Ivana Wong über das Komponieren für Tuschekunst: Ein Dialog zwischen Tanz, Musik und Wu Guanzhong

Wie übersetzen Sie das abstrakte Konzept der Philosophie der Tuschekunst in eine physische musikalische Partitur?
Während der gesamten Dauer dieses Projekts vertraute ich stark auf meine Intuition. Diese Gefühle resultierten aus der Summe meiner Erfahrungen mit Wus Werken, der Vitalität der Tänzer und meiner eigenen Beziehung zur Musik, bei der es sich anfühlte, als könnte jeder Klang zu einem Instrument werden. Ich ließ mein konventionelles Verständnis von Rhythmus los. Jede Sekunde und jede Note umgingen rationale Analysen und Raster; ich versuchte schlicht, sie ehrlich und direkt einzufangen und auszudrücken. Das Ergebnis ist ein Stück, das gelegentlich ohne feste Tonart oder festes Tempo auskommt—was das “Ideologische” repräsentiert—und dennoch bleibt es unverwechselbar musikalisch und berührt weiterhin die Seele—das “Greifbare”. Ich empfand diesen Prozess als erfrischend und faszinierend zugleich.

Wu Guanzhong war berühmt dafür, traditionelle chinesische Tuscheästhetik mit moderner westlicher Kunst zu verbinden. Wie haben Sie als Komponistin Ihre Musik eingesetzt, um diese spezifische interkulturelle Verschmelzung widerzuspiegeln?
Die Verteilung von chinesischen und westlichen Instrumenten geht auf ihren Ursprungsort, ihren historischen Hintergrund und ihre Spieltechniken zurück. Über diese technischen Aspekte hinaus sind sie Medien für den Klang mit einzigartigen Eigenschaften, die entweder aufeinanderprallen oder harmonisch verschmelzen können. Das Komponieren von Musik ähnelt der Malerei insofern, als das ultimative Ziel, sobald das technische Fundament gelegt ist, darin besteht, eine Stimmung auszudrücken und gleichzeitig Raum für die Vorstellungskraft und persönliche Inspiration des Publikums zu lassen. Dies zu erreichen, erfordert ständige Verfeinerung und das fortwährende Schreiben. Es ist ein Prozess des Entdeckens—ein Hinzufügen und Wegnehmen—, bei dem Noten als Punkte und Melodien als Linien dienen, während man stets die Balance zwischen dem Pinselstrich und dem leeren Raum sucht.

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Ihre Musik reagiert auf die Atmung und die Körpersprache der Tänzer. Inwiefern unterscheidet sich das Komponieren für den menschlichen Körper von Ihrem üblichen Prozess, und wie stellen Sie sicher, dass die Musik mit den Darstellern atmet?
Ich selbst habe Tanz studiert, daher besitze ich ein grundlegendes Verständnis für die Anforderungen dieser Kunst sowie die Beziehung zwischen Atem und Körper. Während des Komponierens konnte ich nicht verhindern, dass Tanzszenen in meinem Kopf auftauchten; das Gesamtkonzept war erfüllt von Vorstellungen über die Tänzer. Musikalisch versuche ich bestmöglich zu meistern, wann ich den Tänzern mehr Raum für ihre Darbietung geben muss und wann sie einen Moment zum Durchatmen benötigen. Natürlich war die Kommunikation mit Yuntao unerlässlich, bevor ich mit dem Schreiben begann, und wir tauschten uns weiterhin aus und nahmen bei Bedarf Änderungen vor, nachdem der Entwurf fertiggestellt war.

Wu Guanzhongs Werk wird durch Punkte, Linien und Flächen definiert. Wie sind Sie vorgegangen, um diese visuellen Elemente in musikalische Strukturen zu verwandeln?
Noten sind die Punkte, die Melodie ist die Linie, und die Fläche repräsentiert das Gesamtkonzept und die Abschnitte des Stücks. Es handelt sich um eine sehr direkte Entsprechung—eine flache Oberfläche, die dreidimensional wird.

Wie haben Sie Stille oder Leere innerhalb Ihrer Partitur eingesetzt?
Ich suche nach der Bedeutung des leeren Raums ausgehend vom Aufbau des gesamten Gemäldes. Jedes Vorkommen von weißem Raum ist anders; es ist nicht nur ein weißer Fleck, und es durch Musik zu interpretieren, bedeutet nicht zwangsläufig absolute Stille oder Bewegungslosigkeit. Weißer Raum kann eine musikalische Pause sein, die es dem Zuhörer ermöglicht, vorübergehend alles vor ihm zu ignorieren und sich ausschließlich auf seinen eigenen Atem zu konzentrieren—eine Rückkehr zum eigentlichen Ursprung des Lebens. Er kann auch Vorstellungskraft und Erinnerung repräsentieren und wie eine Kraft wirken, die uns anzieht. Je tiefer wir in diesen Raum fallen, desto komplexer und abstrakter könnten die entstehenden Klänge werden.

Was war die größte Herausforderung während des kreativen Prozesses?
Das war ähnlich wie bei meinen anderen kreativen Arbeiten: die Deadline. Mein Tagesablauf ist ohnehin schon prall gefüllt, und Erschöpfung wird oft zu einem Hindernis für meine Kreativität.

Angesichts der universellen Themen der Aufführung, welche einzigartige Botschaft hoffen Sie, dass das internationale Publikum mitnimmt?
Ich hoffe, dass die Menschen, ganz gleich, wo auf der Welt sie sich befinden, dieses musikalische Werk als wunderschön empfinden. Warum so direkt sein? Musik, die als schön gilt, hat höchstwahrscheinlich das Herz berührt, es ein wenig zum Schmelzen gebracht, geöffnet und Fragmente von Lebenserinnerungen geweckt. Wenn meine Musik für jeden ein kleines Gefühl von Begleitung bieten kann, dann hat das Werk Bedeutung, und ich werde zutiefst zufrieden sein.

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