Warum die Zukunft bedeutender Kunst im “House Museum” von Rom Design ganz privat sein könnte

Was hat Sie in einer schnelllebigen, digital getriebenen Welt dazu inspiriert, einen intimen, exklusiven Ort wie das House Museum zu schaffen? Wie verbessert dieses private Umfeld die Art und Weise, wie Betrachter Kunst erleben und eine Verbindung dazu aufbauen?

Ich glaube, dass es ein Weg sein kann, neue Werte um etwas zu schaffen, wenn man mit einer kleinen Idee beginnt – sei es ein Werk, ein Projekt oder sogar ein Unternehmen.

Ich befinde mich an einem Punkt in meinem Leben, an dem ich das Gefühl habe, dass Authentizität und der Versuch, etwas Wahres über das Leben zu kommunizieren, in einer Welt, die sich so schnell bewegt und zunehmend von digitalen Erfahrungen geprägt ist, immer seltener werden. Das war einer der Gründe, warum ich den Modus wechseln und mich stärker darauf konzentrieren wollte, Erfahrungen in der physischen, “Offline”-Welt der Kunst zu schaffen.

Für mich ist das House Museum nicht einfach ein Ausstellungsort für Kunst. Es ist ein Raum, in dem Menschen entschleunigen, präsent sein und auf persönlichere und intimere Weise mit Kunst interagieren können. Ich glaube, dass manche Kunstwerke Zeit und die richtige Atmosphäre brauchen, um sich zu offenbaren; sie müssen nicht immer in einer überfüllten oder konventionellen Galerie erlebt werden.

Das private Format erlaubt uns, dieses Gefühl der Intimität zu erzeugen. Es gibt den Besuchern die Freiheit, sich in ihrem eigenen Tempo mit der Kunst zu verbinden und vielleicht etwas zu entdecken, das sich durch eine konventionellere Art der Kunsterfahrung nicht offenbaren würde.

Sie erwähnten, dass Sie sich von der “House Gallery”-Kultur in LA inspirieren ließen. Wie haben Sie dieses Konzept an den spezifischen kulturellen Kontext von Bangkok angepasst und welche Elemente waren unerlässlich, um sie nach Hause zu bringen?

Ein Projekt in LA, das mich inspiriert, war das Schindler House. Es diente einst als kulturübergreifender Treffpunkt, der 1922 japanische Raumkonzepte in LA einführte. Aber dieses Projekt war nicht nur von LA inspiriert; es war eigentlich umfassender. Einer der ersten Gäste, der den Raum besuchte, war der Direktor der Art Basel, Hongkong.

Zu diesem Zeitpunkt befand sich der Standort noch im Bau (das alte Gelände war die Garage meines Vaters), und es war eine Art leeres Programmierungsgerüst... Ich führte ständig Gespräche mit mir selbst darüber, was ich tun sollte und wie es sein sollte. Also kehrte ich zu der Idee zurück... zu den Werten, die ich in mir trug, etwas über Zen, Spiritualität und auch die Idee der Zufriedenheit. Deshalb fließt japanische Ästhetik in meine Arbeit mit Kunst ein.

Sie leiten die Townhouse Gallery als öffentlichen Raum, während das House Museum streng privat ist. Wie erfüllt die Verwaltung dieser beiden gegensätzlichen Umgebungen unterschiedliche Aspekte Ihrer übergeordneten kuratorischen Vision für Kunst?

Ich würde in meinem Sinne nicht vollständig das Wort “kuratorisch” verwenden, sondern eher eine Navigation zwischen dem öffentlichen und privaten Bereich. Im Privaten habe ich das Gefühl, dass ich die Ideen, die grundlegend für meine Werte sind, wirklich vorantreiben kann. Im öffentlichen oder Pop-up-Raum hingegen fühlt es sich viel komplexer an als der persönliche Wille; es geht auch um die beteiligten Stakeholder... um das Projekt voranzubringen, was auf eine Weise komplexer ist. Ehrlich gesagt, ich denke, ich verfolge diesen Weg [im House Museum] auf einer sehr ernsthaften Ebene der Kunst.

Da “ein Standort nur ein Standort ist” ohne die richtigen Verbindungen: Wie sieht ein ideales “authentisches Gespräch” oder eine Kunsterfahrung im House Museum aus? Wonach suchen Sie bei der Auswahl von Gästen oder globalen Kunstsammlern?

Für mich bedeutet “authentisches Gespräch”, den Raum zu haben, in dem man frei (ohne Urteil) über verschiedene Aspekte des Lebens sprechen kann, von Wohlbefinden, Politik, Kultur bis hin zur Debatte über zukunftsweisende Themen der Kunst. Ich denke, wenn das Gespräch echt ist, hat es Bedeutung. Ich denke, als Mensch spürt man, wenn jemand etwas Wahres ausspricht. Meine Auswahlkriterien für Kunst und Gäste basieren darauf; dennoch muss ich flexibel und offen für Menschen bleiben, die sich mit mir und meiner Welt der Kunst auf einer tieferen Ebene auseinandersetzen möchten.

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Da die Ausstellung von Gensho Sugahara das Debütprojekt für das House Museum ist: Wie erfüllt seine Präsentation – die zeitgenössische Street-Fashion-Posen mit traditioneller buddhistischer Ruhe verbindet – Ihre Vision eines “kulturübergreifenden Kunst-Dialogs”?

Die Arbeit mit Skulptur hat ihre eigenen Einschränkungen, da sie nicht leicht verschoben oder verändert werden kann. Ich habe das Gefühl, dass Skulptur einen gewissen Sinn für Gewicht, Beständigkeit und Ernsthaftigkeit in ihrer Sprache hat, was mit meiner Absicht für dieses Kunst-Projekt übereinstimmt: Skulptur die Ausstellung leiten zu lassen und zu einer der wichtigsten visuellen Sprachen dessen zu machen, was das House Museum kommunizieren möchte.

Ich wollte eine “Flagge für die Kunst” pflanzen und dafür sorgen, dass sie langfristig im Raum bleibt, anstatt nur ein Kunstwerk zu sein, das für eine Ausstellung kommt und wieder geht.

Anders als ein Gemälde hat Skulptur eine physische Stärke, weil sie eine Idee in etwas Greifbares und Geerdetes verwandelt. Sie hat Gewicht, Volumen und eine physische Präsenz in der Welt der Kunst. Gleichzeitig macht diese Körperlichkeit sie auch verletzlich – sie kann zerbrechlich sein, sie kann brechen, und diese Spannung zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit finde ich bei Skulptur sehr interessant.

Ich fühle mich von der Art und Weise angezogen, wie Skulptur Teil eines Ortes werden und über Generationen hinweg neben Menschen existieren kann – von der Freiheitsstatue bis hin zu alten griechischen und römischen Skulpturen der Kunstgeschichte.

Diese Werke tragen ein Gefühl von Stärke, Monumentalität und Größe. Im Laufe der Zeit werden sie zu mehr als nur Objekten; sie können Teil der Identität und des kollektiven Gedächtnisses eines Ortes werden.

Ich möchte, dass das House Museum einen gewissen sentimentalen Wert für mich entwickelt und für Thailand, durch diesen besonderen Ort der Kunst. Ich möchte, dass es ein Raum ist, in dem wir unser Leben mit einem Sinn für Demut neu ausbalancieren, uns wieder mit der Natur verbinden und vielleicht einen Moment von der Online-Welt wegtreten und zu etwas Greifbarem zurückkehren können.

Ich habe Genshos Arbeit in Kyoto kennengelernt und sofort gefühlt, dass wir eine gemeinsame Perspektive auf das Leben und die Kunst teilen. Wir verbrachten fast ein Jahr damit, zu sprechen, bevor er für seine erste Künstlerresidenz außerhalb Japans ins House Museum kam.

Für mich geht es dabei nicht nur darum, einen japanischen Künstler in Thailand auszustellen. Es geht darum, einen Dialog zwischen Kulturen durch die Dinge zu schaffen, die wir als Menschen teilen – ein Gefühl der Ruhe, Schönheit, Sensibilität und die Fähigkeit, in der Welt der Kunst präsent zu sein.

Sie schätzen den Begriff der “stillen Kunst” sehr. Könnten Sie erläutern, was dieser Begriff für Sie bedeutet und wie diese Philosophie die Künstler prägt, mit denen Sie zusammenarbeiten?

Ich denke, am Ende des Tages geht es um das bedeutungsvolle Gespräch, das man etabliert. Viele Dinge in der Welt der Kunst sind auch unausgesprochen. Ich mag es, diese Grenze besser zu verstehen. Wenn die Kunst authentisch ist, wird sie immer eine Stimme haben. Als ich jünger war, in meinen 20ern, blickte ich mehr auf die äußere Welt, aber in meinen 30ern hat sich mein Wille zu etwas Realerem, Geerdeterem und Bedeutungsvollerem verschoben.

Welche spezifischen Synergien möchten Sie zwischen thailändischen und anderen internationalen Kreativ-Communities durch Ihr Residenzprogramm für Kunst kultivieren?

Ich denke, Synergie ist die Arbeit selbst. Wenn ich jemanden treffe, ist es manchmal Glück, aber manchmal auch eine Chance, gemeinsam Kunst zu schaffen. Es geht um Teamarbeit; es ist keine Solo-Arbeit mehr in der heutigen Welt.

Wie hoffen Sie, dass dieser einzigartige Entwurf positiv zur breiteren Kreativ-Community in Thailand beitragen wird, und wie dient er als physische Manifestation Ihrer Vision für ROMCOMPANY und die Kunst?

Ich sehe dies als eine Praxis in der realen Welt, eine Vision in die Tat umzusetzen. HOUSE MUSEUM, ROM DESIGN, TOWNHOUSE Gallery und schließlich TOWNHOUSE Apartment sind allesamt Teil desselben sich entwickelnden Bildes der Kunst.

Was ich aufbaue, ist nicht einfach ein Trend, sondern echtes Engagement für die “Offline”-Welt – Räume, Gespräche und Erfahrungen zu schaffen, die dazu beitragen können, die Kultur der Kunst voranzubringen und ihre Grenzen ein wenig weiter zu verschieben.

Ich glaube, dass bedeutungsvolle Entwicklung nicht immer durch etwas Großes oder Unmittelbares geschehen muss. Manchmal geht es darum, kleine Dinge jeden Tag zu tun, sie allmählich miteinander zu verbinden – ein wenig wie beim Bauen mit Lego. Jedes Stück mag für sich klein erscheinen, aber mit der Zeit bilden sie etwas Größeres in der Kunstwelt.

Mit diesem Projekt möchte ich auch, dass die Arbeit etwas auf mich selbst zurückwirft – und auf die Werte von ROM DESIGN und den Menschen, mit denen ich zusammengearbeitet habe. Ich möchte wissen, dass ich versucht habe, etwas Bedeutungsvolles zu tun: zu schaffen, zu nähren, zu experimentieren und etwas Neues und Wertvolles in die Welt der Kunst zu bringen, solange ich die Zeit dazu habe.

Ich denke, das ist es letztendlich, was meinem Leben Sinn gibt.

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