Les artistes hongkongais subliment le quotidien à la Biennale de Venise 2026

Les installations de Hui visent à mettre en valeur la beauté de la vie quotidienne à Hong Kong. Les fenêtres portent également une autre dimension interculturelle : lorsque les visiteurs regardent par ces fenêtres les rues de Venise, c'est comme s'ils voyageaient entre les deux villes. De plus, dit-elle, “Les fenêtres symbolisent également le foyer. Le parcours de chaque visiteur est différent. En découvrant Venise et cette œuvre d'art hongkongaise à travers leur prisme personnel, ils créent une forme de dialogue”.

Ng, quant à lui, s'inspire du linge étendu. Depuis 2003, il a assisté à plusieurs éditions de la Biennale de Venise et a passé du temps dans la ville pour la recherche et le tourisme. “Ce qui m'a le plus fasciné, ce sont les résidents ordinaires étendant leurs vêtements dans les rues chaque jour”, dit-il. “C'est une composition si simple et belle de couleurs, de tailles, de textures et de formes. C'est comme une installation d'art collective accidentelle qui se produit 365 jours par an—et cela m'a profondément ému.”

Cela lui a rappelé les anciens lotissements de Hong Kong, où les cordes de linge coloré ressemblaient à des guirlandes. “Cette beauté quotidienne relie les deux villes, ma proposition s'est donc développée à partir de ce point. L'œuvre explorera l'ombre et la lumière, les fils et les motifs qui s'entremêlent”, explique-il. “Mon œuvre est un hommage à la vie quotidienne, comme dans les notions d'histoire de l'art des années 1960 et 70, où nettoyer le sol d'un musée pouvait en soi être de l'art.” Il fait référence à l'artiste féministe et conceptuelle américaine Mierle Laderman Ukeles, qui a développé le concept de l'art de l'entretien (maintenance art) en 1969. Elle s'est emparée des actions répétitives du quotidien liées au nettoyage et les a recontextualisées sous forme de performance en galerie, son objectif étant d'élever les tâches d'entretien banales et invisibles nécessaires au fonctionnement d'une institution artistique, souvent effectuées par des femmes.

L'œuvre de Ng n'a rien à voir avec le genre, mais vise à “honorer la poésie de l'entretien ordinaire”. L'artiste numérique, connu pour ses œuvres conceptuelles in situ, adoptera une approche plus abstraite que Hui et créera une installation de vêtements et de tissus suspendus. En flottant dans la brise, ils créeront ce qu'il appelle des “sensations subtiles et intangibles”. “Je veux que les visiteurs fassent l'expérience des formes et des nuances magnifiquement changeantes des ombres dans le vent”, dit-il.

Les installations de Ng et de Hui ont été conçues et créées séparément, mais ils estiment qu'il existe un lien entre elles. “Nos deux créations intègrent l'élément de la lumière et des ombres et mettent en valeur les mémoires culturelles de Hong Kong”, déclare Ng. “Les fenêtres d'Angel relient nos œuvres. C'est comme si les rayons de lumière créés par mon installation traversaient ses fenêtres pour interagir avec les ombres de son espace, tandis que les visiteurs de son espace peuvent également regarder par les fenêtres pour voir mon travail. Il y a cette interaction amusante entre nos travaux.” Au moment de la rédaction de cet article fin janvier, les deux artistes prévoyaient également d'ajouter des éléments de bulles à leurs deux pièces pour renforcer ce lien : le son des bulles éclatant figurera dans la bande sonore d'ambiance de l'espace de Hui, tandis que le concept de blanchisserie de Ng sera souligné par le son mousseux du lavage des vêtements.

Ng et Hui ont été sélectionnés pour représenter Hong Kong à la Biennale de Venise parmi un bassin d'environ 200 candidats. Le Pavillon de Hong Kong est organisé par le Musée d'art de Hong Kong (HKMoA) et le Conseil de développement des arts de Hong Kong cette année. La directrice du HKMoA, Maria Mok, explique qu'il y a eu un processus de sélection rigoureux, et les deux se sont finalement démarqués par des propositions qui interprétaient le mieux le thème de la biennale, In Minor Keys, et le sous-thème du Pavillon de Hong Kong, Fermata—nommé d'après le symbole musical (point d'orgue) qui indique aux interprètes de faire une pause, ou de tenir une note plus longtemps que sa durée normale.

“Musicalement, une tonalité mineure est plus douce qu'une tonalité majeure”, explique Mok. “Nos deux artistes ont magnifiquement incarné ce sentiment de pause dans leurs propositions.” Ng ajoute : “C'est un cadre curatorial qui invite à des réflexions plus calmes. C'est un éloignement du grandiose et du bruyant. Cela nous rappelle de prêter attention aux petits efforts quotidiens des gens—même de ceux qui lavent les vêtements chaque jour. Dans un monde plein d'événements dramatiques, comment pouvons-nous reporter notre attention sur les actes les plus simples ? La lessive, par exemple, est essentiellement un acte de soin. Si chacun de nous avait ne serait-ce que le plus petit sentiment de respect ou de gratitude pour les personnes [accomplissant ce travail], le monde pourrait sembler différent.”

Depuis que Hong Kong a fait ses débuts à la Biennale de Venise en 2001, le pavillon a accueilli des expositions collectives et individuelles. Mais Mok affirme qu'elle s'est moins souciée du nombre d'artistes à impliquer que de la meilleure façon de raconter les histoires de la ville. “Leurs propositions reflétaient le pouls et les fragments de la vie quotidienne, et les deux artistes choisis se complètent parfaitement. Ils forment véritablement un duo idéal.”

Les deux artistes célèbrent depuis longtemps les petits détails, même dans les sujets les plus banals. Hui a obtenu un diplôme en beaux-arts à l'Université baptiste de Hong Kong en 2014, puis en étude des matériaux à l'Académie centrale des beaux-arts de Pékin en 2017. À Pékin, elle a commencé à expérimenter avec les textures et à réinterpréter l'art traditionnel de manière contemporaine et avec différents matériaux. Sa première œuvre majeure, qui a établi sa réputation, était son projet de fin d'études : des mouchoirs en papier peints avec des motifs de porcelaine bleue et blanche, une touche ludique et moderne sur la céramique chinoise bleue et blanche. “J'ai passé des mois sur ces motifs délicats sur des mouchoirs. À la maison, j'en ai étalé des centaines pour les faire sécher”, se souvient-elle en riant. “Ma famille était tellement inquiète d'utiliser le moindre mouchoir à la maison au cas où ce serait de l'‘art’. Maintenant, chaque fois qu'ils voient mon travail mélanger avec humour des objets du quotidien, ils demandent : ‘Pouvons-nous toucher ça ?’ C'est une belle interaction entre la vie et l'art.”

Elle a continué à développer le concept pour créer des pièces en porcelaine qui sont soit peintes avec des images contemporaines et amusantes, comme une assiette peinte avec un portrait de Van Gogh portant un masque facial pendant la pandémie ; soit façonnées en forme de sacs à main, de téléphones et, lors de la foire Affordable Art Fair de l'année dernière, où elle avait un stand conçu pour ressembler à une épicerie à l'ancienne, des bonbons White Rabbit, des sucettes Chupa Chups et des bouteilles de lait Vita Soy vintage.

“C'est ce que j'aime : mettre en lumière des choses que les gens négligent habituellement et en faire les protagonistes sur une scène”, dit-elle. “Nous empruntons à l'histoire et la réinterprétons. Même lorsque j'utilise des motifs bleus et blancs typiques de l'art de la porcelaine chinoise, je ne reproduis pas la porcelaine ; je combine des objets trouvés pour créer une nouvelle signification. C'est l'esprit de l'art contemporain—vif, jeune, dynamique.”

Le parcours de Ng pour devenir artiste est également enraciné dans l'ordinaire. “Mon amour de l'art a commencé avec mon grand-père. Il appelait tout ce qu'il faisait dans la vie ‘l'art de vivre’ : l'art de bien manger, de conduire, d'actes quotidiens. À l'époque, je ne comprenais pas ce qu'il disait.” Ce n'est qu'au lycée, lorsqu'il a découvert les différentes époques de l'histoire de l'art, qu'il a réalisé que tous les artistes partagent une chose en commun : l'art est un moyen pour les artistes et les spectateurs de comprendre la vie et la condition humaine dans un sens plus profond.

Il cite en exemple la pièce 4’33” du compositeur d'avant-garde John Cage, créée en 1952—qui demande au musicien de s'asseoir pendant quatre minutes et demie sans jouer une seule note, le but étant d'encourager le public à écouter son environnement et de favoriser une connexion entre l'art et le monde. “L'art n'est pas seulement une œuvre d'art mais un mode de vie”, explique-t-il. “C'est une pratique de la perception, de rester ouvert au monde. J'espère continuer à apprendre à voir à travers l'art—c'est l'étude de toute une vie.”

Il pense également que participer à des festivals tels que la Biennale de Venise peut aider les artistes à atteindre cet objectif et à accroître leur visibilité. Ng, qui enseigne également à l'Académie des arts visuels de l'Université baptiste de Hong Kong, est heureux de voir que les étudiants en art de la ville ont aujourd'hui plus d'opportunités de voir le monde que lui à l'époque. “De nombreux artistes hongkongais étudient à l'étranger, puis reviennent avec de nouvelles perspectives. Ce flux d'idées maintient la scène dynamique et cosmopolite”, souligne-t-il.

Le duo sera rejoint par des représentants du musée lorsqu'ils partiront pour Venise afin d'installer leurs œuvres le mois prochain. “Je considère cela comme un simple début”, déclare Mok. “Le HKMoA est le premier musée d'art public de Hong Kong. Notre rôle est de bâtir une communauté où nous nous soutenons mutuellement et grandissons ensemble. Il ne s'agit pas d'un ou deux artistes, mais de tout le système artistique de Hong Kong. J'espère qu'ensemble et dans les éditions à venir, nous forgerons cela à travers l'art.”

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