Rachel LeRoux fait ses débuts avec une exposition curatée par Ayni Nuyda, reflétant ce qui est tu silencieusement

Pour LeRoux, qui a passé des années à naviguer dans l'indépendance et le courage de Londres, cette collaboration a apporté un sentiment d'appartenance bienvenu. “J'ai été attirée par ses valeurs… Elle a ce genre de présence où, quand elle parle, on écoute”, dit-elle à propos de Nuyda.

Nuyda cadre l'exposition à travers un concept qu'elle appelle “écologie d'atelier”. C'est l'idée que dans la pratique d'un artiste, rien n'est vraiment jeté. Cela est particulièrement visible dans le dialogue entre les œuvres figuratives de LeRoux et ses œuvres abstraites. Ces dernières commencent souvent par des vestiges physiques des premières — de la peinture grattée de la palette après une journée passée à rendre la forme féminine. “Je ne pense pas faire table rase, mais plutôt donner une nouvelle vie à quelque chose qui pourrait autrement être jeté”, explique LeRoux en désignant une pièce abstraite vibrante d'énergie cinétique. “La peinture que je gratte de ma palette porte une certaine énergie que je ne peux expliquer… Les restes me donnent un point de départ.”

Pour Nuyda, cela garantit que la relation entre les genres n'est pas linéaire mais cyclique. “Le sens change, les matériaux changent et l'intention évolue, mais rien n'est perdu”, observe-t-elle.

À mesure que nous avançons dans l'exposition, le passage des “Echoes” aux “Conversations” devient palpable. Les “Echoes” représentent les fondations de la pratique de LeRoux — des compositions expressives façonnées par des questions d'identité et de projection.

“Les figures que je peignais étaient ma façon de partager ce que je traversais sans utiliser de mots”, admet LeRoux en regardant ses toiles précédentes. “J'ai peint mon histoire dans des corps et des visages qui ne m'appartenaient pas, mais l'émotion était entièrement la mienne.”

Cependant, les œuvres plus récentes — les “Conversations” — révèlent une femme qui a cessé de se chercher au loin pour commencer à se trouver dans les détails. L'attention se resserre sur la courbe d'une épaule, le poids de la peau, la douceur d'un torse.

“Avec les “Conversations”, quelque chose a changé”, déclare LeRoux. “Je n'ai plus ressenti le besoin de prendre du recul. Je me suis rapprochée.” Elle décrit cette transition comme le passage d'un objectif grand angle de “qui suis-je ?” à un objectif macro de “qu'est-ce que cela fait ressentir ?”. “Cette proximité… m'a permis de me sentir plus présente et, à bien des égards, plus honnête”, ajoute-t-elle.

Le parcours de LeRoux en architecture d'intérieur — elle a été formée au Chelsea College of Art and Design à Londres et a passé plus d'une décennie dans l'industrie — est l'échafaudage invisible qui maintient ces œuvres fluides ensemble. Pourtant, là où l'architecture repose sur des poutres et des colonnes, LeRoux s'appuie sur le “poids d'un souffle”.

“Quand je parle du “poids d'un souffle”, je parle vraiment d'une pause”, explique LeRoux. “Donc oui, dans ce sens, cela devient cet élément structurel invisible, quelque chose qui maintient l'œuvre (et moi-même) ensemble de manière silencieuse.”

Cette appréciation de l'espace négatif — l'entre-deux — est un langage partagé entre l'artiste et la curatrice. Nuyda admet que curater 41 œuvres dans un lieu aussi spécifique nécessitait d'utiliser cet espace négatif comme un outil curatorial actif. “Pour moi, curater le silence est une question de rythme et d'équilibre”, dit Nuyda. “Il s'agit de savoir quand regrouper les œuvres en conversation et quand les isoler pour que le spectateur puisse ralentir.”

Dans les peintures de LeRoux, cette absence n'est pas un vide ; c'est une atmosphère. “Il s'agit simplement de reconnaître ce moment où rien ne se passe, mais où tant de choses sont ressenties”, songe LeRoux. “Il ne s'agit pas de ce qui manque, mais plutôt de ce qui est tu silencieusement.”

Peut-être la révélation la plus poignante est l'aveu de LeRoux que son processus artistique est un processus de soustraction. Après des années dans le monde corporatif de Londres, où elle a appris à “se présenter, travailler dur et porter son propre poids”, la peinture est devenue un moyen de désapprendre le besoin d'armure.

“La vulnérabilité dans mon travail vient d'une sorte d'édition”, réfléchit-elle. “Avec le temps, j'ai appris à dépouiller ce qui semble protecteur ou inutile.”

Ce dépouillement permet un dialogue brut et sans filtre entre le spectateur et le sujet. Les femmes sur la toile — bien que non autobiographiques — servent de vaisseaux pour un registre émotionnel partagé. “Le but n'a jamais été de présenter un journal intime, mais un registre émotionnel partagé”, clarifie Nuyda. “Je me suis concentrée sur le geste, la posture et l'atmosphère, afin que le spectateur rencontre non seulement Rachel elle-même, mais “elle, qui qu'elle soit”.”

La distinction entre les “Echoes” du passé et les “Conversations” du présent s'estompe. Nuyda n'a pas forcé une séparation stricte ; au contraire, elle a permis aux œuvres de déteindre doucement les unes sur les autres, créant un “rythme de rencontre plutôt que de confrontation”.

C'est une métaphore appropriée pour le propre parcours de LeRoux — une réconciliation de ses doubles racines au Royaume-Uni et aux Philippines, ses doubles carrières en architecture et beaux-arts, et les doubles instincts de contrôle et de relâchement.

“Je ne voulais pas présenter l'un comme dépendant de l'autre”, conclut Nuyda, en faisant référence à la section où l'abstraction et la figuration se côtoient. “Ensemble, ils révèlent comment son esprit fonctionne : fluide, stratifié et indifférent aux divisions artificielles.”

Echoes and Conversations n'est pas simplement une exposition de peintures ; c'est un témoignage du pouvoir de l'“entre-deux”. C'est dans cet espace suspendu — entre le fragment de peinture et la toile finie, entre l'inspiration et l'expiration — que LeRoux est finalement, et pleinement, arrivée.

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