Fanci Club, Goyemon y Tulola Jewelry: las marcas asiáticas que abrazan su herencia cultural a través de la moda

Fanci Club es una marca con sede en Ciudad Ho Chi Minh fundada en 2018 por Duy Tran, quien comenzó como reciclador y vendedor de ropa de segunda mano. La firma ha vestido a celebridades como Bella Hadid, Olivia Rodrigo y a los cuatro miembros de Blackpink, con piezas que apuestan por una sensualidad empoderada. Para su colección otoño-invierno 2026, Joined, Tran se inclinó por cuellos altos inspirados en el ao dai, compensados por inesperados destellos de piel junto a bordados y textiles tradicionales vietnamitas.

Tran es cuidadoso de no exagerar el papel de la herencia; la marca ha deconstruido prendas tradicionales, dice, “pero no diría que la herencia vietnamita es algo que referenciemos intencionalmente en cada diseño de Fanci”. La influencia visible se acerca más a la década de 1990, “particularmente la imagen de las mujeres jóvenes que vivían en la ciudad durante ese período”. Fue una década en la que Vietnam experimentó una transformación importante, pasando de ser una nación aislada y empobrecida a una economía de mercado en rápido crecimiento que se reintegraba a la comunidad global.

Independientemente de ello, el hecho de ser vietnamita sigue dando forma al trabajo; representar el origen, dice Tran, “también puede significar permitir que una perspectiva vietnamita contemporánea exista por sí misma y, con suerte, conectar con personas más allá de las fronteras de Vietnam”.

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Fuera de Filipinas, la moda filipina suele representarse a través del terno, el vestido de mangas mariposa hecho mundialmente famoso por la ex primera dama Imelda Marcos, o por piezas que utilizan la delicada fibra de piña. Sin embargo, Rik Rasos, cofundador y director creativo de Proudrace, trabaja con los pilares fundamentales del armario filipino moderno: camisetas deconstruidas, vaqueros, tejidos deportivos y zapatillas. “Para mí, esa familiaridad es donde comienza la idea de la identidad filipina”, comenta, pues se trata de tomar algo cotidiano y llevarlo a un terreno inesperado sin dejar de hacerlo reconocible. “Hay algo importante en ver una pieza y pensar: ‘Conozco esto. Lo he visto antes. Esto se siente como en casa’”.

En 2025, Proudrace trabajó con Adidas para reimaginar las Jabbar Lo, una zapatilla de baloncesto lanzada en 1971, incorporando los tonos marrones de la icónica barrita de chocolate filipina Choc-Nut. Los detalles se inspiran en las cortinas de encaje de la casa de su abuela y en sellos de cartas que su padre enviaba desde el extranjero. Esta colaboración, que debutó en la Semana de la Moda de Manila, es un claro ejemplo de la creatividad en la moda asiática. Gran parte de la ropa comprada en los ukay-ukay (tiendas de ropa usada) o heredada de la familia cobra una nueva vida en Proudrace.

Esta mezcla no es nueva; Wang la describe como la norma en la región. “La vestimenta aquí es inherentemente híbrida”, afirma. “El sudeste asiático se construyó sobre rutas comerciales marítimas y un intercambio cultural fluido. Trazar fronteras nacionales rígidas alrededor de la herencia compartida sería ignorar la realidad histórica de cómo las culturas materiales y visuales evolucionaron a través del mestizaje regional”.

En Yakarta y Ubud, la actriz y productora Happy Salma, galardonada como una de las mujeres más elegantes por Tatler en 2026 y fundadora de Tulola Jewelry, rinde homenaje a la vestimenta tradicional en su estilo diario. Es conocida por preferir el kebaya sobre la ropa occidental. “Esta preferencia surgió simplemente porque, además de ser cómoda y favorecedora para mi cuerpo, me hace sentir más segura. En términos de identidad, representa quién soy como alguien que admira la tradición mientras vive en el mundo moderno”, explica.

No obstante, ella marca una distinción entre usar piezas tradicionales para su propósito ceremonial y su incorporación al guardarropa habitual. La vestimenta ceremonial tiene sus reglas: “Cada pieza de tela, motivo o joya puede servir como símbolo de estatus, ética y sabiduría. Pero cuando el contexto es la moda y se utiliza como una forma de expresión personal, siento que somos libres de combinarla con cualquier cosa”.

Aunque la historiadora Wang es partidaria de integrar la herencia y la historia en los diseños contemporáneos, enfatiza que el reconocimiento es fundamental: los diseñadores no deben reclamar una invención exclusiva, sino compartir el origen de los motivos o tradiciones, dar crédito a los artesanos y asegurar que reciban una compensación justa.

Salma ha visto la otra cara de esa moneda. El mayor desafío en Tulola, que toma los motivos y técnicas artesanales del archipiélago indonesio como su medio, es el plagio, admite. “Hay una sensación de tristeza cuando nuestros elementos se reproducen sin permiso, pero, curiosamente, también hay un sentimiento de orgullo, porque significa que nuestro trabajo ha tenido un impacto real en la moda asiática”.

Proudrace aborda la misma cuestión desde Manila. La marca trabaja con tejedores locales y, en conjunto con el instituto de investigación textil del gobierno filipino, DOST-PTRI, sobre tejidos producidos localmente que marcan su segunda colección con Adidas.

“Los diseñadores también están impulsando constantemente los medios, reinterpretando motivos antiguos y creando siluetas frescas y contemporáneas que atraen a una nueva generación”, comenta Wang. “La cultura de las tendencias se alimenta de la rápida rotación y la mercantilización estética. Para la longevidad, necesitaremos el respaldo de todo un ecosistema: apoyar a los medios de moda independientes, invertir en cadenas de suministro artesanales éticas y fomentar una investigación rigurosa que valore la mano de obra. Si celebramos la estética de la herencia en la pasarela, debemos valorar igualmente a las manos que la hacen posible”.

Salma adopta una visión a largo plazo. “Creo que la moda tiende a moverse en ciclos”, concluye. “Puede llegar un momento en que la gente se canse de la herencia ancestral y quiera algo más moderno, pero eventualmente, también llegará el tiempo en que regresen a ella. Sin embargo, también creo que mientras las tradiciones continúen siendo vividas, practicadas y permitidas evolucionar, los elementos asociados a ellas, incluyendo lo que vestimos, seguirán existiendo a su lado”.

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