พูดคุยกับ Takashi Murakami ถึงนิทรรศการล่าสุด การออกจากพื้นที่ปลอดภัย และเหตุผลที่คนญี่ปุ่นอาจเข้าไม่ถึงผลงานของเขา

ชื่อของเทศกาลนี้ชวนให้ระลึกถึงดินแดนแห่งจิตวิญญาณ Mononoke ซึ่งพูดถึงภูติผีในวรรณกรรมคลาสสิกและเรื่องเล่าของญี่ปุ่น ที่ว่ากันว่าสามารถสิงร่างของคนได้และอาจทำอันตรายคนๆ นั้น จนทำให้ถึงแก่ความตายได้ มุราคามิดึงเอาแรงบันดาลใจมาจากพื้นฐานที่เขามีในเรื่องประวัติศาสตร์ศิลปะญี่ปุ่น สมัยเรียนมหาวิทยาลัย เขาศึกษา Nihonga ซึ่งเป็นสไตล์การวาดภาพแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่มีการใช้สีจากธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่เพื่อบรรยายภาพภูมิทัศน์ในศตวรรษที่ 19 ในสมัยเมจิ เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปินวาดภาพหลายคนในสมัยเอโดะ (ศตวรรษที่ 17-19)

มุราคามิตีความ อ้างอิง และสร้างชิ้นงานต้นแบบจากสมัยเอโดะขึ้นใหม่ สำหรับผลงานหลายชิ้นที่จัดแสดงในนิทรรศการที่เกียวโตครั้งนี้ แต่แน่นอนว่าเขาสร้างงานโดยคงไว้ซึ่งสไตล์อันเป็นซิกเนเจอร์ของตนเอง

หนึ่งในผลงานเซ็นเตอร์พีซคือ ภาพจิตรกรรมฝาผนังสีแดงเข้มที่น่าหลงใหลและมีความยาว 18 เมตร ชื่อว่า Dragon in Clouds—Red Mutation: The version I painted myself in annoyance after Professor Nobuo Tsuji told me, “Why don’t you paint something yourself for once?” (2010) นี่คืองานของมุราคามิที่ได้แรงบันดาลใจจากภาพ Dragon and Clouds ของโซกะ โชฮากุ (Soga Shohaku) แห่งศตวรรษที่ 18 ซึ่งส่งผลต่อเขามาอย่างยาวนาน

จิตรกรรมฝาผนังอีกชิ้นหนึ่งที่มีความยาว 13 เมตรของเขาชื่อว่า Rakuchu-Rakugai-zu Byobu: Iwasa Matabei RIP เป็นผลงานเวอร์ชั่นของเขาที่มีต่อภาพ Rakuchu Rakugai Zu Byobu หรือ Scenes in and Around Kyoto (Funaki Version) ในสมัยเอโดะ ศตวรรษที่ 17 โดยศิลปินอิวาสะ มาตาเบอิ (Iwasa Matabei) ที่แสดงให้เห็นแง่มุมและกิจกรรมต่างๆ ที่เกิดขึ้นในเกียวโต ตั้งแต่ศาลเจ้าและวัด ไปจนถึงผู้คนที่กำลังเฉลิมฉลองเทศกาลต่างๆ

คาแร็กเตอร์ที่คุ้นตาของมุราคามิปรากฏให้เห็นในภาพวาดเหล่านี้ ซึ่งรวมถึงรูปปั้นที่เป็นที่รู้จักกันดีอย่าง Kaikai และ Kiki รวมถึง Mr. Dob การจัดแสดงนี้จะได้รับการอัปเดตอยู่เรื่อยๆ เนื่องจากการเก็บงานเป็นครั้งสุดท้ายสำหรับชิ้นงานใหม่ๆ ที่ทำขึ้นมาเพื่อนิทรรศการนี้โดยเฉพาะนั้น ยังไม่เสร็จสิ้น องค์ประกอบสุดท้ายคือการติดตั้งประติมากรรมสีทองสูง 10 เมตรที่ชื่อ Flower Parent and Child ที่จะตั้งอยู่บนหีบของ Louis Vuitton ซึ่งเห็นกันตั้งแต่ต้นเดือนมีนาคมที่สระในสวนญี่ปุ่นของพิพิธภัณฑ์แห่งนี้

มุราคามิมีชื่อเสียงจากการร่วมงานกับคนที่มีชื่อเสียงและแบรนด์ลักซ์ชูรีต่างๆ พอๆ กับการที่เขาก่อตั้ง Superflat ซึ่งเป็นทฤษฎีทางวัฒนธรรมและศิลปะที่เขาเสนอในปี 2000 มีลักษณะเป็นสองมิติที่เชื่อมความงามแบบดั้งเดิม กับวัฒนธรรมป็อปร่วมสมัยของญี่ปุ่น อาทิ มังงะและอนิเมะ ตลอดจนสัมผัสได้ถึงอารมณ์ ความรู้สึกเชิงวัฒนธรรมในขณะนั้น และบรรยากาศทางสังคมการเมือง ซึ่งถูกบอกกล่าวผ่านผลกระทบของสงครามโลกครั้งที่สอง ที่มีต่อสังคมร่วมสมัยของญี่ปุ่น

เขานำสไตล์เช่นนี้มาจากภาพพิมพ์และภาพวาดสมัยเอโดะ ซึ่งมีลักษณะที่คล้ายคลึงกัน เป็นการสรุปจากประวัติศาสตร์ศิลปะร่วมสมัยและแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นไว้ด้วยกัน จนเป็นซิกเนเจอร์ของเขา มุราคามิประสบความสำเร็จในช่วงทศวรรษ 1990 และต้นทศวรรษ 2000 ขณะที่ศิลปินได้รับการตอบรับจากโลกศิลปะร่วมสมัย และจากกลุ่มผู้ชื่นชมศิลปะระดับนานาชาติมากขึ้น ซึ่งนำไปสู่ความสำเร็จทั้งในแง่งานศิลปะและในเชิงพาณิชย์มากยิ่งขึ้น

บทสัมภาษณ์ของมุราคามิ เคยพูดถึงการถูกมองว่าเป็น “หนุ่มหน้าเงิน” ในญี่ปุ่น เพราะว่างานของเขาดูเป็นเชิงพาณิชย์ แม้จะได้ชื่อว่าเป็นคนสำคัญที่สนับสนุนวัฒนธรรม อันถือว่าเป็นชัยชนะที่หาได้ยากก็ตาม แต่นิทรรศการ Takashi Murakami Mononoke Kyoto เขากลับคาดหวังว่าจะมีผู้ชมงานจากต่างประเทศมากกว่าจากในญี่ปุ่น “ผู้ชมกว่า 50 เปอร์เซ็นต์ของผมมาจากต่างประเทศ” เขากล่าว “ผมคิดว่าคนญี่ปุ่นส่วนใหญ่ ไม่เข้าใจศิลปะร่วมสมัยจริงๆ พวกเขาแค่ดูชิ้นงานของผมและสงสัยว่าทำไมแพงจัง”

การขาดความเข้าใจเช่นนี้ คือสิ่งที่ผลักดันให้เขาหาหนทางในการอธิบายศิลปะของตนเอง ซึ่งเท่ากับยิ่งตอกย้ำสถานะทางวัฒนธรรมที่เขาได้รับ ในการเป็นตัวเชื่อมระหว่างโลกศิลปะแบบเฉพาะกลุ่มกับวัฒนธรรมประชานิยม “ผมแทบทนไม่ได้เลย” มุราคามิพูดถึงการขาดความเข้าใจในศิลปะร่วมสมัย “ผมเลยเปิดช่องยูทูบเพื่ออธิบายชิ้นงานแต่ละชิ้นด้วยคำพูดของผมเอง”

ความปรารถนาอย่างแรงกล้าที่จะเชื่อมโยง รวมทั้งความทะเยอทะยานและการทุ่มเทอย่างหนักต่อการทำโปรเจ็กต์ของเขา คือสิ่งที่ขับเคลื่อนงานของเขา หลายครั้งที่เขาต้องแลกกับบางอย่าง ที่อาจมิใช่ความสำเร็จทางการเงินเสมอไป ตั้งแต่ห้องสีทองสุดวิจิตรที่เขารังสรรค์ให้กับนิทรรศการ Murakami vs Murakami ในปี 2019 ที่อาคาร Tai Kwun ในฮ่องกงไปจนถึงภาพวาดที่แสนท้าทายด้วยขนาด 100 เมตรที่ชื่อว่า 500 Arhats (2012) ซึ่งติดตั้งในโดฮา สามารถบอกได้ว่ามุราคามิไม่ใช่คนที่ทำอะไรธรรมดา โปรเจ็กต์นี้ถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นของขวัญขอบคุณสำหรับประเทศกาตาร์ ซึ่งเป็นหนึ่งในประเทศแรกๆ ที่เสนอตัวช่วยเหลือประเทศญี่ปุ่นระหว่างภัยพิบัติสึนามิในปี 2011

“แกลเลอรี่ของผมบอกว่า ‘อย่าทำมันเลย-มันเสี่ยงเกินไป’” ศิลปินย้อนรำลึกความหลังและเสริมว่า นับเป็นความท้าทายครั้งใหญ่ ที่ต่อมาภายหลังงานชิ้นดังกล่าวได้ถูกจัดแสดงที่ Mori Art Museum ในโตเกียวเป็นนิทรรศการแสดงงานเดี่ยวของเขาในปี 2015 และกลายเป็นหนึ่งในผลงานที่คนรู้จักมากที่สุด

สตูดิโอของเขาทำงานอย่างมีระบบและราบรื่นมาก ด้วยพนักงาน 150 คน ซึ่งทำให้สามารถจัดแสดงงานที่มโหฬารเช่นนี้ได้ แถมยังเปิดทางให้เขามีเสรีภาพในการร่วมงานเชิงพาณิชย์ในสาขาอื่นๆ ที่อยู่นอกพื้นที่ปลอดภัยได้ ตั้งแต่แฟชั่นจนถึงดนตรี ความปรารถนาที่จะเรียนรู้และพัฒนาหนทางใหม่ๆ ในการสร้างสรรค์สินค้าคุณภาพสูงและทิ้งมรดกไว้ คือแรงผลักดันสำหรับศิลปินในการทำงานร่วมกับแบรนด์ต่างๆ มุราคามิจำการไปเยี่ยมเยือนโรงงาน Louis Vuitton ครั้งแรกของเขาได้ ซึ่งเขาเก็บเกี่ยวความชื่นชมที่มีต่อแบรนด์และได้เรียนรู้ว่าลายโมโนแกรมนั้น แท้จริงได้แรงบันดาลใจมาจากสัญลักษณ์ของญี่ปุ่น ที่ถูกนำไปยังปารีสสำหรับงานแสดงสินค้านานาชาติในศตวรรษที่ 19

“ผมนับถือแบรนด์ลักซ์ชูรีอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งแบรนด์ภายใต้ LVMH พวกเขามีสินค้าที่ยอดเยี่ยมมาก สื่อสารได้ยอดเยี่ยม พวกเขาจัดงานอีเวนต์ที่สุดยอด และร้านของเขาก็เยี่ยมยอดไม่แพ้กัน ทุกสิ่งอย่างสมบูรณ์แบบจริงๆ” ศิลปินคนดังกล่าว “พวกเขาคาดเดาล่วงหน้าและหาทางตอบสนองต่อความต้องการได้ นั่นคือสิ่งที่ทำให้พวกเขาเอาตัวรอดมาได้”

ความคล้ายคลึงกันในการใส่ใจรายละเอียด และความปรารถนาที่จะแบ่งปันระหว่างกันด้วยกรรมวิธีในการสร้างงานที่ใหม่และมีชั้นเชิงเป็นสิ่งดึงดูดเขาอย่างมาก เมื่อพูดถึงการร่วมมือกับนาฬิกาหรูแบรนด์ดังอย่าง Hublot เขาเล่าให้ฟังว่า เป็นเรื่องที่เปี่ยมด้วยแรงบันดาลใจมากจากการได้เห็นการเจียระไนไพลินแบบดิจิทัลเป็นครั้งแรก ก่อนจะเจียระไนต่อด้วยมือ “องค์ประกอบของการค้นพบอย่างสร้างสรรค์นั่นเอง ที่ทำให้การร่วมมือกันเปี่ยมด้วยความหมาย” เขากล่าว

ความทะยานอยากของเขาเป็นสิ่งที่สามารถรับรู้และสัมผัสได้ จากความนิยมของ แฟนคลับและคนดังที่ร่วมงานกับเขาอย่างฟาร์เรลล์ วิลเลียมส์ (Pharrell Williams) และเดรก (Drake) รวมทั้งผู้ติดตามทางอินสตาแกรมอีก 2.5 ล้านคน ซึ่งถือเป็นตัวเลขจำนวนมากสำหรับศิลปินสาขาทัศนศิลป์ เดือนธันวาคมปีที่แล้ว เขาทำงานร่วมกับวงเค-ป็อปอย่าง Blackpink ด้วยการสร้างสรรค์สินค้าของวงที่หลากหลายและของสะสม นอกจากนั้นยังมีโปรเจ็กต์การสร้างคาแร็กเตอร์ตัวใหม่ที่ชื่อ Pandakashi ส่วนงาน Takashi Murakami Mononoke Kyoto เขาก็ทำงานกับนักดนตรีฮิปฮอปชาวญี่ปุ่นชื่อเจพี เดอะ เววี (JP The Wavy) เพื่อออกแบบเพลงที่ใช้เป็นธีมหลักสำหรับนิทรรศการนี้

การร่วมกันทำงานเช่นนี้เปิดโอกาสให้ศิลปะแบบทัศนศิลป์ เป็นที่รับรู้ในวัฒนธรรมกระแสหลักมากขึ้น โดยสามารถทำให้คนเข้าถึงได้ ซึ่งถือเป็นความสำเร็จที่ต้องยกเครดิตให้กับมุราคามิ หนึ่งในเหตุผลก็คือ เขาพิจารณาถึงกลุ่มผู้ชมงานของเขาและตั้งใจรังสรรค์งานให้เป็นการเฉพาะ เช่น เขาคิดถึงดาราเค-ป็อปและกลุ่มผู้ชมชาวเกาหลีตอนที่เขาทำนิทรรศการ Murakami Zombie ในปี 2023 ที่ Busan Museum of Art

“ผมชื่นชมและนับถือศิลปินอย่างจี-ดราก้อน (G-Dragon) ซึ่งสะสมงานของเขา สำหรับผลลัพธ์ที่เขามีต่อวัฒนธรรมและความนิยมระดับโลก” เขากล่าวและอ้างถึงความเหมือนระหว่างวัฒนธรรมของเกาหลีกับของญี่ปุ่นว่าเป็นเหตุผลที่ทำให้โปรเจ็กต์ต่างๆ ที่เขาจับมือกับคนอื่นประสบความสำเร็จ “สำหรับงานแสดงที่ปูซาน ผมพยายามดึงดูดกลุ่มผู้ชมชาวเกาหลีโดยเล่นกับเรื่องซอมบี้เป็นหลัก ซึ่งเป็นสิ่งที่คุณเห็นได้ทั่วไปในรายการทีวีและภาพยนตร์เกาหลี”

ในการเชื่อมโยงกับกลุ่มผู้ชมกระแสหลัก ศิลปินรายนี้ใช้ความคิดสร้างสรรค์ของเขาในการแสดงออกด้วยรูปแบบที่แตกต่างออกไป อาทิ อนิเมะ ซึ่งเป็นสื่อที่มีความพิเศษในใจของเขา ในแง่ของแรงบันดาลใจและการบริโภคสื่อเชิงวัฒนธรรมกับความงามที่แตกต่างหลากหลาย

“ผมดูอนิเมะมาตั้งแต่เป็นเด็ก และมันเป็นสิ่งที่ทำให้ผมได้หลีกหนีความเป็นจริงได้ ตอนนี้ผมอายุเยอะขึ้นและนึกอยากหลีกหนีความเป็นจริงอีกครั้ง” เขาอธิบาย ตอนนี้เขากำลังทำโปรเจ็กต์ Jellyfish Eyes Part 2 ซึ่งเป็นภาพยนตร์ CGI แบบใช้คนแสดงที่มุ่งเจาะกลุ่มผู้ชมอายุน้อยลง การทำภาพยนตร์เรื่องนี้สะท้อนให้เห็นว่า เขาตระหนักถึงความตายและธรรมชาติของชีวิตที่ไม่อาจนิรันดร์ได้อีกครั้ง ซึ่งการรู้ตัวเช่นนี้เป็นที่มาของการสร้างสรรค์งาน

“ผมหวังว่าจะจบงานนี้ได้ภายในปีหน้าหรือประมาณนั้น ผมอยากจะทำงานนี้ให้เสร็จก่อนตาย ซึ่งผมคงจะตายในอีกไม่นานนี้หรอก” ศิลปินที่อยู่ในวัย 60 กว่าๆ และทำงานศิลปะมานานกว่า 3 ทศวรรษกล่าว

“ผมทำงานศิลปะเพื่อต่อสู้แข่งขันกับความเป็นจริง” มุราคามิอธิบาย ในขณะที่เขาไม่ได้มีทักษะพร้อมสำหรับการเป็นศิลปินด้านมังงะหรืออนิเมะ เขากล่าวว่า “แน่นอนว่าผมพึงพอใจกับความสำเร็จที่นี่ แต่เป้าหมายของผมคือการสร้างโลกใบที่เด็กๆ สามารถหลีกหนีจากโลกแห่งความเป็นจริงของพวกเขาและพูดได้ว่า ‘โอ หนูอยากจะเข้าไปอยู่ในโลกแบบนี้จังเลย’ ”

มุราคามิได้สร้างสรรค์โลกอันแสนวิเศษของคาแร็กเตอร์สีสันสดใสกับภูมิทัศน์ที่เปี่ยมด้วยชีวิตชีวา เข้าไปในโลกใบนี้ด้วยความอยากรู้อยากเห็นแบบเด็กน้อย ถ้าได้ชมงาน ของเขา คุณอาจจะค้นพบความล้ำลึกใหม่ๆ เบื้องหลังชิ้นงานอันเป็นเทรดมาร์คของเขาก็ได้

This story was originally written in English by Aaina Bhargava.

ต้นฉบับเขียนเมื่อวันที่ 1 มีนาคม 2024 โดย Aaina Bhargava โปรดคลิกที่นี่เพื่อดูเวอร์ชันภาษาอังกฤษ

อ่านเพิ่มเติม:

When art drives the local economy: นี่คือสิ่งที่ช่วยให้เกิดการเจริญเติบโต...

ปักหมุดอีเวนต์และงานศิลปะน่าสนใจ ตลอดเดือนมีนาคม 

Artist in Residence เมื่อเหล่าศิลปินมาร่วมกันสร้างสรรค์งานศิลป์ที่มีความหมาย