Compagno di studi di David Hockney, l’artista Frank Bowling esplora l’arte dell’inchiostro cinese per la sua prima personale in Asia

In un’e-mail, l’artista mi confida: “Sono sempre alla ricerca della novità. Se esiste una filosofia nel mio lavoro, ha a che fare con il ‘renderlo nuovo’, spingendo al limite le possibilità della pittura. Voglio creare qualcosa con il colore che non sia mai stato visto prima.”

L’ossessione di Frank Bowling per la consistenza fluida, esemplificata nei suoi “dipinti versati”, può essere parzialmente spiegata dal fatto che ha trascorso tutta la vita vicino all’acqua. È nato a Bartica, una piccola città sulle rive dell’Essequibo, il fiume più grande della Guyana britannica.

Nel 1959 si è iscritto al Royal College of Art di Londra. Qui si è dedicato a dipinti con elementi figurativi: autoritratti, ritratti del padre, la serie dei Beggar dedicata alle persone in povertà, dipinti di cigni e donne che partoriscono, fino a opere politiche come il ritratto dell’esecuzione di Patrice Lumumba, il primo presidente di quella che oggi è la Repubblica Democratica del Congo.

Il suo talento grezzo lo ha rapidamente spinto verso vette elevate al college d’arte: ha ottenuto la prestigiosa medaglia d’argento per la pittura nello stesso anno in cui il suo compagno David Hockney vinceva l’oro. Tuttavia, dopo la laurea, Frank Bowling si è scontrato con un ambiente artistico britannico profondamente conservatore e rigido, incapace di accogliere un creatore nero e post-coloniale che proponeva un’avanguardia sofisticata. Nel documentario della BBC del 2019 Frank Bowling’s Abstract World, ha dichiarato: “David Hockney ottenne cattedre d’insegnamento a tempo pieno. A me nessuno ha offerto nulla.”

Nonostante abbia stretto contatti e presentato le sue opere in alcune mostre all’inizio degli anni ’60, è stato escluso da importanti esposizioni collettive; non sarebbe stato rappresentato da una galleria britannica fino al 2005. Desideroso di indipendenza artistica e libertà creativa, incoraggiato da Carel Weight, allora professore di pittura al Royal College of Art, si è trasferito a New York nel 1966.

“Ho sempre rifiutato di essere incasellato”, afferma Frank Bowling. “A Londra, agli inizi, mi sentivo limitato dalle aspettative altrui, dalla convinzione che la mia opera fosse una sorta di dichiarazione post-coloniale o che avesse a che fare con colori tropicali ed esotici. Era come una camicia di forza. Bramavo la libertà.”

“New York è stata enormemente liberatoria”, ricorda. Frank Bowling si è immerso nella scena d’avanguardia locale, stringendo amicizia con figure come l’artista americano Jasper Johns e partecipando a continui e rigorosi dialoghi con il formidabile critico d’arte Clement Greenberg, incontrato in occasione della sua personale al Whitney Museum of American Art nel 1971.

“Clem mi disse che non c’erano zone precluse a un artista”, scrive. “Mi ha fatto sentire il diritto di spingere il mio lavoro in qualsiasi direzione desiderassi. Da allora, mi sono sempre sentito libero di essere un artista. È l’unica categoria che sia mai stata davvero importante. Sostengo che la mia arte sia più complessa di qualsiasi etichetta, e che le etichette siano sempre state più utili a chi le applica che a me.”

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All’inizio degli anni ’70, Frank Bowling aveva abbandonato completamente la figurazione per dedicarsi all’astrazione pura, dichiarando che il genere gli garantiva il massimo senso di libertà e piacere personale. Ha iniziato una serie di opere note come “mappe”. Invece di elementi geografici letterali, ha creato tele espansive immerse nel colore che contengono contorni stampati di continenti — spesso Sud America, Africa e Australia — inseriti in campi di colori vivaci. Oltre a servire come un’esplorazione profondamente personale dello spostamento e della migrazione, questi dipinti hanno spesso centrato l’emisfero australe, rifiutando la cartografia eurocentrica che domina tradizionalmente le prospettive occidentali.

Nel creare i dipinti, ha permesso a polvere depositata, gel acrilici e oggetti trovati sulle rive dei fiumi di coagularsi sulla tela. “Inizio con una struttura, una geometria, un’idea di come la cosa possa reggersi. Ma poi il materiale inizia ad affermarsi: il suo peso, il modo in cui asciuga, il modo in cui riflette o assorbe la luce”, mi spiega. “Lasci che il materiale si affermi e trovi un modo per lavorare con esso, piuttosto che contro di esso.”

Nelle sue opere c’è anche traccia dell’influenza della madre, sarta e modista di professione. Frank Bowling è cresciuto osservandola assemblare modelli e tessuti alla macchina da cucire: un ricordo fondamentale che lo ha portato successivamente a sperimentare con tessuti e tele cucite.

Anche l’acqua ha influenzato a lungo la sua pratica. Quando si è trasferito a Londra, viveva a pochi passi dal Tamigi; il loft di Brooklyn in cui si è stabilito nel 1990 affacciava sull’East River. “Ancora oggi vivo a una sola strada dal Tamigi”, scrive. “Lo attraverso ogni giorno per andare in studio. Ogni volta che varco il ponte, sono attratto dal modo in cui la luce si riflette e si rifrange sulla superficie dell’acqua.”

Questa curiosità per il modo in cui si muove il liquido costituisce la base di un altro gruppo di opere. Per i suoi iconici “poured paintings” degli anni ’70, esemplificati da pezzi come Crevice Reflecting Morning Light (1977), presente nella mostra di Hong Kong, Frank Bowling inclinava la tela per consentire alla pittura acrilica liquida di scorrere liberamente sulla superficie. La tecnica bilanciava il controllo umano consapevole con il caso naturale, mimando il ritmo elementare della marea costiera.

“La mia preoccupazione principale, anche nei primi lavori figurativi, è sempre stata rivolta a ciò che accade alla pittura stessa, al modo in cui il colore si muove e, naturalmente, alla consistenza e alla superficie”, spiega. “Vedere il colore spandersi, vedere cosa emerge in superficie, lasciando che la pittura guidi il processo [mi ha dato] la sicurezza di affermare che il soggetto della pittura è la pittura stessa.”

Questa metodologia fluida ha portato a una sorprendente varietà di formati, spaziando da minuscoli quadrati di tela di soli 10 cm fino a monumentali panorami astratti che si estendono per 13 metri — che a quanto pare non sono ancora abbastanza. “Mio padre ha recentemente rivelato al Guardian di aver sognato di vedere quel dipinto di 13 metri in una chiesa, immaginando che aggiungendo un’ala di due metri per lato, il dipinto avrebbe potuto volare, arrivando a circa 17 metri di larghezza”, racconta il figlio. “E gli ho detto: ‘Papà, quasi nessun posto al mondo può ospitare un’opera simile.’ Ma questo la dice lunga sulla profondità e la forza della sua ambizione a 92 anni.”

L’artista continua a dipingere ogni giorno nel suo studio nel sud di Londra, supportato da un team di 15 persone, tra cui nipoti, assistenti, archivisti e ricercatori. Sebbene le limitazioni fisiche lo costringano su una sedia a rotelle, la sua mente e la sua ambizione creativa rimangono illimitate. Dirige le azioni, spruzza acqua e osserva i suoi assistenti mentre applicano pigmenti vibranti. Il suo studio accoglie ogni giorno una schiera di visitatori, tra cui, recentemente, lo stilista inglese Sir Paul Smith, che è passato a luglio per vivere in prima persona il processo creativo di Frank Bowling.

Dopo la mostra di Hong Kong, sono stati pianificati progetti per espandere le esposizioni dell’artista dall’Europa e dagli Stati Uniti all’Asia orientale. Ben Bowling ha visitato gallerie e musei a Hong Kong, Guangzhou e Shenzhen, stabilendo contatti con curatori a Taiwan e in Giappone per identificare potenziali location. Vede questa prima mostra di Hong Kong come il completamento di un cerchio che suo padre sognava da giovane, e come l’inizio di nuove collaborazioni.

Quanto all’artista, è appena all’inizio dell’esplorazione di acque ancora inesplorate. “Gli artisti dell’inchiostro cinese lavorano con l’acqua e la tecnica bagnato su bagnato in modi straordinariamente simili a ciò che faccio da oltre 60 anni”, mi confida. “Sono sinceramente interessato a vedere quali connessioni farà il pubblico visitando la mostra a Hong Kong.” Non potendo prevedere come verrà recepito il suo lavoro, vive ogni nuovo incontro artistico come un’avventura.

“È come un corpo d’acqua in cui non sei ancora entrato: lo provi con il piede, osservi come si muove. L’acqua è la sostanza del colore; è la sostanza della vita; è la sostanza di cui sono fatto io.”

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