Cover L’artiste Lucio Fontana (1899-1968) crée une œuvre en perforant une toile avec un stylet, le 27 novembre 1962 (Photo : Getty Images)
L’artiste Lucio Fontana (1899-1968) crée une œuvre en perforant une toile avec un stylet, le 27 novembre 1962 (Photo : Getty Images)
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Lorsque le sculpteur et peintre italo-argentin Lucio Fontana, père du spatialisme et mentor de Yayoi Kusama, a entaillé une toile en 1958, il a bouleversé notre compréhension de la peinture et de l'espace. Pourtant, l'héritage de Lucio Fontana va bien au-delà de ce geste iconique.
Pendant des décennies, le monde a principalement associé l'artiste italo-argentin Lucio Fontana (1899-1968) à un geste unique et définitif : une entaille nette et précise dans une toile monochrome. Pour les visiteurs des foires d'art internationales, ces “Tagli”, qui signifient “coupes” en italien, sont instantanément reconnaissables. Pourtant, en raison de leur apparente simplicité, les œuvres de Lucio Fontana suscitent souvent le scepticisme de ceux qui affirment que “n'importe qui aurait pu faire cela”.
Sa première exposition monographique à Hong Kong, intitulée Lucio Fontana : Spatialisme. Pionnier de l’art contemporain, qui se tiendra du 17 septembre au 19 décembre à la galerie Hauser & Wirth, entend prouver le contraire. Organisée par Luca Massimo Barbero, président de l’Institut d’histoire de l’art de la Fondation Giorgio Cini à Venise, en collaboration avec la Fondazione Lucio Fontana, elle marque l’étape finale d’une trilogie mondiale ayant déjà fait escale à Los Angeles en 2020 et à New York en 2022-2023.
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Above Lucio Fontana en 1965 (Photo : avec l’aimable autorisation d’Ugo Mulas et de la Fondazione Lucio Fontana, Milan)
Lucio Fontana en 1965 (Photo : avec l’aimable autorisation d’Ugo Mulas et de la Fondazione Lucio Fontana, Milan)
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Cette trilogie retrace la manière dont Lucio Fontana a transformé la perception de l’art au XXe siècle : de ses débuts en tant que sculpteur expérimental, bousculant la vision traditionnelle de la sculpture comme objet décoratif, à ses décennies consacrées au spatialisme, en incisant et en perforant toiles et céramiques. Sa vision a révolutionné l’appréhension de l’espace bien avant que des figures conceptuelles telles que Yayoi Kusama, Piero Manzoni ou James Turrell ne marquent l’histoire de l’art.
L’exposition de Hong Kong introduira ses œuvres spatialistes auprès d’un public asiatique et offrira une vue d’ensemble de son œuvre, incluant des pièces de ses célèbres séries Tagli, Buchi (“Trous”) et Inchiostri (“Encre”). Outre les sculptures et peintures exposées, Luca Massimo Barbero souhaite engager un dialogue entre les traditions artistiques asiatiques et occidentales.
Au milieu des années 1950, Lucio Fontana rencontre le critique d’art français Michel Tapié, qui découvre alors le mouvement radical Gutai au Japon et en devient le principal promoteur en Europe. Par son intermédiaire, Lucio Fontana fait la connaissance d’artistes tels que Shozo Shimamoto et Hisao Dōmoto, qui partageaient sa volonté de définir l’art comme une “trace d’action”, notamment en grattant des couches de peinture pour révéler les pigments en dessous, ou en lançant des projectiles remplis d’encre sur des toiles disposées au sol.
Ces artistes japonais furent également fascinés par les perforations pratiquées par Lucio Fontana sur ses sculptures et ses toiles. Cette fascination mutuelle mena à des expositions majeures au Japon, au Gutai Pinacotheca d’Osaka, au début des années 1960. Par la suite, Lucio Fontana soutint de nombreux artistes avant-gardistes japonais en Europe, dont la prolifique Yayoi Kusama, rencontrée en 1965 lors de l’exposition Nul 65 à Amsterdam, et dont il finança, avec le galeriste Renato Cardazzo, l’installation Narcissus Garden à la Biennale de Venise l’année suivante.
Chaque exposition de Hauser & Wirth possède un focus spécifique. L’exposition new-yorkaise mettait en lumière ses expérimentations sculpturales des années 1920 à la fin des années 1960 : céramiques, peintures, œuvres en plâtre, béton et verre. Elle rappelait que, bien avant de lacérer ses toiles, l’artiste italo-argentin était déjà une figure avant-gardiste majeure dans le monde de l’art occidental conservateur.
L’approche exploratoire de Lucio Fontana naît d’influences variées. À l’Accademia di Belle Arti di Brera à Milan, il étudie auprès du sculpteur Adolfo Wildt, qui l’encourage à respecter les enseignements académiques tout en expérimentant de nouvelles idées. Ses premières œuvres en argile, terre cuite et métal incarnent ce mélange radical entre abstraction et figuration. Ses années passées à travailler dans l’atelier de son père, sculpteur de monuments funéraires, lui ont également conféré une maîtrise technique qu’il a su réinterpréter à travers le cubisme, le futurisme et le surréalisme.
Dans les années 1930, ses collaborations avec des architectes lui font réaliser que “les sculptures ne sont pas de simples ornements occupant l’espace, mais des dispositifs qui façonnent activement le cadre physique environnant”, comme l’explique Maria Villa, vice-présidente de la Fondazione Lucio Fontana.
Above ‘Concetto spaziale, Natura’ (1959-60) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
‘Concetto spaziale, Natura’ (1959-60) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
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Il approfondit cette relation entre art et espace à la fin des années 1940, à une époque où la course à l’espace et les découvertes en physique nucléaire fascinent le monde. Lucio Fontana est convaincu que l’art doit évoluer parallèlement aux avancées scientifiques. En 1946, il publie le Manifiesto Blanco, rejetant les formes traditionnelles et prônant un nouvel art intégrant matière, couleur, son et mouvement dans l’espace-temps. Cette vision mène aux premiers Buchi en 1949, des toiles et sculptures perforées pour révéler l’infini cosmique. En 1959, il crée la série Natura, des sphères de terre cuite et de bronze entaillées, suggérant une forme d’instabilité organique.
“Les artistes occidentaux d’après-guerre proposaient que le tableau ne soit plus seulement une fenêtre ouverte sur une réalité représentée, mais une construction réalisée par l’artiste à travers la matière elle-même”, explique Barbero. “En perçant la toile, Lucio Fontana transcende la fonction illustrative de la peinture.”
Above ‘Concetto spaziale’ (1957) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
‘Concetto spaziale’ (1957) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
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“Le geste était essentiel : loin de détruire violemment, il ajoutait de l’espace à une surface plane. Il s’agissait de changer la matière avec sa main—qu’il s’agisse de papier, d’argile, de métal, d’huile ou de toile—en réfléchissant à l’impact du geste sur celle-ci.”
L’intérêt de Lucio Fontana s’étendait également à la lumière. L’exposition de 2020 à Los Angeles a reconstitué ses Ambienti Spaziali (“Environnements spatiaux”), créés entre les années 1940 et 1960, composés de corridors labyrinthiques et de salles sombres éclairées par des tubes néon et de la lumière noire. L’usage de matériaux industriels a fait de Lucio Fontana l’un des pionniers de l’installation artistique, transformant le spectateur en une partie intégrante de l’expérience éphémère de l’œuvre.
Above ‘Concetto spaziale’ (1949) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
‘Concetto spaziale’ (1949) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
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“Los Angeles fut le berceau du mouvement 'Light and Space', utilisant la lumière comme médium plutôt que la peinture”, explique Barbero. “L’exposition de 2020 a rappelé au public américain que Lucio Fontana utilisait déjà la lumière UV en 1949 et le néon dès 1951, confirmant son rôle de précurseur.”
L’exposition de Hong Kong dévoilera également de très rares œuvres des années 1950, la série Inchiostri (“Encres”), constituée de délicats lavis évoquant des paysages abstraits ou des nébuleuses cosmiques. C’est sur ces surfaces éthérées que sont apparues les premières entailles des Tagli. Contrairement aux Buchi plus spontanés, les Tagli offrent une méthode structurée de délimitation de la lumière et de l’ombre. Loin d’être un acte agressif, ce geste était méditatif : après avoir saturé la toile d’encre monochrome, l’artiste attendait parfois des jours avant d’effectuer une coupure unique et décisive. Cela explique le titre donné à ces pièces : Attese, ou “Attentes”.
Above ‘Concetto spaziale, Attese’ (1964) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
‘Concetto spaziale, Attese’ (1964) de Lucio Fontana (Photo : avec l’aimable autorisation de la Fondazione Lucio Fontana, Milan, par Siae 2026)
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Pour Luca Massimo Barbero, bien que Lucio Fontana n’ait jamais été directement influencé par les méthodes chinoises, il existe un fil conducteur entre ses toiles lacérées et l’art de l’encre chinois. “Les coupes de Lucio Fontana sont plus conceptuelles et méditatives. Elles partagent avec la culture orientale une certaine conception de l’esprit et du geste”, explique-t-il, faisant référence à la calligraphie chinoise. “Dans l’art traditionnel japonais ou chinois, on ne voit pas l’œuvre comme un simple objet décoratif, mais on reconnaît le rythme du geste et la méditation poétique. C’est pour souligner cette connexion spirituelle que nous avons inclus les peintures à l’encre dans l’exposition de Hong Kong.”
L’événement sera accompagné d’un nouvel ouvrage sur l’œuvre et la vie de Lucio Fontana, publié en chinois simplifié par Hauser & Wirth, et le troisième volume d’une série de recherches dédiée à la relation entre l’artiste et le Japon est prévu pour l’année prochaine.
Des décennies après sa disparition, l’influence de Lucio Fontana continue de prouver que l’art ne se résume pas à la création d’images, mais à celle de pensées. “Il restera l’un des leaders culturels majeurs de l’art contemporain”, conclut Barbero.
“Pensez à tous les artistes travaillant aujourd’hui sur l’environnement, le monochrome et le conceptuel : les expérimentations de Lucio Fontana ont été essentielles pour Piero Manzoni, Yves Klein, la génération des années 1950 et les artistes actuels. Si certains l’ont trouvé provocateur de son vivant, sa révolution était lumineuse ; nous commençons enfin à en voir toute la clarté.”
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Zabrina est rédactrice en chef adjointe, section Arts et Culture, de Tatler Hong Kong. Spécialisée dans les arts du spectacle, les arts visuels et le cinéma, elle a été initiée au voyage lors de l'expédition Mighty Rovers en Antarctique en 2010. Au fil des ans, elle a interviewé des artistes et cinéastes de renom, parmi lesquels les lauréats des Oscars Chloë Zhao et Tim Yip, la lauréate du Golden Horse Award Sylvia Chang, le directeur de la photographie du film « In the Mood for Love » , Christopher Doyle, l'auteure de « Pachinko » , Min Jin Lee, et le premier chanteur solo chinois à se produire à Coachella, Jackson Wang. Elle a remporté l'or aux WAN-IFRA Asian Media Awards pour son reportage de 2021 sur la vague de crimes haineux visant les Américains d'origine asiatique.
