Cover El artista italiano “Lucio Fontana” (1899-1968) crea una obra perforando un lienzo con un estilete el 27 de noviembre de 1962 (Foto: Getty Images).
El artista italiano “Lucio Fontana” (1899-1968) crea una obra perforando un lienzo con un estilete el 27 de noviembre de 1962 (Foto: Getty Images).
1 / 1
Cuando el escultor y pintor italo-argentino “Lucio Fontana”, padre del espacialismo y mentor de Yayoi Kusama, rasgó un lienzo en 1958, transformó la percepción mundial de la pintura y el espacio; sin embargo, su legado trasciende el simple hecho de perforar el arte.
Durante décadas, el mundo ha asociado principalmente al artista italo-argentino “Lucio Fontana” (1899-1968) con un gesto único y definitivo: un corte limpio y preciso a través de un lienzo monocromático. Para el observador ocasional que recorre las ferias de arte internacionales, estos “Tagli”, que significan “cortes” en italiano, resultan reconocibles al instante. No obstante, debido a su apariencia engañosamente minimalista, las obras de “Lucio Fontana” son blanco frecuente del escepticismo moderno, bajo la idea de que cualquiera podría realizar tal acción.
Su primera exposición individual en Hong Kong, titulada “Lucio Fontana”: Espacialismo. Pionero de lo Contemporáneo, que se presenta del 17 de septiembre al 19 de diciembre en Hauser & Wirth, pretende demostrar lo contrario. Comisariada por Luca Massimo Barbero, presidente del Instituto de Historia del Arte de la Fundación Giorgio Cini de Venecia, en colaboración con la Fondazione Lucio Fontana, esta muestra marca el capítulo final de una exposición global de tres partes que pasó por Hauser & Wirth en Los Ángeles, en 2020, y Nueva York, entre 2022 y 2023.
No se pierda: “La actriz Joan Chen sobre sus logros profesionales, la evolución de Hollywood y la alegría de mantenerse creativa”
Above El artista “Lucio Fontana” fotografiado en 1965 (Foto: cortesía de Ugo Mulas y Fondazione Lucio Fontana, Milán).
El artista “Lucio Fontana” fotografiado en 1965 (Foto: cortesía de Ugo Mulas y Fondazione Lucio Fontana, Milán).
1 / 1
En conjunto, la trilogía describe cómo “Lucio Fontana” transformó la comprensión del arte en el siglo XX: desde sus inicios como escultor experimental, que desafió la noción tradicional de la escultura como objeto decorativo, hasta sus décadas dedicadas a ser pionero del espacialismo, mediante el corte y la perforación de lienzos y cerámicas. Su visión y práctica revolucionaron la percepción del espacio en el arte, años antes de que figuras del arte conceptual como Yayoi Kusama, Piero Manzoni y James Turrell alcanzaran renombre.
La muestra en Hong Kong acercará sus obras espacialistas al público asiático y ofrecerá una visión general de su trayectoria, incluyendo piezas de sus famosas series “Tagli” (cortes), “Buchi” (agujeros) e “Inchiostri” (tintas). Más allá de exhibir esculturas y pinturas, Barbero espera iniciar un diálogo entre las tradiciones artísticas asiáticas y occidentales.
A mediados de los años 50, “Lucio Fontana” conoció al crítico y teórico francés Michel Tapié, quien descubrió la radical Asociación de Arte Gutai en Japón y se convirtió en su mayor defensor europeo. A través de él, Fontana contactó con artistas de “gutai” como Shozo Shimamoto e Hisao Dōmoto, quienes compartían su visión de redefinir el arte como un “registro de la acción”, ya sea raspando capas de pintura o lanzando recipientes llenos de pigmento sobre lienzos dispuestos en el suelo.
Estos artistas japoneses también mostraron gran interés por las perforaciones de “Lucio Fontana” en sus esculturas y lienzos. Esta fascinación mutua llevó a que el trabajo de Fontana se exhibiera prominentemente en el espacio de arte Gutai Pinacotheca en Osaka a principios de los años 60, junto al arte del movimiento “gutai”.
Fontana apoyó a otros artistas vanguardistas japoneses en Europa, como la prolífica Kusama, a quien conoció en la exposición “Nul 65” de Ámsterdam en 1965 y cuya famosa instalación “Narcissus Garden” en la Bienal de Venecia financió un año después, junto al galerista Renato Cardazzo.
Cada una de las tres exposiciones de Hauser tiene un enfoque específico. La muestra de Nueva York, situada en la antigua Martha Jackson Gallery, destacó sus experimentos escultóricos desde la década de 1920 hasta finales de los 60: cerámicas, pinturas y trabajos en yeso, hormigón y vidrio. Fue un recordatorio de que, mucho antes de rasgar lienzos, este artista nacido en Argentina y criado en Milán ya era una figura visionaria en el conservador mundo del arte occidental.
En caso de que se lo haya perdido: El arte performativo de Florentina Holzinger destaca el exceso de turismo y desafía las fronteras entre el arte elevado y el popular
Su enfoque exploratorio hacia la escultura combinó diversas influencias. En la Accademia di Belle Arti di Brera de Milán, estudió bajo la tutela de Adolfo Wildt, quien le animó a confiar en las enseñanzas académicas pero también a experimentar. Esto dio lugar a sus obras tempranas en arcilla, terracota y metal, que encarnan una mezcla radical entre lo abstracto y lo figurativo.
Su formación también estuvo marcada por su padre, escultor de monumentos funerarios en Argentina, con quien trabajó durante un tiempo. Armado con técnicas tradicionales, se sintió motivado a reinterpretar movimientos de vanguardia como el cubismo, el futurismo y el surrealismo.
En la década de 1930, trabajó con arquitectos, lo que le hizo comprender que “las esculturas no eran simples adornos que ocupan espacio, sino dispositivos que moldean activamente el entorno físico”, explica Maria Villa, vicepresidenta de la Fondazione Lucio Fontana.
Above Obra titulada “Concetto spaziale, Natura” (1959-60) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
Obra titulada “Concetto spaziale, Natura” (1959-60) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
1 / 1
Fontana exploró más a fondo la relación entre arte y espacio a finales de los años 40, en un momento marcado por la carrera espacial y los avances en física nuclear. Convencido de que el arte debía evolucionar junto a la ciencia, publicó en 1946 el “Manifiesto Blanco”, donde abogó por un arte que integrara materia, color, sonido y movimiento.
Esto sentó las bases para la serie “Buchi” (1949), consistente en lienzos y cerámicas perforadas para exponer, filosóficamente, el espacio infinito que residía detrás de la superficie. En 1959, inició su famosa serie “Natura”, esferas distorsionadas de terracota y bronce, desgarradas para transmitir una sensación de inestabilidad y vida.
“Los artistas occidentales de la posguerra proponían que la imagen debía ser construida por el artista a través de la materia”, comenta Barbero. “Fontana trascendió la idea tradicional de la pintura al perforar el lienzo, haciendo que las piezas perdieran su función meramente ilustrativa”.
Above Obra titulada “Concetto spaziale” (1957) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
Obra titulada “Concetto spaziale” (1957) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
1 / 1
“El gesto fue crucial: en lugar de destruir algo violentamente, ‘Lucio Fontana’ estaba añadiendo espacio a una superficie bidimensional. Su intención era utilizar sus manos para transformar la materia, ya fuera papel, arcilla o lienzo, reflexionando sobre el impacto de su técnica”.
Sus intereses también abarcaban la luz. La muestra de 2020 en Los Ángeles recreó sus “Ambienti Spaziali”, pasillos laberínticos con tubos de neón y luz negra. Estas piezas pioneras colocaban al espectador dentro de la obra, transformando el objeto estático en una experiencia efímera.
Above Obra titulada “Concetto spaziale” (1949) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
Obra titulada “Concetto spaziale” (1949) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
1 / 1
“Los Ángeles fue cuna del Movimiento de Luz y Espacio”, comenta Barbero. “La exposición de 2020 resaltó que “Lucio Fontana” ya utilizaba luz ultravioleta en 1949 y neones en 1951. El público estadounidense redescubrió su carácter pionero”.
Por otro lado, la exposición en Hong Kong presentará la serie “Inchiostri” (tintas) de los años 50: lienzos delicados con lavados de tinta que evocan paisajes abstractos o nieblas cósmicas. Sobre estas superficies etéreas, surgieron los primeros cortes que darían forma a los “Tagli”.
A diferencia de los “Buchi”, los “Tagli” ofrecieron un método deliberado para delinear luz y sombra. El gesto era meditativo: tras saturar el lienzo con tinta, Fontana esperaba a menudo horas o semanas antes de realizar el corte decisivo. De ahí el título “Attese”, que significa “Expectativas”.
Above Obra titulada “Concetto spaziale, Attese” (1964) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
Obra titulada “Concetto spaziale, Attese” (1964) de “Lucio Fontana” (Foto: cortesía de Fondazione Lucio Fontana, Milán, por Siae 2026).
1 / 1
Aunque “Lucio Fontana” nunca fue influenciado directamente por métodos orientales, Barbero percibe hilos comunes con el arte de tinta chino. “Sus cortes son conceptuales y pausados, con una gran conexión con la espiritualidad oriental”, afirma, refiriéndose a la caligrafía china, donde los trazos reflejan las emociones. “Al mirar una pintura antigua, uno reconoce el ritmo, como ocurre en las obras de tinta de Fontana presentadas en Hong Kong, las cuales demuestran la conexión entre ambas culturas en la creación artística”.
La muestra incluye un nuevo libro sobre la trayectoria de Fontana, publicado por Hauser & Wirth. Asimismo, el próximo año se publicará un tercer volumen de investigación dedicado a explorar la relación entre el artista y Japón.
Décadas después de su muerte, la influencia de “Lucio Fontana” sigue demostrando que el arte es pensamiento, no solo creación de imágenes. “Fontana seguirá siendo uno de los líderes culturales más grandes del arte contemporáneo”, asegura Barbero.
“Pensemos en los artistas que trabajan hoy con el medio ambiente o la monocromía; Fontana fue esencial para generaciones pasadas y presentes. Su revolución fue una revolución brillante, quizás demasiado adelantada a su tiempo, pero ahora finalmente vemos la luz”.
Topics
Zabrina es la editora sénior de Arte y Cultura de Tatler Hong Kong. Se especializa en artes escénicas, artes visuales y cine. Su pasión por viajar surgió con la Expedición Antártica Mighty Rovers en 2010. A lo largo de los años, ha entrevistado a artistas y cineastas de renombre, como los ganadores del Óscar Chlóe Zhao y Tim Yip, la ganadora del Caballo de Oro Sylvia Chang, el director de fotografía de In the Mood for Love , Christopher Doyle, el autor de Pachinko , Min Jin Lee, y el primer cantante solista chino en Coachella, Jackson Wang. Ganó el oro en los Premios WAN-IFRA de Medios Asiáticos por su reportaje de 2021 sobre la ola de crímenes de odio contra los estadounidenses de origen asiático.
