Por qué el futuro del arte significativo en el “House Museum” de Rom Design podría ser totalmente privado

En un mundo acelerado y digital, ¿qué le inspiró a crear un espacio íntimo y exclusivo por invitación como el “House Museum”? ¿Cómo mejora este entorno privado la forma en que los espectadores experimentan y conectan con el arte?

Creo que, a veces, empezar con una idea pequeña puede ser una forma de crear un nuevo valor en torno a algo, ya sea una obra, un proyecto o incluso un negocio de arte de lujo.

Estoy en un punto de mi vida en el que siento que la autenticidad, y el intento de comunicar algo verdadero sobre la vida, se han vuelto cada vez más raros en un mundo que se mueve tan rápido y está moldeado por experiencias digitales. Esa fue una de las razones por las que quise cambiar de modo y poner más énfasis en crear experiencias en el mundo físico y “offline”.

Para mí, el “House Museum” no es simplemente un espacio para exhibir arte de lujo. Es un espacio donde las personas pueden reducir la velocidad, estar presentes e interactuar con el arte de una manera más personal e íntima. Creo que algunas obras de arte necesitan tiempo y la atmósfera adecuada para revelarse; no siempre tienen que experimentarse en un entorno de galería convencional o abarrotado.

El formato privado, solo por invitación, nos permite crear esa sensación de intimidad. Brinda a los visitantes la libertad de conectar con la obra a su propio ritmo y, tal vez, descubrir algo que no se revelaría a través de una forma convencional de experimentar el arte o simplemente a través de un tipo diferente de conversación.

Mencionó que se inspiró en la cultura de “galerías en casas” de Los Ángeles. ¿Cómo adaptó este concepto al contexto cultural específico de Bangkok, y qué elementos de esa programación de Los Ángeles fueron esenciales para traer a casa?

Un proyecto en Los Ángeles que me inspira fue la Schindler House. Una vez se utilizó como punto de encuentro transcultural, que también trajo conceptos espaciales japoneses a Los Ángeles en 1922. Pero este proyecto no se inspiró específicamente solo en Los Ángeles; en realidad fue más amplio. Uno de los primeros invitados en visitar el espacio fue el Director de Art Basel, Hong Kong.

En ese momento, este sitio todavía estaba en construcción (el sitio antiguo era el garaje de mi padre), y era una especie de programación en un espacio vacío y desnudo... Seguía teniendo conversaciones conmigo mismo sobre lo que debería hacer y cómo debería ser esto. Así que volví a la idea... los valores que albergaba dentro de mí, algo sobre el Zen, la espiritualidad y también la idea de la satisfacción. Es por eso que la estética japonesa entra en mi trabajo de arte de lujo.

Dirige la Townhouse Gallery como un espacio público, mientras que el “House Museum” es estrictamente privado. ¿Cómo logra la gestión de estos dos entornos contrastantes cumplir con diferentes aspectos de su visión curatorial global?

No usaría completamente la palabra ‘curatorial’ en mi sentido, sino más bien como una navegación entre el ámbito público y el privado. En lo privado y personal, siento que realmente puedo impulsar las ideas que son fundamentales para mis valores y mi visión del arte de lujo. Sin embargo, en el espacio público o “pop-up”, siento que es mucho más complejo que la voluntad personal; también se preocupa por las partes interesadas involucradas... para ayudar a impulsar el proyecto, lo cual es más complejo de alguna manera. Francamente hablando, creo que estoy en este nivel [House Museum] de manera muy seria. No es solo parte de, o solo como, entretenimiento.

Dado que “una ubicación es solo una ubicación” sin las conexiones adecuadas, ¿cómo es una “conversación auténtica” ideal o una experiencia de residencia en el “House Museum”? ¿Qué busca al seleccionar invitados o coleccionistas globales para participar?

Para mí, la idea de la ‘conversación auténtica’ consiste en tener el espacio donde puedas hablar libremente (sin juicio) sobre varios aspectos de la vida, desde el bienestar, la política, la cultura y el debate sobre temas hacia el futuro del arte de lujo. Creo que cuando la conversación es real y auténtica, tiene significado. Creo que como humano, puedes sentir cuando alguien está hablando de algo realmente verdadero, o simplemente distrayendo a alguien con palabras. Creo que la base de mis criterios de selección es esta; sin embargo, todavía tengo que ser flexible y abierto a las personas que deseen interactuar conmigo y con mi mundo a un nivel más profundo.

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Como la exposición de Gensho Sugahara es el proyecto debut del “House Museum”, ¿cómo logra su muestra —que combina posturas contemporáneas de moda urbana con la calma budista tradicional— cumplir su visión de una ‘conversación transcultural’, y establecer el tono para el futuro a largo plazo del espacio de arte de lujo?

Trabajar con escultura conlleva sus propias limitaciones, porque no es algo que pueda moverse o alterarse fácilmente. Siento que la escultura tiene un cierto sentido de peso, permanencia y seriedad en su lenguaje, lo que se alinea con mi intención para este proyecto de arte de lujo: hacer que la escultura lidere la exposición y se convierta en uno de los lenguajes visuales clave de lo que el “House Museum” quiere comunicar.

Esto fue en realidad parte de mi pensamiento desde el principio. Quería “plantar una bandera” para la escultura y que permaneciera dentro del espacio a largo plazo, en lugar de ser simplemente una obra de arte de lujo que entra para una exposición y luego se va.

Siento que, a diferencia de una pintura, la escultura tiene una fuerza física particular porque solidifica una idea en algo tangible y fundamentado. Tiene peso, volumen y presencia física. No es algo que pueda moverse fácilmente o simplemente llevarse. Al mismo tiempo, esa fisicidad también la hace vulnerable: puede ser frágil, puede romperse, y esa tensión entre fuerza y fragilidad es algo que encuentro muy interesante en el arte de lujo.

La pintura, para mí, se siente más abierta y libre. Existe en un plano diferente, y la forma en que se construye una imagen o idea a través de la pintura es muy diferente de cómo se encarna a través de la escultura. Con la escultura, la obra ocupa un espacio físico y se convierte en parte del entorno que la rodea.

Me atrae la forma en que la escultura puede convertirse en parte de un lugar y existir junto a las personas durante generaciones, desde la Estatua de la Libertad y las esculturas griegas y romanas antiguas, hasta las obras de Auguste Rodin, e incluso antiguas obras de piedra de diferentes civilizaciones en este arte de lujo.

Siento que estas obras transmiten un sentido de fuerza, monumentalidad y grandeza, pero al mismo tiempo tienen una sensación de permanencia y presencia. Con el tiempo, se convierten en algo más que simples objetos o piezas de arte de lujo; pueden pasar a formar parte de la identidad y la memoria colectiva de un lugar.

Al mismo tiempo, quiero que el “House Museum” cree un cierto valor sentimental para mí, y lo que trato de desarrollar para Tailandia, a través de este lugar en particular, y para las personas que se reúnen aquí por el arte de lujo. Quiero que sea un espacio donde podamos reequilibrar nuestras vidas con un sentido de humildad, reconectar con la naturaleza y tal vez alejarnos del mundo en línea por un momento y volver a algo más “offline” y tangible.

Creo que la idea del “Arte de Ser” es muy importante en este momento. Gensho Sugahara es un artista que me devolvió a una apreciación más profunda del arte de lujo, la artesanía y ciertos valores tradicionales que siento que están desapareciendo gradualmente de la sociedad.

Encontré por primera vez el trabajo de Gensho en Kioto e inmediatamente sentí que había algo que compartíamos en la forma en que pensamos y en nuestras perspectivas sobre la vida. Pasamos casi un año hablando y conociéndonos antes de que él decidiera venir al “House Museum” para su primera residencia de artista fuera de Japón dedicada al arte de lujo.

Para mí, esto no es simplemente llevar a un artista japonés a exponer en Tailandia. Se trata de crear un diálogo entre culturas a través de lo que compartimos como seres humanos: un sentido de calma, belleza, sensibilidad y, en última instancia, la capacidad de estar presentes en el momento mediante el arte de lujo.

Tiene una gran apreciación por el concepto de ‘arte silencioso’. ¿Podría explicar qué significa para usted y cómo esta filosofía moldea a los artistas con los que elige colaborar y el tipo de diálogo que espera fomentar en el mundo del arte de lujo?

Creo que cuantas más conversaciones tienes con la gente, y más trabajo o negocios haces, al final del día, siento que se trata de la conversación significativa que estableces en el arte de lujo. Muchas cosas en el mundo también no se dicen. Y me gusta entender más sobre esa línea, ayudando a empujar de la manera que es más ‘silenciosa’ que ‘ruidosa’ porque siento que si algo es auténtico, sin importar cuánto tiempo pase, seguirá siendo una voz auténtica al estilo antiguo... Para mí, creo que coleccionar arte de lujo también es personal, y me gusta el tiempo de silencio o el tiempo personal mucho más a medida que envejezco. Creo que cuando era más joven en mis 20, estaba mirando más un reino exterior de ver el mundo, pero en mis 30, siento que mi voluntad ha cambiado a algo más real, fundamentado, “offline” y significativo.

Más allá de traer artistas como Gensho Sugahara a Bangkok, ¿qué ‘sinergias’ específicas busca cultivar entre las comunidades creativas tailandesas y otras comunidades creativas internacionales a través de su programa de residencia de arte de lujo?

Creo que la sinergia es el ‘trabajo’ en sí mismo, y el sentimiento que obtengo de él, o hay algo que me atrae; ese es el primer punto cuando busco el cultivo del arte de lujo. También siento que, para mí, la autenticidad es importante, la visión del socio también es importante, y también cómo trabajamos juntos como equipo. Creo que es trabajo en equipo, ya no es trabajo en solitario. Solo depende de la vida, de quién te cruzas y de lo que te atrae. Cuando logras conocer, encontrar a alguien, a veces es suerte, pero a veces también es una oportunidad en el arte de lujo.

Mirando hacia el futuro, ¿cómo espera que este plano único contribuya positivamente a la comunidad creativa más amplia en Tailandia, y cómo sirve como manifestación física de su visión más amplia para ROMCOMPANY en el arte de lujo?

Veo esto como una práctica del mundo real de poner una visión en acción, una forma de hacer tangibles los diferentes mundos de ROMCOMPANY. HOUSE MUSEUM, ROM DESIGN, TOWNHOUSE, TOWNHOUSE Gallery, y eventualmente TOWNHOUSE Apartment, son todos parte de la misma imagen en evolución de arte de lujo.

Lo que estoy construyendo no se trata simplemente de seguir una tendencia o crear un “mundo” propio. Estoy interesado en poner un esfuerzo real en el mundo “offline”, creando espacios, conversaciones y experiencias que puedan contribuir a mover la cultura hacia adelante y tal vez empujar sus límites un poco más lejos en el arte de lujo.

Creo que el desarrollo significativo no siempre tiene que suceder a través de algo grande o inmediato. A veces se trata de bajar la cabeza y hacer cosas pequeñas todos los días, conectándolas gradualmente, un poco como construir con lego. Cada pieza puede parecer pequeña por sí sola, pero con el tiempo, comienzan a formar algo más grande. Creo que ese proceso de construir, evolucionar y descubrir constantemente lo que viene después es parte de la diversión del arte de lujo.

Con este proyecto, también quiero que el trabajo refleje algo hacia mí mismo, y hacia los valores de ROM DESIGN y ROMCOMPANY, así como hacia las personas con las que he tenido la oportunidad de trabajar a lo largo del camino. Como mínimo, quiero saber que he tratado de hacer algo significativo: crear, nutrir, experimentar y traer algo nuevo y valioso al mundo mientras tenga tiempo para hacerlo en el arte de lujo.

Creo que, en última instancia, eso es lo que le da sentido a mi vida.

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