Hongkonger Künstler bringen von Goldfischen und Wäsche inspirierte Kunst zur Biennale Venedig 2026

Huis Installationen sollen die Schönheit des alltäglichen Lebens in Hongkong veranschaulichen. Die Fenster bergen zudem eine weitere Ebene interkultureller Bedeutung: Wenn die Besucher aus diesen Fenstern auf die Straßen Venedigs blicken, erscheint es, als würden sie zwischen den beiden Städten wandeln. “Darüber hinaus symbolisieren die Fenster auch das Zuhause”, fügt sie hinzu. “Der Hintergrund jedes Besuchers ist unterschiedlich. Indem sie Venedig und dieses Hongkonger Kunstwerk durch ihre persönliche Linse erleben, erschaffen sie eine Form des Dialogs.”

Ng wiederum ließ sich von Wäsche inspirieren. Seit 2003 hat er mehrere Ausgaben der Biennale besucht und Zeit für Recherchen sowie Besichtigungen in Venedig verbracht. “Was mich am meisten faszinierte, waren die gewöhnlichen Bewohner, die jeden Tag ihre Kleidung auf den Straßen aufhängten”, erzählt er. “Es ist eine derart schlichte, wunderschöne Komposition aus Farbe, Größe, Textur und Form. Es wirkt wie eine zufällige kollektive Kunstinstallation, die 365 Tage im Jahr stattfindet — und das hat mich zutiefst bewegt.”

Er fühlte sich an die alten Wohnsiedlungen Hongkongs erinnert, wo aufgereihte farbenfrohe Wäsche wie Wimpelgirlanden aussah. “Diese alltägliche Schönheit verbindet beide Städte, und so entwickelte sich mein Entwurf aus diesem Gedanken heraus. Das Werk wird Licht und Schatten sowie sich verflechtende Fäden und Muster erkunden”, führt er aus. “Mein Werk ist eine Hommage an das tägliche Leben, ganz im Sinne der Kunstgeschichte der 1960er und 70er Jahre, in denen das Reinigen eines Museumsbodens selbst als Kunst gelten konnte.” Er bezieht sich dabei auf die amerikanische Feministin und Konzeptkünstlerin Mierle Laderman Ukeles, die 1969 das Konzept der ‘Maintenance Art’ (Erhaltungskunst) entwickelte. Sie nahm die alltäglichen, repetitiven Handlungen des Putzens und stellte sie als Galerieleistung in einen neuen Kontext. Ihr Ziel war es, die profanen, unsichtbaren Instandhaltungsaufgaben, die für das Funktionieren einer Kunstinstitution erforderlich sind und oft von Frauen ausgeführt werden, aufzuwerten.

Ngs Werk befasst sich nicht mit Geschlechterrollen, sondern zielt darauf ab, “die Poesie in der gewöhnlichen Instandhaltung zu würdigen”. Der Medienkünstler, der für seine ortsspezifischen, konzeptionellen Werke bekannt ist, wählt einen abstrakteren Ansatz als Hui und kreiert eine Installation aus hängender Kleidung und Stoffen. Wenn diese im Wind flattern, erzeugen sie laut Ng “subtile, immaterielle Empfindungen”. “Ich möchte, dass die Besucher die wunderschön wechselnden Formen und Nuancen der Schatten im Wind erleben”, sagt er.

Die Installationen von Ng und Hui wurden unabhängig voneinander konzipiert und erschaffen, doch sie glauben an eine tiefe Verbindung zwischen ihren Werken. “Unsere beiden Kreationen spielen mit dem Element von Licht und Schatten und präsentieren kulturelle Erinnerungen an Hongkong”, so Ng. “Angels Fenster verbinden unsere Werke. Es ist, als würden die Lichtstrahlen meiner Installation durch ihre Fenster fallen und mit den Schatten in ihrem Raum interagieren, während die Besucher in ihrem Bereich ebenfalls durch die Fenster blicken können, um meine Arbeit zu sehen. Es entsteht eine reizvolle Wechselwirkung zwischen unseren Werken.” Zum Zeitpunkt der Entstehung dieses Textes Ende Januar planten die beiden zudem, ihren Stücken Seifenblasenelemente hinzuzufügen, um die Verbindung zu verstärken: Das Geräusch platzender Blasen wird Teil der Hintergrundmusik in Huis Raum sein, während Ngs Wäschekonzept durch den schäumenden Klang waschender Kleidung untermalt wird.

Ng und Hui wurden aus einem Pool von rund 200 Kandidaten ausgewählt, um Hongkong auf der Biennale Venedig zu vertreten. Der Hongkong-Pavillon wird in diesem Jahr vom Hong Kong Museum of Art (HKMoA) und dem Hong Kong Arts Development Council organisiert. Maria Mok, Direktorin des HKMoA, erklärt, dass es einen strengen Auswahlprozess gab. Letztlich stachen die beiden mit Konzepten hervor, die das Thema der Biennale, ‘In Minor Keys’ (In Moll-Tonarten), sowie das Unterthema des Hongkong-Pavillons, ‘Fermata’ — benannt nach dem musikalischen Symbol für das Innehalten oder Verlängern einer Note — am besten interpretierten.

“In der Musik ist eine Moll-Tonart weicher als eine Dur-Tonart”, erläutert Mok. “Unsere beiden Künstler haben dieses Gefühl des Innehaltens in ihren Vorschlägen auf wunderschöne Weise verkörpert.” Ng ergänzt: “Es ist ein kuratorischer Rahmen, der zu stilleren Reflexionen einlädt. Es ist eine Abkehr vom Großen und Lauten. Es erinnert uns daran, die kleinen, alltäglichen Bemühungen der Menschen wahrzunehmen — selbst derjenigen, die tagtäglich Wäsche waschen. Wie können wir in einer Welt voller dramatischer Ereignisse unsere Aufmerksamkeit wieder auf die einfachsten Handlungen lenken? Wäschewaschen zum Beispiel ist im Kern ein Akt der Fürsorge. Wenn jeder von uns auch nur das geringste Maß an Respekt oder Dankbarkeit für Menschen empfindet, die solche Arbeiten verrichten, könnte sich die Welt anders anfühlen.”

Seit Hongkong im Jahr 2001 sein Debüt auf der Biennale feierte, hat der Pavillon sowohl Gruppen- als auch Einzelausstellungen präsentiert. Laut Mok war es ihr jedoch weniger wichtig, wie viele Künstler involviert sind, sondern vielmehr, wie sich die Geschichten der Stadt am besten erzählen lassen. “Ihre Entwürfe spiegelten den Puls und die Fragmente des alltäglichen Lebens wider, und die beiden ausgewählten Künstler ergänzen sich perfekt. Sie sind wahrlich ein ideales Paar.”

Beide Künstler zelebrieren seit jeher die kleinen Details selbst in den profansten Dingen. Hui schloss 2014 ihr Studium der bildenden Künste an der Hong Kong Baptist University und 2017 das Studium der Materialwissenschaften an der Central Academy of Fine Arts in Peking ab. In Peking begann sie, mit Texturen zu experimentieren, und interpretierte traditionelle Kunst auf zeitgenössische Weise sowie mit verschiedenen Materialien neu. Ihr erstes großes Werk, das ihren Ruf begründete, war ihr Abschlussprojekt: Taschentücher, bemalt mit Mustern aus blau-weißem Porzellan — eine spielerische, moderne Interpretation chinesischer blau-weißer Keramik. “Ich habe Monate für diese filigranen Muster auf Taschentüchern aufgewendet. Zu Hause habe ich Hunderte davon zum Trocknen ausgebreitet”, erinnert sie sich lachend. “Meine Familie traute sich kaum noch, zu Hause Taschentücher zu benutzen, aus Sorge, es könnte sich um ‘Kunst’ handeln. Heute, wenn sie sehen, wie meine Werke Alltagsgegenstände humorvoll neu kombinieren, fragen sie: ‘Darf man das anfassen?’ Es ist eine wunderbare Interaktion zwischen Leben und Kunst.”

Später erweiterte sie dieses Konzept und kreierte Porzellanstücke, die entweder mit zeitgenössischen, humorvollen Motiven bemalt sind — etwa ein Teller mit dem Porträt von Van Gogh, der während der Pandemie eine Gesichtsmaske trägt — oder in Form von Handtaschen, Telefonen und sogar nostalgischen Süßwaren gefertigt wurden. So präsentierte sie auf der letztjährigen Affordable Art Fair einen Stand im Stil eines altmodischen Lebensmittelgeschäfts mit White Rabbit-Bonbons, Chupa Chups-Lollies und Vintage-Vitasoy-Milchflaschen.

“Genau das liebe ich: Dinge hervorzuheben, die oft übersehen werden, und sie zu den Protagonisten auf einer Bühne zu machen”, erklärt sie. “Wir borgen uns Elemente aus der Geschichte und interpretieren sie neu. Selbst wenn ich blau-weiße Motive verwende, die typisch für die chinesische Porzellankunst sind, repliziere ich kein Porzellan; ich kombiniere gefundene Objekte, um eine neue Bedeutung zu erschaffen. Das ist der Geist der zeitgenössischen Kunst — temperamentvoll, jugendlich, dynamisch.”

Auch Ngs Weg zum Künstler ist tief im Alltäglichen verwurzelt. “Meine Liebe zur Kunst begann bei meinem Großvater. Er nannte alles, was er im Leben tat, ‘die Kunst des Lebens’: die Kunst, gut zu essen, Auto zu fahren, alltägliche Handlungen auszuführen. Damals verstand ich nicht, was er damit meinte.” Erst in der weiterführenden Schule, als er sich mit verschiedenen Epochen der Kunstgeschichte befasste, erkannte er, dass alle Künstler eines gemeinsam haben: Kunst ist sowohl für den Schöpfer als auch für den Betrachter ein Mittel, um das Leben und die menschliche Existenz in einem tieferen Sinn zu begreifen.

Als Beispiel führt er das Werk 4’33” des Avantgarde-Komponisten John Cage aus dem Jahr 1952 an — es weist den Musiker an, viereinhalb Minuten lang zu sitzen und keinen einzigen Ton zu spielen. Das Ziel ist es, das Publikum dazu zu ermutigen, seiner Umgebung zuzuhören und eine Verbindung zwischen Kunst und Welt zu fördern. “Kunst ist nicht nur ein Kunstwerk, sondern eine Lebensweise”, sagt er. “Es ist eine Praxis der Wahrnehmung, um der Welt gegenüber offen zu bleiben. Ich hoffe, immer weiter zu lernen, wie man durch die Kunst sieht — es ist ein lebenslanges Studium.”

Er ist zudem davon überzeugt, dass die Teilnahme an Veranstaltungen wie der Biennale Venedig Künstlern dabei helfen kann, dieses Ziel zu erreichen und ihre Sichtbarkeit zu erhöhen. Ng, der auch an der Academy of Visual Arts der Hong Kong Baptist University lehrt, freut sich darüber, dass Kunststudenten in Hongkong heutzutage mehr Möglichkeiten haben, die Welt zu entdecken, als es bei ihm der Fall war. “Viele Hongkonger Künstler studieren im Ausland und kehren dann mit neuen Perspektiven zurück. Dieser Ideenfluss hält die Szene dynamisch und weltoffen”, konstatiert er.

Das Duo wird im kommenden Monat gemeinsam mit Vertretern des Museums nach Venedig reisen, um die Kunstwerke zu installieren. “Ich sehe dies erst als den Anfang”, betont Mok. “Das HKMoA ist Hongkongs erstes öffentliches Kunstmuseum. Unsere Rolle besteht darin, eine Gemeinschaft aufzubauen, in der wir uns gegenseitig unterstützen und gemeinsam wachsen. Es geht nicht nur um ein oder zwei Künstler, sondern um das gesamte Kunstsystem Hongkongs. Ich hoffe, dass wir dies in den kommenden Ausgaben gemeinsam durch die Kunst gestalten können.”

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