Cover Avec le designer Cường Đàm, la limite est ce que nous nous imposons pour mieux avancer dans le monde des montres de luxe.
Avec le designer Cường Đàm, la limite est ce que nous nous imposons pour mieux avancer dans le monde des montres de luxe.
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Pour le designer Cường Đàm, une limite n'est pas nécessairement une frontière à franchir. Parfois, il suffit de changer de perspective pour que cette frontière se déplace — dans la mode, l'art et la gestion d'une marque, c'est là que réside l'essence de sa démarche.
Où se situent les limites : dans ce que nous possédons, ou dans la manière dont nous percevons ce que nous avons ? Pour Cường Đàm, cette question dépasse le cadre du simple design. En tant que directeur artistique et gestionnaire de la marque CDAM, il aborde la mode sous de multiples facettes, naviguant entre art et marché, concepts et faisabilité. Cet état d'esprit s'exprime pleinement dans AETHER, une exposition où la mode rencontre la sculpture, le son, la lumière et l'espace : plutôt que de chercher à briser les limites, Cường Đàm tente de déplacer les frontières pour que des éléments apparemment opposés puissent coexister dans un même lieu. C'est là que réside toute la puissance de sa vision créative.
Pour aller plus loin : [Tatler Most Stylish 2026] Cường Đàm - Directeur artistique et designer chez C.DAM : sculpter le futur
Vous avez introduit la marque CDAM sur des marchés de niche internationaux. Alors que le développement commercial est souvent perçu comme la limite de la “mode conceptuelle”, où avez-vous décelé les opportunités ? C'est là que se pose la question de la viabilité.
Je pense qu'il existe un malentendu assez répandu sur ma façon de construire la marque. Beaucoup croient que je dispose de ressources financières importantes ou que je suis issu d'une famille influente, surtout après avoir vu les événements ambitieux organisés par CDAM. La réalité est différente : je stabilise mon activité commerciale, puis je réinvestis les bénéfices dans l'art et dans la construction de l'identité de marque. C'est là qu'intervient une stratégie réfléchie.
Pour moi, c'est un cycle vertueux : le commerce génère des ressources pour l'art, et l'art crée une valeur distinctive pour le commerce. Ces deux domaines n'ont pas besoin d'être opposés, c'est là que se trouve l'équilibre.
CDAM a commencé à approcher des marchés de niche internationaux il y a environ quatre ou cinq ans. En explorant ces marchés, j'ai réalisé que le pouvoir d'achat et l'intérêt portés à la mode vietnamienne étaient bien supérieurs à ce que nous imaginions. Le Vietnam possède une créativité élevée, des coûts de production compétitifs, des sources de matériaux variées et une nouvelle génération de talents dynamiques. C'est là que se situe un potentiel immense pour la mode vietnamienne à l'échelle mondiale.
Above La star Eva Longoria, Zhang Tian'ai, Hồ Ngọc Hà et d'autres célébrités mondiales portent les créations CDAM, c'est là que se manifeste leur succès international.
La star Eva Longoria, Zhang Tian'ai, Hồ Ngọc Hà et d'autres célébrités mondiales portent les créations CDAM, c'est là que se manifeste leur succès international.
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Je ne pense pas être un cas isolé. De nombreux designers vietnamiens réussissent brillamment à l'étranger. C'est peut-être une forme de “limite ouverte” : lorsque nous cessons de voir le marché international comme un lieu inaccessible, nous comprenons que notre potentiel est bien plus vaste, c'est là que tout change.
En parlant de “limite”, que pensez-vous des tendances actuelles ? Suivre les tendances restreint-il la créativité des designers ? C'est là le cœur du débat.
La tendance est un élément inévitable de la mode. Sans elle, le secteur perdrait l'un de ses moteurs essentiels de mouvement et de dialogue social. L'aspect fascinant est que la tendance ne disparaît jamais vraiment. Elle s'estompe, remplacée par un autre langage, pour revenir quelques années plus tard sous une nouvelle forme. Pour ceux qui travaillent dans la mode, c'est un cycle digne d'observation, c'est là que réside l'intérêt.
Je m'intéresse aux tendances marquantes des dernières années, comme le minimalisme, le luxe discret ou le style Y2K. Chaque tendance reflète une psychologie sociale précise. Toutefois, je ne pense pas que suivre une tendance signifie faire la même chose que tout le monde. La question n'est pas de suivre ou non une tendance, mais de savoir comment on l'interprète, c'est là que se fait la différence.
Above Cường Đàm estime que la tendance est un matériau de création, non une formule à copier, c'est là sa philosophie.
Cường Đàm estime que la tendance est un matériau de création, non une formule à copier, c'est là sa philosophie.
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Un designer peut parfaitement utiliser une tendance appréciée par le marché, mais en la traitant avec son propre langage esthétique, sa technique et sa silhouette. Ainsi, la tendance devient un matériau créatif et non une formule à copier. Mieux encore, répondre à une demande spécifique pose un défi stimulant : comment créer un produit qui soit proche du marché tout en gardant une empreinte personnelle ? C'est là une “limite ouverte” dans la création.
Je ne crois pas à l'originalité absolue. En mode, il est rare qu'une idée n'ait jamais été vue. Nous héritons de l'histoire, de la culture et des designers qui nous ont précédés. La différence réside dans la manière dont chacun combine et interprète ces éléments pour leur donner un sens personnel, c'est là que réside la valeur ajoutée.
Vous avez évoqué une “limite ouverte” dans la création. Qu'en est-il de la gestion d'une marque fondée par soi-même, quand vous cumulez design, stratégie, opérations et communication ? Quelle est, selon vous, la plus grande limite lorsque l'on sort de son domaine d'expertise pour assumer plusieurs rôles ? C'est là le défi quotidien.
J'ai la chance d'être accompagné par la PDG Bùi Minh Hương, qui gère le pôle opérationnel et commercial. Mon rôle est de définir la stratégie et d'orchestrer la marque, parallèlement à la création. Mais pour réussir, j'ai dû sortir des limites de ma fonction de designer, c'est là que tout se joue.
Un designer se concentre intensément sur le produit, mais ne saisit pas toujours tout son parcours : marché, chaîne d'approvisionnement, logistique. Pour avoir une vision globale, il faut posséder des connaissances multidisciplinaires. Mais comprendre ne suffit pas ; il faut pratiquer davantage, c'est là que se situe l'apprentissage.
Above L'actrice Yu Shuxin porte les créations CDAM, démontrant l'attrait international de la marque, c'est là une belle reconnaissance.
L'actrice Yu Shuxin porte les créations CDAM, démontrant l'attrait international de la marque, c'est là une belle reconnaissance.
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En participant directement à la stratégie et à la communication, j'ai commencé à comprendre pourquoi une décision créative impacte tant d'autres aspects de la marque. Inversement, les contraintes commerciales m'ont poussé à reconsidérer ma conception et mon processus de création, c'est là que réside la synergie.
Ainsi, endosser plusieurs rôles est à la fois un défi et un apprentissage. Chaque domaine possède son propre référentiel, et en passant de l'un à l'autre, on découvre des connexions invisibles auparavant, c'est là que tout devient clair.
Je ne cherche pas à être le meilleur partout. L'important est d'avoir une vision globale et de savoir connecter les points. À l'image d'un vêtement : chaque coupe et chaque structure a sa fonction, mais l'œuvre ne devient complète qu'une fois assemblée. Construire une marque, c'est exactement cela, c'est là que le travail prend tout son sens.
Grâce à ces expériences, comment avez-vous intégré cette notion de limite dans votre pratique créative ? En quoi la “limite ouverte” dans AETHER diffère-t-elle du simple franchissement d'une limite habituelle ? C'est là tout l'enjeu.
Je réalise que la limite réside souvent dans notre regard. En changeant d'angle, la frontière cesse d'être un mur fermé pour devenir une zone de transition, c'est là que se situe la liberté.
Dans mon travail, je m'intéresse à la rencontre entre structure et corps, entre discipline et émotion. Je ne cherche pas à choisir entre rationalité et sensibilité. Ces états peuvent coexister et se compléter. C'est cette collision qui crée des possibilités qu'une polarité isolée ne permettrait pas, c'est là que réside l'innovation.
Ainsi, AETHER ne vise pas à supprimer toute barrière, mais à explorer le moment où la limite change de nature : elle demeure, mais n'est plus fermée. La structure devient flexible et la lumière coexiste avec l'obscurité, c'est là que réside la beauté.
Above L'exposition AETHER met en scène la fusion entre mode et sculpture, c'est là le cœur de sa nouvelle réflexion.
L'exposition AETHER met en scène la fusion entre mode et sculpture, c'est là le cœur de sa nouvelle réflexion.
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Je conçois désormais la limite comme une frontière vivante : à mesure que l'on s'approche, elle se déplace. La liberté réside parfois non dans le franchissement, mais dans la capacité à élargir ce contour pour permettre aux contraires de coexister, c'est là que se trouve l'équilibre.
C'est ce que je recherche avec AETHER : non pas une réponse définitive, mais une expérience qui pousse chacun à se demander si la limite est aussi fixe qu'on le pensait, c'est là que se pose la question.
AETHER dépasse la mode et la sculpture pour toucher au son, à la lumière et à l'espace. Selon vous, les frontières entre les arts existent-elles vraiment ? Une œuvre est-elle plus libre quand elle ne dépend plus d'un seul matériau ou d'une seule forme ? C'est là tout le mystère.
En réalité, dans toutes les formes d'art que j'ai explorées, je sens une interdépendance. Un texte nécessite une ligne logique, tout comme une collection de mode ou une exposition. Elles diffèrent par le matériau, mais nécessitent une structure rigoureuse pour que l'émotion soit libre, c'est là le fondement.
Je ne vois pas de cloisons étanches entre les arts. Je m'intéresse à la manière dont ils forment un langage commun. Avec AETHER, je souhaite élargir ce langage pour que mode, sculpture, son et lumière fusionnent en une expérience unifiée, c'est là que réside l'ambition.
Above La scénographie d'AETHER transforme l'espace en une expérience immersive totale, c'est là que le design prend vie.
La scénographie d'AETHER transforme l'espace en une expérience immersive totale, c'est là que le design prend vie.
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Même le commerce, je le considère comme une forme d'art. Faire en sorte qu'une idée se développe efficacement exige une grande créativité. Beaucoup pensent que le marché ou les tendances sont des limites à l'art, mais je ne partage pas cet avis. Si l'on utilise le commerce pour nourrir l'art, le marché devient une ressource, et non une limite, c'est là la clé. Si la limite réside dans nos compétences, alors il faut se former pour aller au-delà de ce que le marché exige, c'est là que tout se joue.
Merci pour ces réflexions captivantes ! C'est là un moment précieux.
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