Los artistas de Hong Kong llevan arte inspirado en peces dorados y lavandería a la Bienal de Venecia 2026

Las instalaciones de Hui tienen como propósito exhibir la belleza de la vida cotidiana en Hong Kong. Además, las ventanas añaden una capa de significado transcultural: cuando los visitantes observan las calles de Venecia a través de ellas, es como si viajaran entre ambas ciudades. Y añade: “Las ventanas también simbolizan el hogar. El trasfondo de cada visitante es diferente. A medida que experimentan Venecia y esta obra de arte hongkonesa a través de su perspectiva personal, crean una forma de diálogo”.

Por su parte, Ng encuentra su inspiración en la colada. Desde 2003, ha asistido a varias ediciones de la bienal y ha pasado tiempo en Venecia tanto por investigación como por turismo. “Lo que más me fascinó fue ver a los residentes colgando su ropa en las calles todos los días”, comenta. “Es una composición de color, tamaño, textura y forma sumamente sencilla y hermosa. Es como una instalación artística colectiva y accidental que ocurre los 365 días del año, y eso me conmovió profundamente”.

Esta estampa le recordó a las antiguas urbanizaciones de Hong Kong, donde las hileras de ropa tendida parecían guirnaldas festivas. “Esa belleza cotidiana conecta a ambas ciudades, así que mi propuesta surgió de ahí. La obra explorará el juego de luces y sombras, así como el entrelazamiento de hilos y patrones”, señala. “Mi pieza rinde homenaje a la vida diaria, de forma similar a los conceptos artísticos de las décadas de 1960 y 1970, cuando limpiar el suelo de un museo podía considerarse arte”. El artista se refiere a la figura feminista y conceptual estadounidense Mierle Laderman Ukeles, quien desarrolló el concepto del arte de mantenimiento en 1969. Ella tomaba las acciones repetitivas de limpieza y las recontextualizaba como una performance en galerías, con el objetivo de enaltecer las tareas de mantenimiento, a menudo invisibles y realizadas por mujeres, que son necesarias para el funcionamiento de una institución artística.

La obra de Ng no está relacionada con cuestiones de género, sino con el deseo de “honrar la poética del mantenimiento ordinario”. El artista multimedia, reconocido por sus obras conceptuales concebidas para espacios específicos, adoptará un enfoque más abstracto que Hui, creando una instalación compuesta por prendas y telas colgadas. Al ondear con la brisa, generarán lo que él denomina “sensaciones sutiles e intangibles”. “Quiero que los visitantes experimenten las hermosas formas cambiantes y los matices de las sombras acariciadas por el viento”, afirma.

Aunque las instalaciones de Ng y Hui se concibieron y crearon por separado, ambos sostienen que existe una profunda conexión entre ellas. “Nuestras creaciones incorporan el elemento de la luz y las sombras, y muestran los recuerdos culturales de Hong Kong”, explica Ng. “Las ventanas de Angel conectan nuestras obras. Es como si los rayos de luz generados por mi instalación atravesaran sus ventanas para interactuar con las sombras de su espacio, mientras que los visitantes en su sala también pueden observar mi obra a través del cristal. Hay una interacción muy lúdica entre nuestros trabajos”. A finales de enero, los artistas también planeaban añadir elementos de burbujas a ambas piezas para reforzar dicha conexión: el sonido de burbujas estallando formará parte de la banda sonora en el espacio de Hui, mientras que el concepto de lavandería de Ng se verá subrayado por el sonido espumoso del lavado de ropa.

Ng y Hui fueron seleccionados para representar a Hong Kong en la Bienal de Venecia entre unos 200 candidatos. Este año, el Pabellón de Hong Kong está organizado por el Museo de Arte de Hong Kong (HKMoA, por sus siglas en inglés) y el Consejo de Desarrollo de las Artes de Hong Kong. La directora del HKMoA, Maria Mok, explica que hubo un riguroso proceso de selección, y que ambos destacaron por presentar propuestas que interpretaban magistralmente el tema de la bienal, In Minor Keys (En tonos menores), y el subtema del Pabellón de Hong Kong, Fermata (término musical que indica a los intérpretes que deben hacer una pausa o sostener una nota más allá de su duración normal).

“Musicalmente, un tono menor es más suave que un tono mayor”, señala Mok. “Nuestros dos artistas plasmaron esa sensación de pausa de manera exquisita en sus propuestas”. Ng añade: “Se trata de un marco curatorial que invita a reflexiones más sosegadas. Es un alejamiento de lo grandioso y lo estridente. Nos recuerda la importancia de observar los pequeños esfuerzos cotidianos de las personas, incluso los de quienes lavan ropa a diario. En un mundo repleto de acontecimientos dramáticos, ¿cómo podemos volver a centrar nuestra atención en los actos más sencillos? La colada, por ejemplo, es en esencia un acto de cuidado. Si cada uno de nosotros tuviera aunque fuera el más mínimo sentido de respeto o gratitud por las personas que realizan este trabajo, el mundo se sentiría diferente”.

Desde el debut de Hong Kong en la bienal en el año 2001, el pabellón ha albergado tanto exposiciones colectivas como individuales. Sin embargo, Mok afirma que le preocupaba menos la cantidad de artistas involucrados que la forma óptima de relatar las historias de la ciudad. “Sus propuestas reflejaban el pulso y los fragmentos de la vida cotidiana, y los dos artistas elegidos se complementan a la perfección. Forman una pareja verdaderamente ideal”.

Desde hace tiempo, ambos artistas celebran los pequeños detalles, incluso en los temas más cotidianos. Hui se licenció en Bellas Artes por la Universidad Bautista de Hong Kong en 2014, y posteriormente en estudios de materiales por la Academia Central de Bellas Artes de Pekín en 2017. Durante su estancia en Pekín, comenzó a experimentar con texturas y a reinterpretar el arte tradicional mediante enfoques contemporáneos y diversos materiales. Su primera gran obra, la cual cimentó su reputación, fue su proyecto de fin de carrera: pañuelos de papel pintados con motivos de porcelana azul y blanca, dándole un toque lúdico y moderno a la cerámica tradicional china. “Pasé meses pintando esos delicados patrones en los pañuelos. En casa, extendía cientos de ellos para que se secaran”, recuerda entre risas. “Mi familia empezó a preocuparse por usar cualquier pañuelo en casa por temor a que fuera ‘arte’. Ahora, cada vez que ven mi obra mezclando con humor objetos cotidianos, preguntan: ‘¿Se puede tocar esto?’. Es una hermosa interacción entre el arte y la vida”.

Más adelante, amplió este concepto creando piezas de porcelana adornadas con imágenes contemporáneas y divertidas, como un plato con el retrato de Van Gogh llevando una mascarilla durante la pandemia. También esculpió formas como bolsos o teléfonos y, en la edición pasada de la feria Affordable Art Fair, diseñó un stand que recreaba una antigua tienda de ultramarinos con caramelos White Rabbit, Chupa Chups y clásicas botellas de leche Vita Soy.

“Eso es lo que más me apasiona: resaltar elementos que las personas suelen pasar por alto y convertirlos en los protagonistas del escenario”, explica. “Tomamos elementos de la historia y los reinterpretamos. Incluso cuando utilizo motivos azules y blancos típicos de la porcelana china, no estoy replicando la porcelana; estoy combinando objetos encontrados para crear un nuevo significado. Ese es precisamente el espíritu del arte contemporáneo: enérgico, juvenil y dinámico”.

El camino de Ng hacia el arte también hunde sus raíces en lo cotidiano. “Mi amor por el arte comenzó con mi abuelo. Solía llamar a cada acción de su vida ‘el arte de vivir’: el arte de comer bien, de conducir, de las acciones rutinarias. Por aquel entonces, yo no entendía a qué se refería”. No fue hasta la escuela secundaria, al estudiar las diferentes épocas de la historia del arte, cuando comprendió que todos los artistas comparten un rasgo común: el arte es una vía, tanto para el creador como para el espectador, para comprender la vida y la condición humana de una forma más profunda.

Como ejemplo, menciona la obra 4’33” del compositor de vanguardia John Cage, creada en 1952. Esta pieza indica al músico que debe sentarse durante cuatro minutos y medio sin tocar una sola nota, con el objetivo de animar al público a escuchar su entorno y fomentar la conexión entre el arte y el mundo. “El arte no es únicamente una obra, sino un estilo de vida”, reflexiona. “Es una práctica de percepción, de mantenerse abierto al mundo. Espero seguir aprendiendo a ver a través del arte; es un estudio que dura toda la vida”.

El artista también considera que participar en certámenes como la Bienal de Venecia puede ayudar a los creadores a alcanzar este objetivo y a aumentar su visibilidad. Ng, que también imparte clases en la Academia de Artes Visuales de la Universidad Bautista de Hong Kong, se alegra de ver que los estudiantes de arte de la ciudad tienen hoy más oportunidades de conocer el mundo de las que él tuvo. “Muchos artistas hongkoneses estudian en el extranjero y regresan con nuevas perspectivas. Ese flujo de ideas mantiene la escena dinámica y cosmopolita”, asegura.

Ambos artistas viajarán a Venecia el próximo mes, acompañados por representantes del museo, para instalar sus obras de arte. “Considero que esto es solo el principio”, afirma Mok. “El HKMoA es el primer museo de arte público de Hong Kong. Nuestro papel consiste en construir una comunidad en la que nos apoyemos mutuamente y crezcamos juntos. No se trata de uno o dos artistas, sino de todo el sistema artístico de Hong Kong. Confío en que, juntos y en las próximas ediciones, logremos dar forma a todo esto a través del arte”.

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