Il partageait sa classe avec David Hockney — aujourd’hui, Frank Bowling s’imprègne de l’art à l’encre chinois pour sa première exposition en Asie de l’Est

Dans un échange par e-mail, l’artiste confie : “Je suis sans cesse en quête de renouveau. Ma philosophie consiste à faire du neuf, à explorer les possibilités infinies de la peinture. Je souhaite créer, avec la matière, quelque chose qui n’a jamais été vu auparavant.”

L’obsession de Frank Bowling pour la texture fluide de la peinture, illustrée par ses “poured paintings”, trouve probablement ses racines dans sa proximité constante avec l’eau. Né à Bartica, petite ville sur les rives de l’Essequibo, le plus grand fleuve de Guyane britannique, il a grandi au rythme des courants.

En 1959, il intègre le Royal College of Art de Londres. À cette époque, il se consacre à des peintures figuratives : autoportraits, représentations de son père, sa série Beggar sur les démunis, ou encore des œuvres politiques comme celle commémorant l’exécution de Patrice Lumumba, premier président de l’actuelle République démocratique du Congo.

Son talent brut l’a rapidement propulsé au sommet de l’école d’art, où il a reçu la médaille d’argent pour la peinture la même année que son camarade David Hockney remportait la médaille d’or. Cependant, après l’obtention de son diplôme, Frank Bowling s’est heurté à une scène artistique britannique conservatrice qui ne savait comment intégrer un artiste noir post-colonial proposant des déclarations avant-gardistes sophistiquées. Dans le documentaire de 2019 Frank Bowling’s Abstract World, il déplorait : “David Hockney a obtenu des postes d’enseignant à plein temps. Personne ne m’a jamais rien proposé.”

Malgré quelques expositions au début des années 1960, il restait exclu des grandes manifestations de groupe ; aucune galerie britannique ne l’a représenté avant 2005. En quête d’indépendance artistique, il a déménagé à New York en 1966, encouragé par Carel Weight, alors professeur de peinture au Royal College of Art, qui lui avait conseillé : “Si vous voulez être un artiste abstrait, ne restez pas ici.”

“J’ai toujours refusé d’être mis dans une case, toujours”, affirme Frank Bowling. “À mes débuts à Londres, je me sentais limité par les attentes d’autrui, par cette idée que mon travail était une forme de déclaration post-coloniale, ou qu’il se réduisait à des couleurs tropicales ou exotiques. C’était une camisole de force. J’aspirais à la liberté.”

“New York a été incroyablement libérateur”, se souvient-il. Bowling s’est immergé dans la scène avant-gardiste locale, nouant des liens avec des figures comme Jasper Johns et entamant un dialogue rigoureux avec le critique Clement Greenberg, rencontré lors de son exposition solo au Whitney Museum of American Art en 1971.

“Clem m’a dit qu’il n’y avait pas de zones interdites pour un artiste”, écrit-il. “Il m’a donné le sentiment que j’avais le droit de pousser mon travail dans n’importe quelle direction. Depuis, je me sens libre d’être un artiste. C’est la seule catégorie qui compte vraiment. Mon art est bien plus complexe que n’importe quelle étiquette.”

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Au début des années 1970, Frank Bowling a totalement abandonné la figuration pour se consacrer à l’abstraction pure. Il a lancé ses célèbres “map paintings”, où des contours de continents—souvent l’Amérique du Sud, l’Afrique et l’Australie—sont sérigraphiés sur des champs de couleurs vives. Ces œuvres, explorant le déracinement et la migration, placent l’hémisphère sud au centre, rejetant ainsi la cartographie eurocentrée traditionnelle.

Lorsqu’il créait, il laissait la poussière, les gels acryliques et des objets trouvés sur les rives coaguler sur la toile. “Je commence par une structure, une idée de la tenue de l’œuvre, mais la matière finit par s’affirmer : son poids, son séchage, sa façon d’absorber la lumière”, explique-t-il. “Il faut laisser la matière parler et collaborer avec elle.”

On retrouve également dans ses œuvres l’influence de sa mère, couturière et modiste, dont il a observé toute l’enfance le travail de découpe et d’assemblage de motifs et de tissus, ce qui l’a amené à expérimenter avec la couture sur toile.

L’eau influence son travail depuis toujours. À Londres comme à Brooklyn, il a vécu au bord de l’eau. “Je vis à quelques pas de la Tamise”, écrit-il. “Je la traverse quotidiennement pour aller à l’atelier. Chaque fois, je suis fasciné par la manière dont la lumière se reflète et se réfracte sur sa surface.”

Cette curiosité pour le mouvement des liquides est au cœur de ses célèbres “poured paintings” des années 1970. Dans Crevice Reflecting Morning Light (1977), actuellement exposée à Hong Kong, il inclinait la toile pour permettre à l’acrylique de couler librement. La technique équilibre le contrôle conscient et le hasard naturel, mimant le rythme d’une marée côtière.

“Ma principale préoccupation a toujours été la peinture elle-même : son mouvement, sa couleur, sa texture. En voyant la peinture se répandre, j’ai eu la confiance nécessaire pour affirmer que le sujet de la peinture, c’est la peinture elle-même.”

Cette approche fluide a permis une diversité de formats, allant de petits carrés de 10 cm à des panoramas monumentaux de 13 mètres de long. “Mon père a récemment confié au Guardian qu’il avait rêvé que ce tableau de 13 mètres dans une église pouvait s’envoler si l’on ajoutait deux ailes de deux mètres, le portant à 17 mètres”, raconte son fils. “Je lui ai dit : ‘Papa, aucun lieu au monde ne peut accueillir cela.’ Mais cela en dit long sur l’ambition débordante de Frank Bowling à 92 ans.”

L’artiste peint chaque jour dans son atelier du sud de Londres, assisté par une équipe de 15 personnes, dont son petit-fils Frederik Bowling. Malgré un fauteuil roulant, son esprit créatif reste sans limites. Il dirige les opérations, pulvérise de l’eau et observe ses assistants. Son atelier accueille régulièrement des visiteurs inspirés, dont le styliste Sir Paul Smith, venu observer son processus de création en juillet.

Depuis l’exposition de Hong Kong, des plans sont en cours pour étendre ses présentations à toute l’Asie de l’Est. Ben Bowling explore des galeries et musées à Hong Kong, Guangzhou, Shenzhen, ainsi qu’à Taïwan et au Japon. Pour lui, cette première rétrospective à Hong Kong boucle un cercle que son père n’avait pu accomplir durant sa jeunesse militaire.

Quant à l’artiste, il explore de nouveaux horizons. “Les artistes chinois travaillent l’eau et la technique humide sur humide d’une manière remarquablement proche de ce que je fais depuis 60 ans”, confie-t-il. “Je suis curieux de voir les connexions que le public fera à Hong Kong.” Pour lui, chaque rencontre artistique est une aventure.

“C’est comme une étendue d’eau dans laquelle vous n’avez pas encore plongé : vous testez le courant avec le pied. L’eau est la matière même de la peinture, la matière de la vie, la matière dont je suis fait.”

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