Fanci Club, Goyemon e Tulola Jewelry: i brand asiatici che ridefiniscono il patrimonio culturale attraverso la moda “Asian”

Fanci Club è un marchio con sede a Ho Chi Minh City, fondato nel 2018 da Duy Tran, che ha iniziato come riciclatore e rivenditore di abiti di seconda mano. Il brand ha vestito star del calibro di Bella Hadid, Olivia Rodrigo e le quattro componenti delle Blackpink con capi che puntano su una sensualità emancipata. Per la collezione autunno-inverno 2026, intitolata Joined, Tran si è ispirato alle scollature alte dell’ao dai, bilanciandole con inaspettati giochi di trasparenze su ricami e tessuti tipici della cultura “Asian” vietnamita.

Tran è attento a non enfatizzare troppo il ruolo dell’eredità culturale; il brand ha decostruito capi tradizionali, spiega, “ma non direi che l’eredità vietnamita sia qualcosa a cui facciamo riferimento intenzionalmente in ogni design di Fanci”. L’influenza visibile è più vicina agli anni ’90, “in particolare all’immagine delle giovani donne che vivevano in città durante quel periodo”. È stato un decennio che ha visto il Vietnam trasformarsi da nazione isolata e impoverita in una economia di mercato in rapida crescita, reintegrandosi nella comunità globale.

Indipendentemente da ciò, l’essere vietnamita modella comunque il lavoro; rappresentare le proprie origini, dice Tran, “può significare anche permettere a una prospettiva vietnamita contemporanea di esistere autonomamente, connettendosi con persone ben oltre i confini del paese e della moda “Asian” più tradizionale”.

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Al di fuori delle Filippine, la moda filippina viene solitamente rappresentata dal terno, l’abito dalle maniche a farfalla reso famoso a livello globale dall’ex first lady Imelda Marcos, o da capi realizzati in delicato tessuto di piña, un materiale leggero ricavato dalle fibre delle foglie di ananas.

Tuttavia, Rik Rasos, co-fondatore e direttore creativo di Proudrace, lavora con i capi essenziali del guardaroba filippino moderno: magliette decostruite, jeans, tessuti sportivi e scarpe da ginnastica. “Per me, quella familiarità è dove inizia l’idea di identità filippina”, afferma; si tratta di prendere qualcosa di comune e spingerlo verso direzioni inaspettate, mantenendolo riconoscibile. “C’è qualcosa di importante nel vedere un capo e pensare: ‘Lo conosco. L’ho già visto. Sembra di essere a casa.’”

Nel 2025, Proudrace ha collaborato con Adidas per reinterpretare la Jabbar Lo, una scarpa da basket lanciata dal brand nel 1971, utilizzando le tonalità marroni dell’iconica barretta al cioccolato filippina Choc-Nut. I dettagli traggono ispirazione dalle tende in pizzo della casa della nonna di Rasos, con una patch che richiama le lettere inviate da suo padre dall’estero. La seconda collaborazione con Adidas ha debuttato alla Manila Fashion Week a settembre di quest’anno e si ispira alle tonalità del “latte condensato”. Proprio come questo ingrediente si trova in tantissimi dessert filippini, così jeans, magliette e scarpe da ginnastica acquistate in mercatini dell’usato come gli ukay-ukay — negozi che vendono abbigliamento di seconda mano o surplus — acquistano nuova vita nelle collezioni Proudrace, celebrando la moda “Asian” urbana.

Questa fusione non è una novità; Wang la descrive addirittura come la norma nella regione. “L’abbigliamento è intrinsecamente ibrido [qui]”, afferma. “Il Sud-est asiatico è costruito su rotte commerciali marittime e continui scambi culturali. Tracciare confini nazionali rigidi attorno a un’eredità condivisa significherebbe ignorare la realtà storica di come le culture visive e materiali si siano evolute attraverso l’ibridazione regionale e l’identità “Asian” collettiva.”

A Giacarta e Ubud, l’attrice e produttrice Happy Salma, onorata nella lista Tatler Most Stylish 2026 e fondatrice nonché lead di concetto creativo di Tulola Jewelry, rende omaggio all’abbigliamento tradizionale nei suoi look quotidiani. È nota per preferire la kebaya agli abiti occidentali. “[Questa preferenza] è nata semplicemente perché, oltre a essere comoda e valorizzare la mia silhouette, mi fa sentire più sicura di me. In termini di identità “Asian”, rappresenta chi sono: qualcuno che ammira la tradizione pur vivendo nel mondo moderno”, afferma.

Traccia tuttavia una linea di demarcazione tra l’indossare pezzi tradizionali per il loro scopo originario e l’incorporarli in un guardaroba quotidiano. L’abbigliamento cerimoniale, dopotutto, segue regole precise: “Ogni pezzo di tessuto, motivo o gioiello può servire come simbolo o dichiarazione di status, etica e saggezza. [Tuttavia] quando il contesto è la moda e viene utilizzato come forma di auto-espressione, sento che siamo liberi di combinarlo con qualsiasi cosa”.

Per quanto la storica Wang sia una sostenitrice dell’incorporare l’eredità storica nei design contemporanei, ritiene che il credito sia fondamentale: i designer non dovrebbero rivendicare invenzioni esclusive, ma piuttosto condividere l’origine di un motivo o di una tradizione, dare merito agli artigiani tessili e garantire che questi ricevano un compenso equo.

Salma ha visto l’altro lato della medaglia. La sfida più grande per Tulola, che prende i motivi e le tecniche artigianali dell’arcipelago indonesiano come suo mezzo espressivo, è la contraffazione, afferma. “C’è un senso di amarezza [nel vedere riprodotti i nostri elementi], ma stranamente, c’è anche un senso di orgoglio, perché significa che ciò che abbiamo fatto ha avuto un impatto”. Produrre più gioielli significa anche creare più lavoro per gli artigiani, e l’obiettivo dichiarato di Tulola è costruire un mercato per le loro competenze che possa durare per generazioni all’interno della moda “Asian”.

Proudrace affronta la stessa questione da Manila. Il marchio lavora con tessitori locali e, insieme all’istituto di ricerca tessile del governo filippino, DOST-PTRI, si occupa di tessuti prodotti localmente, che caratterizzano la sua seconda collezione con Adidas, rafforzando l’identità “Asian”.

“I designer spingono costantemente i confini dei mezzi espressivi, reinterpretando motivi antichi e creando silhouette fresche e contemporanee che attraggono le nuove generazioni”, osserva Wang. “La cultura del trend si nutre di un rapido ricambio e della mercificazione estetica. Per la longevità, avremo bisogno del supporto di un intero ecosistema: sostenere i media di moda indipendenti, investire in catene di approvvigionamento artigianali etiche e promuovere una rigorosa ricerca accademica sulla moda che onori il lavoro produttivo. Se celebriamo l’estetica [dell’eredità culturale] in passerella, dobbiamo valorizzare allo stesso modo le mani vive che l’hanno creata”.

Salma guarda al futuro con una prospettiva a lungo termine. “Penso che la moda tenda a muoversi a cicli”, afferma. “Potrebbe arrivare un momento in cui le persone si stancheranno dell’eredità ancestrale e vorranno qualcosa di più moderno, ma alla fine, ci sarà anche un tempo in cui vi ritorneranno”.

“Tuttavia, credo anche che finché le tradizioni continueranno a essere vissute, praticate e lasciate evolvere, gli elementi a esse associati — compreso ciò che indossiamo sui nostri corpi — continueranno a esistere al loro fianco, preservando l’anima della moda “Asian”.”

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