaffenden können zunächst 2026 eine erste Version ihres Werks im Festival Village präsentieren, bevor sie das darauffolgende Jahr damit verbringen, ihre Ideen durch eingehende Recherche und Experimente zu verfeinern, um schließlich 2027 oder 2028 mit einer vollständig ausgereiften Produktion zum Festival zurückzukehren.

Dieser Ansatz spiegelt Chongs eigene Erfahrungen als Theatermacher wider. Einige seiner ehrgeizigsten Produktionen, darunter das bei der SIFA 2021 präsentierte Oiwa – The Ghost of Yotsuya, haben über mehrere Jahre hinweg Gestalt angenommen, was es den Ideen ermöglichte, zu reifen und an Tiefe zu gewinnen. Singapurs kreative Landschaft fordert im Gegensatz dazu oftmals schnelle Ergebnisse. “In Singapur arbeiten wir sprichwörtlich wie die Pferde”, bemerkt er. “Wir entwickeln fünf neue Werke in einem Jahr, was überaus unüblich ist.”

Er ist überzeugt, dass dieses enorme Tempo das Risiko birgt, die künstlerische Praxis auf eine von ihm so genannte “Mikrowellenkultur” zu reduzieren. Werke entstehen zwar rasch, doch mag es ihnen an der Tiefe mangeln, die nur durch ausdauernde Reflexion entsteht. Durch eine Entschleunigung des Prozesses kann die SIFA den Künstlern etwas Kostbareres bieten als reine Finanzierung oder Sichtbarkeit: Zeit. “Es ist wie das Reifen von Wein”, sagt Chong. “Er braucht einfach Zeit, um seinen wahren Charakter zu entfalten.”

Über die rein künstlerische Entwicklung hinaus macht sich Chong auch Gedanken darüber, wie das Festival ein breiteres Publikum erreichen kann. Für ihn beginnt dies damit, Barrierefreiheit nicht als nachträglichen Gedanken zu betrachten, sondern als zentralen Bestandteil des Festivalkonzepts. Er wünscht sich, dass das Festival als ein zentraler Begegnungsort fungiert, an dem sich unterschiedlichste Gemeinschaften durch die Kunst kennenlernen. Dabei hebt er insbesondere die inklusive Kunst hervor und betont, wie wichtig es ist, dass Künstler mit Behinderungen eine kreative Führungsrolle übernehmen, anstatt lediglich in bereits bestehende Strukturen eingebunden zu werden.

Trotz all der strategischen Überlegungen, die mit der Leitung eines solch bedeutenden Festivals einhergehen, bleibt Chong im Herzen unbestreitbar ein passionierter Theatermacher. Die Bühne übt nach wie vor eine besondere Anziehungskraft auf ihn aus. “Ich betrete einen Theaterraum stets mit dem Blick für seine unendlichen Möglichkeiten”, verrät er. “Wenn ich eine Bühne sehe, bin ich zutiefst fasziniert, weil sie wie eine unberührte Leinwand ist.”

Vielleicht ist genau das das stille Versprechen, das hinter “Let’s Play!” steht. Hinter diesem Satz verbirgt sich das tiefe Verständnis dafür, dass die Kunst nicht durch Gewissheit gedeiht, sondern durch Neugier — durch die uneingeschränkte Bereitschaft zu experimentieren und im Prozess etwas Unerwartetes zu entdecken. Es ist ein bescheidenes Bild für ein nationales Kunstfestival. Doch vielleicht ist gerade das der springende Punkt. Ein Festival ist nicht nur dann erfolgreich, wenn es glänzt, sondern wenn es zu einem Teil des Rhythmus einer Stadt wird — wenn das Spiel, in all seiner Ernsthaftigkeit, zur zweiten Natur wird.

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