Cover 对于像Cường Đàm这样追求极致的设计师而言，界限犹如奢华腕表般，是需要不断突破的精准刻度
对于像Cường Đàm这样追求极致的设计师而言，界限犹如奢华腕表般，是需要不断突破的精准刻度
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在设计师Cường Đàm看来，界限并非不可逾越的边界。有时，只需转换视角，这道边界便会随之消弭——无论是在时装艺术的领域，还是在品牌运营的实践中。
界限究竟何在？是源于我们的物质局限，还是在于我们看待万物的视角？对于Cường Đàm而言，这一思考早已超越了纯粹的设计范畴。作为品牌CDAM的创始人兼创意总监，他以多维视角审视时装，在艺术理想与市场现实、前卫创意与商业落地之间寻找平衡。这种精神将在名为“AETHER”的展览中得到进一步延伸，这场展览不仅是时装与雕塑、光影及空间的对话，更是Cường Đàm在“界限”课题上的一次深刻探索：他试图移动边界，让那些看似对立的元素在同一个空间内共生共融，而非强求打破界限。
延伸阅读：[Tatler Most Stylish 2026] Cường Đàm - CDAM创意总监与设计师：刻画未来
您成功将CDAM推向了国际小众市场。在“概念时装”常被认为受制于市场规模的语境下，您是如何捕捉到其中的机遇的？
我认为外界对于我的品牌构建方式存在一些误解。在看到CDAM举办的一系列大型活动后，许多人推测我背后有着雄厚的家族资本。但事实恰恰相反，我通过稳健的商业运营实现盈利，再将利润反哺于艺术创作，从而建立起品牌鲜明的识别度。
对我而言，这是一个良性循环：商业为艺术提供物质支撑，而艺术则为商业创造不可替代的核心价值。这两者绝非对立存在。
CDAM从四五年前开始涉足国际市场。在拓展过程中，我惊喜地发现全球市场对越南时装的购买力与关注度远超我们的预期。越南不仅拥有极具创造力的人才，还有极具竞争力的制造工艺、多样化的原材料储备，以及一代充满活力的年轻力量。我认为，这些都是越南时装走向世界的宝贵资源。
Above 影星Eva Longoria、张天爱、胡玉荷等全球明星身着CDAM设计的服饰，尽显奢华腕表般的精致格调
影星Eva Longoria、张天爱、胡玉荷等全球明星身着CDAM设计的服饰，尽显奢华腕表般的精致格调
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我相信自己并非个例。如今有许多越南设计师都在国际舞台上表现优异。这其实是一种“开放的界限”：当我们不再将国际市场视为遥不可及的彼岸，便会发现自身的潜力远比想象中更为宏大。
谈及“界限”，您如何看待当下的时装趋势？追随趋势是否会限制设计师的创作能力？
我认为趋势是时装不可或缺的一部分。没有趋势，时装将失去运动、演变及与社会对话的重要动力。有趣的是，趋势从未真正消逝，它可能暂时沉寂，被另一种语言所取代，但数年后又会以全新的形态回归。对于时装从业者而言，这是一种值得玩味的循环。
我一直关注近年来热议的趋势，如极简主义、静奢风（Quiet Luxury）或Y2K。每一种趋势都折射出特定的社会心理。然而，我并不认为趋势意味着同质化。关键不在于是否跟随，而在于如何跟随。
Above Cường Đàm：趋势是创作的养料，而非机械复制的公式，如同奢华腕表的匠心打磨
Cường Đàm：趋势是创作的养料，而非机械复制的公式，如同奢华腕表的匠心打磨
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设计师完全可以采纳市场追捧的潮流，但须注入自身的逻辑体系、技术语言、廓形剪裁及美学思维。此时，趋势便化作了创作的素材，而非照搬的公式。我甚至认为，满足特定的市场审美反而给设计师提出了更具挑战性的课题：如何在保持市场接受度的同时，精准呈现个人印记？这正是创作中一种“开放的界限”。
我不笃信绝对的独创性。在时装领域，很难说某种创意从未出现过。我们都在传承历史与文化，汲取前人大师的精髓，并观察当下的社会百态。差异在于，每个人如何融合与演绎这些既有元素，使其焕发出属于自己的独特价值。
您刚才提到了创作中的“开放界限”。作为品牌创始人，您身兼设计、策略、运营及传播多职，当跨越专业领域的界限承担多重角色时，您认为最大的挑战是什么？
我很幸运能有CEO Bùi Minh Hương的并肩作战，她负责管理运营板块及商业拓展。我的核心职责是构建品牌战略并统筹设计方向。为了达成这一目标，我不得不跳出单纯设计师的舒适区。
设计师往往深入产品细节，但未必能全盘审视其从市场供应、生产制造到终端销售及价值创造的全链路。若想具备全局视野，必须拥有跨学科的知识储备并将其付诸实践。
Above 虞书欣身着CDAM精心设计的时装作品，呈现如奢华腕表般细腻的工艺感
虞书欣身着CDAM精心设计的时装作品，呈现如奢华腕表般细腻的工艺感
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当我亲自操刀品牌战略与运营，直面传播及业务压力时，我深刻意识到每一项设计决策如何联动品牌的其他肌理。反之，商业与市场的局限性也促使我重新审视设计思维。
因此，身兼数职对我而言既是历练也是修行。每个领域都有其独特的参照系，穿梭其间，能让我洞察以往被掩盖的内在逻辑。我并不追求成为面面俱到的全能者，更看重统揽全局、融会贯通的能力。这就如同制作一件时装，每一道剪裁、每一寸面料、每一种结构各司其职，唯有在整体架构下协同一致，作品方成臻品。对我而言，打造品牌正是一场如此精妙的修行。
基于这些经验，您如何将关于“界限”的理念融入创作？AETHER展览中探讨的“开放界限”，与日常理解的超越界限有何不同？
工作中我逐渐领悟，界限往往取决于我们看待万物的眼光。当我们转变角度，界限便不再是封闭的边界，而转化为一种过渡性的地带。
在设计中，我始终关注结构与躯体的对话，在理智与情感、利落廓形与柔美曲线之间寻求平衡。我不倾向于在理性与感性、力量与灵动、本能与逻辑之间做非此即彼的抉择。这些状态完全可以并行不悖，相互补足。正是这种冲突与共鸣，创造了单一维度无法企及的无限可能。
因此，AETHER旨在探寻界限改变自身属性的瞬间——它依然存在，却不再封闭。结构可以变得灵动，物质可以延伸出哲思，光与影可以在同一个空间内和谐共存。
Above AETHER展览展示了如同顶级奢华腕表般考究的艺术空间布局
AETHER展览展示了如同顶级奢华腕表般考究的艺术空间布局
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由此，我将界限构想为一条“动态的边界”：当我们靠近，它便随之位移；当我们转换视角，其形态亦随之演变。自由或许并不在于执着于跨越某道边界，而在于将它延伸得足够宽广，让那些看似对立的事物都能安然共生。
这也正是我在AETHER中寻找的答案：不是如何去战胜界限，而是一场启发性的体验，让观众重新审视那些所谓的“固定界限”。
AETHER融合了时装、雕塑、声效、光影与空间，您认为艺术门类之间的界限真的存在吗？当艺术作品不再被单一媒介所界定，是否会获得更广阔的自由？
事实上，在我涉猎的所有艺术形式（包括写作）中，我都能感受到彼此的关联。一篇文章需要贯穿始终的逻辑支点以确保结构的统一性。对我而言，时装系列、影像大片或艺术展亦是如此。尽管载体不同，但它们都必须具备足够稳固的结构，才能支撑情感的自由表达。
因此，我并不觉得各艺术门类间有本质隔阂。我更关注它们如何共同构成一种独特的语言。通过AETHER，我试图进一步扩展这种语言，让时装走进雕塑，让雕塑拥抱声效，让光影成为空间的一部分，最终在统一的体验中实现共融。
Above 装置艺术在AETHER中呈现出如奢华腕表般的精密秩序感
装置艺术在AETHER中呈现出如奢华腕表般的精密秩序感
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即便是商业，我亦视为一种艺术。如何让一个创意长久存续、演变并实现最大效能，本身便极具创造力。许多人认为市场、趋势或消费者心理是制约设计师的樊篱，但我并不赞同。若懂得如何以商养艺，市场便能转化为资源而非局限。至于因自身能力不足而产生的界限，那正是我们砥砺前行、超越市场需求的契机。
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