फ्रैंक बॉलिंग (Frank Bowling) ने डेविड हॉकनी (David Hockney) के साथ कक्षा साझा की थी — अब वे अपने पहले पूर्वी एशियाई एकल प्रदर्शन के लिए चीनी स्याही कला अपना रहे हैं

एक ईमेल में, कलाकार मुझसे कहते हैं: “मैं हमेशा नवीनता की तलाश में रहता हूँ. यदि उनकी कला में कोई दर्शन है, तो इसका संबंध इसे नया बनाने, पेंट क्या कर सकता है इसकी संभावनाओं को आगे बढ़ाने से है. [मैं चाहता हूँ] पेंट के साथ कुछ ऐसा बनाना जो पहले कभी नहीं देखा गया हो.”

पेंट की तरल बनावट के प्रति बॉलिंग (Frank Bowling) का जुनून, जो उनकी पोर्ड पेंटिंग में दिखता है, इसे कम से कम आंशिक रूप से उनके पानी के पास जीवन बिताने के कारण समझाया जा सकता है. उनका जन्म बार्टिका में हुआ था, जो ब्रिटिश गुयाना (अब गुयाना) की सबसे बड़ी नदी एसेक्विबो के तट पर बसा एक छोटा सा शहर है, जहां वे अक्सर नेशनल गैलरी और टेट (Tate) संग्रहालय में जाते थे, और उन्होंने पहली बार चित्र बनाने के लिए पेंसिल उठाई थी.

1959 में, उन्होंने लंदन के रॉयल कॉलेज ऑफ आर्ट में प्रवेश लिया. यहां, उन्होंने आलंकारिक तत्वों वाले चित्रों पर व्यापक रूप से काम किया: आत्म-चित्र; अपने पिता के चित्र; गरीब लोगों की तथाकथित बेगर (Beggar) श्रृंखला; हंसों के चित्र, और महिलाओं के प्रसव के चित्र; और राजनीतिक कार्य, जिसमें वर्तमान कांगो लोकतांत्रिक गणराज्य के पहले राष्ट्रपति पैट्रिस लुमुंबा की फांसी का चित्र शामिल है.

उनकी कच्ची प्रतिभा ने उन्हें कला विद्यालय में जल्दी ही बड़ी ऊंचाइयों पर पहुँचा दिया—उन्होंने उसी वर्ष पेंटिंग के लिए प्रतिष्ठित रजत पदक अर्जित किया जिस वर्ष उनके सहपाठी डेविड हॉकनी ने स्वर्ण पदक जीता था. लेकिन स्नातक होने के बाद, बॉलिंग (Frank Bowling) का सामना एक बेहद रूढ़िवादी और कठोर ब्रिटिश कला परिदृश्य से हुआ, जो यह नहीं जानता था कि उत्तर-औपनिवेशिक, अश्वेत निर्माता को कैसे समायोजित किया जाए जो परिष्कृत अवांत-गार्डे (avant-garde) कथन बना रहा था. 2019 की बीबीसी डॉक्यूमेंट्री फ्रैंक बॉलिंग्स एब्सट्रैक्ट वर्ल्ड (Frank Bowling’s Abstract World) में, उन्होंने कहा: “डेविड हॉकनी को पूर्णकालिक शिक्षण नौकरियां मिलीं. किसी ने मुझे कोई शिक्षण कार्य नहीं दिया.”

यद्यपि बॉलिंग (Frank Bowling) ने 1960 के दशक की शुरुआत में कुछ संबंध बनाए और कई प्रदर्शनियों में अपना काम प्रस्तुत किया, लेकिन उन्हें प्रमुख समूह शो से बाहर रखा गया; उन्हें 2005 तक किसी यूके गैलरी द्वारा प्रतिनिधित्व नहीं दिया गया था. वह कलात्मक स्वतंत्रता और रचनात्मक आज़ादी के लिए बेताब थे; रॉयल कॉलेज ऑफ आर्ट में पेंटिंग के तत्कालीन प्रोफेसर कारेल वेट (Carel Weight) के प्रोत्साहन पर, जिन्होंने उनसे कहा, “यदि आप एक अमूर्त कलाकार बनने जा रहे हैं, तो यहाँ मत रहो”, वह 1966 में न्यूयॉर्क चले गए.

बॉलिंग (Frank Bowling) कहते हैं, “मैंने हमेशा एक वर्ग में बंधने से इनकार किया है—हमेशा.” “लंदन में, जब मैं शुरुआत कर रहा था, तो मैंने दूसरों की उम्मीदों के कारण खुद को सीमित महसूस किया, उनका यह मानना कि मेरा काम किसी प्रकार का उत्तर-औपनिवेशिक कथन था, या उष्णकटिबंधीय रंग या विदेशी चीजों से संबंधित था. यह एक स्ट्रेटजैकेट की तरह था. मैं आज़ादी के लिए तरस रहा था.”

“न्यूयॉर्क बहुत ही मुक्तिदायक था,” वे याद करते हैं. बॉलिंग (Frank Bowling) स्थानीय अवांत-गार्डे दृश्य में डूब गए, अमेरिकी युद्धोत्तर कलाकार जैस्पर जॉन्स जैसी हस्तियों के साथ दोस्ती की और प्रसिद्ध कला समीक्षक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग के साथ निरंतर, कठोर संवाद में शामिल हुए, जिनसे उनकी मुलाकात 1971 में व्हिटनी म्यूजियम ऑफ अमेरिकन आर्ट में उनकी एकल प्रदर्शनी के दौरान हुई थी.

वह लिखते हैं, “क्लेम [ग्रीनबर्ग] ने मुझसे कहा कि कलाकार के लिए कोई भी क्षेत्र वर्जित नहीं है.” “उन्होंने मुझे महसूस कराया कि मेरे पास अपने काम को किसी भी दिशा में ले जाने का अधिकार है जिसे मैं चाहता हूँ. तब से, मैंने हमेशा एक कलाकार के रूप में स्वतंत्र महसूस किया है. केवल यही श्रेणी है जो वास्तव में मायने रखती है. मैं जोर देकर कहूँगा कि मेरी कला किसी भी एक लेबल द्वारा कैप्चर की जा सकने वाली चीज़ से कहीं अधिक जटिल है, और लेबल हमेशा उन्हें लगाने वाले व्यक्ति के लिए मेरे लिए उपयोगी होने से अधिक रहे हैं.”

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1970 के दशक की शुरुआत तक, बॉलिंग (Frank Bowling) ने शुद्ध अमूर्त कला की ओर पूरी तरह से झुकने के लिए आलंकारिक प्रतिनिधित्व को पूरी तरह से त्याग दिया था, यह घोषित करते हुए कि शैली ने उन्हें व्यक्तिगत स्वतंत्रता और खुशी की सबसे बड़ी भावना प्रदान की. उन्होंने “मैप पेंटिंग्स” (मानचित्र चित्रों) के रूप में जाने जाने वाले कार्यों का एक नया संग्रह शुरू किया. शाब्दिक, भौगोलिक विशेषताओं के बजाय, उन्होंने विशाल, रंग-सराबोर कैनवास बनाए जिनमें महाद्वीपों—अक्सर दक्षिण अमेरिका, अफ्रीका और ऑस्ट्रेलिया—की रूपरेखाएँ जीवंत, उड़ेले गए रंगों के क्षेत्रों में अंतर्निहित थीं. विस्थापन और प्रवास की गहरी व्यक्तिगत खोज के रूप में काम करने के साथ-साथ, ये चित्र अक्सर दक्षिणी गोलार्ध को केंद्र में रखते थे, जो पारंपरिक रूप से पश्चिमी दृष्टिकोणों पर हावी यूरोसेंट्रिक मानचित्रण को अस्वीकार करते थे.

चित्रों को बनाते समय, उन्होंने जमी हुई धूल, एक्रिलिक जैल और नदी के किनारों से मिली वस्तुओं को कैनवास पर जमा होने दिया. वह मुझे बताते हैं, “मैं एक संरचना, कुछ ज्यामिति, इस विचार के साथ शुरुआत करता हूँ कि चीज़ कैसे पकड़ बना सकती है. लेकिन फिर सामग्री खुद को स्थापित करने लगती है: इसका वजन, इसके सूखने का तरीका, यह प्रकाश को कैसे प्रतिबिंबित या अवशोषित करती है.” “आप सामग्री को खुद को स्थापित करने देते हैं और इसके खिलाफ काम करने के बजाय इसके साथ काम करने का एक तरीका खोजते हैं.”

उनके कार्यों में उनकी मां के दर्जी और मिलिनर (टोपी निर्माता) के पेशे के प्रभाव का भी प्रमाण है. बॉलिंग (Frank Bowling) अपनी मां को सिलाई मशीन पर पैटर्न और कपड़े एक साथ जोड़ते हुए देखकर बड़े हुए—एक मौलिक स्मृति जिसने बाद में उन्हें कपड़ों और सिलाई किए गए कैनवास के साथ प्रयोग करने के लिए प्रेरित किया.

पानी ने भी लंबे समय से उनकी कला को प्रभावित किया है. जब वह पहली बार लंदन गए, तो वे टेम्स नदी से थोड़ी ही दूरी पर रहते थे; ब्रुकलिन का वह लॉफ्ट जिसमें वे 1990 में चले गए, वह ईस्ट रिवर की ओर देखता था. वह लिखते हैं, “[अभी भी,] मैं टेम्स से केवल एक सड़क दूर रहता हूँ.” “मैं हर दिन स्टूडियो के रास्ते में इसे पार करता हूँ. हर बार जब मैं पुल पार करता हूँ, तो मैं उस तरह से आकर्षित होता हूँ जिस तरह से प्रकाश पानी की सतह पर प्रतिबिंबित और अपवर्तित होता है.”

तरल पदार्थ के हिलने के तरीके के बारे में यह जिज्ञासा कार्यों के एक अन्य समूह का आधार बनती है. 1970 के दशक की उनकी प्रतिष्ठित “पोर्ड पेंटिंग्स” के लिए, जिसका उदाहरण क्रेविस रिफ्लेक्टिंग मॉर्निंग लाइट (1977) जैसा टुकड़ा है, जो हांगकांग प्रदर्शनी में प्रदर्शित है, बॉलिंग (Frank Bowling) ने तरल एक्रिलिक पेंट को सतह पर स्वतंत्र रूप से गिरने देने के लिए कैनवास को झुकाया. इस तकनीक ने सचेत मानवीय नियंत्रण को प्राकृतिक संयोग के साथ संतुलित किया, जो तटीय ज्वार की लयबद्ध, मौलिक गति की नकल करता था.

वे समझाते हैं, “मेरी मुख्य चिंता, शुरुआती आलंकारिक कार्यों में भी, हमेशा इस बात पर रही है कि पेंट के साथ क्या हो रहा है, पेंट कैसे चलता है और, निश्चित रूप से, रंग, बनावट और सतह.” “इसे फैलते और रिसते हुए देखना, सतह पर क्या आता है यह देखना, पेंट को आगे रहने देना—मोटा और पतला, गीले-पर-गीला—[ने मुझे] यह दावा करने का आत्मविश्वास दिया कि पेंटिंग का विषय पेंट ही है.”

इस तरल पद्धति के परिणामस्वरूप प्रारूपों की एक आश्चर्यजनक विविधता सामने आई है, जो केवल 10 सेमी चौड़े छोटे कैनवास वर्गों से लेकर 13 मीटर तक फैले स्मारकीय, विस्तृत अमूर्त पैनोरमा तक फैली हुई है—जो स्पष्ट रूप से अभी भी पर्याप्त बड़े नहीं हैं. उनका बेटा कहता है, “मेरे पिता ने हाल ही में द गार्जियन को बताया कि उन्होंने सपना देखा कि उन्होंने एक चर्च में यह 13-मीटर की पेंटिंग देखी और देख सकते थे कि यदि आप प्रत्येक तरफ दो-मीटर का पंख जोड़ते हैं, तो पेंटिंग उड़ सकती है—इसलिए यह लगभग 17 मीटर चौड़ी हो जाती है.” “और मैंने कहा, ‘पिताजी, दुनिया में लगभग कहीं भी आप इसे लटका नहीं सकते.’ लेकिन यह मुझे 92 साल की उम्र में उनकी महत्वाकांक्षा की गहराई और ताकत के बारे में कुछ बताता है.”

कलाकार अभी भी दक्षिण लंदन में अपने स्टूडियो में हर दिन पेंट करते हैं, जहां उन्हें 15 लोगों की एक टीम का सहयोग प्राप्त है. इनमें उनके पोते फ्रेडरिक बॉलिंग (Frederik Bowling) जैसे स्टूडियो सहायक, साथ ही स्टूडियो प्रबंधक, संग्रहपाल और शोधकर्ता शामिल हैं. हालांकि शारीरिक सीमाएं उन्हें व्हीलचेयर का उपयोग करने के लिए मजबूर करती हैं, लेकिन उनका मन और रचनात्मक महत्वाकांक्षा अप्रतिबंधित है. वह कार्यों को निर्देशित करते हैं, पानी का छिड़काव करते हैं और अपने सहायकों को देखते हैं जैसे वे जीवंत पिगमेंट लगाते हैं. उनका स्टूडियो हर दिन आगंतुकों की एक प्रेरक श्रृंखला की मेजबानी करता है—हाल ही में, अंग्रेजी फैशन डिजाइनर सर पॉल स्मिथ, जो बॉलिंग (Frank Bowling) की रचनात्मक प्रक्रिया का प्रत्यक्ष अनुभव करने के लिए जुलाई में आए थे.

हांगकांग शो के बाद से, कलाकार की प्रदर्शनियों को यूरोप और अमेरिका से पूर्वी एशिया तक विस्तारित करने की योजना बनाई गई है. बेन बॉलिंग हांगकांग, गुआंगज़ौ, शेन्ज़ेन में दीर्घाओं और संग्रहालयों का दौरा कर रहे हैं, और ताइवान और जापान में स्थित संग्रहालय निदेशकों और क्यूरेटरों के साथ संभावित स्थानों की पहचान करने के लिए संपर्क कर रहे हैं. वह इस पहले हांगकांग प्रदर्शन को अंततः उस चक्र को पूरा करने के रूप में देखते हैं जिसका उनके पिता ने 20 के दशक में एक सैनिक के रूप में सपना देखा था लेकिन कभी हासिल नहीं किया; और नए सहयोगों की शुरुआत के रूप में.

जहाँ तक स्वयं कलाकार की बात है, वह अभी अज्ञात जल के एक और क्षेत्र का पता लगाना शुरू कर रहे हैं. “चीनी स्याही कलाकार पानी और गीले-पर-गीला तकनीक के साथ ऐसे तरीकों से काम करते हैं जो 60 से अधिक वर्षों से मैं जो कर रहा हूँ उसके काफी समान हैं,” वे मुझे बताते हैं. “मैं वास्तव में यह देखने के लिए उत्सुक हूँ कि जब लोग हांगकांग में काम देखते हैं तो वे क्या संबंध बनाते हैं.” हालांकि वह यह अनुमान नहीं लगा सकते कि लोग उनके काम का अनुभव कैसे करेंगे, वह हर नए कलात्मक मुठभेड़ को एक साहसिक कार्य की तरह देखते हैं.

“यह पानी के एक ऐसे शरीर की तरह है जिसमें आपने अभी तक कदम नहीं रखा है: आप इसे अपने पैर से जांचते हैं, आप देखते हैं कि यह कैसे चलता है. पानी पेंट की सामग्री है; यह जीवन की सामग्री है; यह वही सामग्री है जिससे मैं बना हूँ.”

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