Compartió aula con David Hockney, y ahora Frank Bowling adopta el arte con tinta china para su primera exposición individual en Asia Oriental

En un correo electrónico, el artista me comenta: “Siempre estoy buscando la novedad. Si hay una filosofía en mi práctica, tiene que ver con renovarse, con empujar las posibilidades de lo que la pintura puede hacer. [Quiero] hacer algo con pintura que nunca se haya visto antes”.

La obsesión de Frank Bowling por la textura fluida de la pintura, ejemplificada en sus lienzos vertidos, puede explicarse en parte porque ha pasado toda su vida cerca del agua. Nació en Bartica, una pequeña ciudad a orillas del Essequibo, el río más grande de la Guayana Británica (actualmente Guyana), donde visitaba con frecuencia la National Gallery y la Tate, y tomó un lápiz para dibujar por primera vez.

En 1959, se matriculó en el Royal College of Art de Londres. Allí trabajó extensamente en pinturas con elementos figurativos: autorretratos; pinturas de su padre; la serie Beggar de personas empobrecidas; pinturas de cisnes y mujeres dando a luz; y obras políticas, incluyendo una pintura sobre la ejecución de Patrice Lumumba, el primer presidente de lo que hoy es la República Democrática del Congo.

Su talento natural lo impulsó rápidamente a alcanzar grandes logros en la escuela de arte: obtuvo la prestigiosa medalla de plata en pintura el mismo año en que su compañero David Hockney ganó la de oro. Sin embargo, tras graduarse, Frank Bowling se enfrentó a una escena artística británica profundamente conservadora y rígida, que no sabía cómo acomodar a un creador negro postcolonial que realizaba declaraciones de vanguardia sofisticadas. En el documental de la BBC de 2019, Frank Bowling’s Abstract World, declaró: “David Hockney consiguió empleos de enseñanza a tiempo completo. A mí nadie me ofreció nada”.

Aunque Frank Bowling estableció algunos contactos y presentó su obra en varias exposiciones a principios de los años sesenta, fue excluido de importantes muestras colectivas; no sería representado por una galería del Reino Unido hasta 2005. Desesperado por obtener independencia artística y libertad creativa, y alentado por Carel Weight, entonces profesor de pintura en el Royal College of Art, quien le dijo: “Si vas a ser un artista abstracto, no te quedes aquí”, se mudó a Nueva York en 1966.

“Siempre me he negado a ser encasillado, siempre”, afirma Frank Bowling. “En Londres, cuando empezaba, me sentía limitado por las expectativas de los demás, por su creencia de que mi trabajo era una especie de declaración postcolonial o que tenía algo que ver con colores tropicales o temas exóticos. Era como una camisa de fuerza. Yo anhelaba libertad”.

“Nueva York fue enormemente liberadora”, recuerda. Frank Bowling se sumergió en la escena vanguardista local, forjando amistades con figuras como el artista estadounidense de posguerra Jasper Johns y manteniendo un diálogo riguroso y continuo con el formidable crítico de arte Clement Greenberg, a quien conoció alrededor de la época de su exposición individual de 1971 en el Whitney Museum of American Art.

“Clem [Greenberg] me dijo que no existían zonas prohibidas para un artista”, escribe. “Me hizo sentir que tenía derecho a llevar mi obra en cualquier dirección que deseara. Desde entonces, siempre me he sentido libre de ser artista. Esa es la única categoría que realmente me ha importado. Sostengo que mi arte es más complejo de lo que cualquier etiqueta puede captar, y que las etiquetas siempre han sido más útiles para quien las aplica que para mí”.

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A principios de la década de 1970, Frank Bowling había abandonado la representación figurativa por completo para volcarse de lleno al arte abstracto puro, declarando que el género le otorgaba la mayor sensación de libertad personal y placer. Comenzó una nueva serie de obras conocidas como sus “mapas”. En lugar de rasgos geográficos literales, creó lienzos expansivos y empapados de color que contienen contornos estarcidos o serigrafiados de continentes —frecuentemente América del Sur, África y Australia— integrados en campos de colores vibrantes y vertidos. Además de servir como una exploración profundamente personal del desplazamiento y la migración, estas pinturas frecuentemente centraban el hemisferio sur, rechazando la cartografía eurocéntrica que tradicionalmente domina las perspectivas occidentales de Frank Bowling.

Al crear las pinturas, también permitía que el polvo asentado, los geles acrílicos y objetos encontrados en las riberas de los ríos coagularan sobre el lienzo. “Empiezo con una estructura, algo de geometría, alguna idea de cómo puede sostenerse la obra. Pero luego el material comienza a imponerse: su peso, la forma en que se seca, cómo refleja o absorbe la luz”, me cuenta. “Dejas que el material se afirme y encuentras la manera de trabajar con él en lugar de ir en su contra”.

También hay evidencia en sus obras del impacto de la profesión de su madre como modista y sombrerera. Frank Bowling creció observándola unir patrones y telas en su máquina de coser; un recuerdo fundamental que más tarde le llevó a experimentar con telas y lienzos cosidos.

El agua también ha influido durante mucho tiempo en su práctica. Cuando se mudó por primera vez a Londres, vivía a pocos pasos del Támesis; el loft de Brooklyn al que se mudó en 1990 miraba hacia el East River. “[Incluso ahora,] vivo a solo una calle del Támesis”, escribe. “Lo cruzo todos los días camino al estudio. Cada vez que paso por el puente, me siento atraído por la forma en que la luz se refleja y se refracta en la superficie del agua”.

Esta curiosidad sobre cómo se mueve el líquido forma la base de otro grupo de obras. Para sus icónicas “pinturas vertidas” de la década de 1970, ejemplificadas por piezas como Crevice Reflecting Morning Light (1977), que se exhibe en la muestra de Hong Kong, Frank Bowling inclinaba el lienzo para permitir que la pintura acrílica líquida cayera libremente sobre la superficie. La técnica equilibraba el control humano consciente con el azar natural, imitando el movimiento rítmico y elemental de la marea costera.

“Mi principal preocupación, incluso en el trabajo figurativo temprano, siempre ha sido lo que ocurre con la pintura misma, cómo se mueve y, por supuesto, el color, la textura y la superficie”, explica. “Ver cómo se extiende y se difumina, ver lo que surge en la superficie, dejar que la pintura tome el control —espesa y diluida, húmedo sobre húmedo— [me dio] la confianza para afirmar que el tema de la pintura es la pintura misma”.

Esta metodología fluida ha dado lugar a una diversidad asombrosa de formatos, desde pequeños lienzos cuadrados de apenas 10 cm hasta monumentales panoramas abstractos que alcanzan los 13 metros de largo, lo cual al parecer no es suficiente para Frank Bowling. “Mi padre le dijo recientemente a The Guardian que soñó que veía este cuadro de 13 metros en una iglesia y notó que, si se le añadía un ala de dos metros a cada lado, la pintura podría volar; así que se extendería hasta unos 17 metros de ancho”, comenta su hijo. “Y le dije: ‘Papá, casi en ningún lugar del mundo se puede colgar eso’. Pero esto me dice algo sobre la profundidad y la fortaleza de su ambición a los 92 años”.

El artista sigue pintando todos los días en su estudio del sur de Londres, donde cuenta con el apoyo de un equipo de 15 personas. Estos incluyen asistentes de estudio como su nieto Frederik Bowling, además de gestores, archiveros e investigadores. Aunque sus limitaciones físicas le obligan a usar una silla de ruedas, su mente y su ambición creativa permanecen sin restricciones. Dirige acciones, rocía agua y observa atentamente a sus asistentes mientras aplican pigmentos vibrantes. Su estudio recibe cada día a una inspiradora variedad de visitantes; recientemente, el diseñador de moda inglés Sir Paul Smith pasó por allí en julio para experimentar de primera mano el proceso creativo de Frank Bowling.

Tras la muestra de Hong Kong, se han trazado planes para expandir las exposiciones del artista desde Europa y Estados Unidos hacia Asia Oriental. Ben Bowling ha visitado galerías y museos en Hong Kong, Guangzhou y Shenzhen, estableciendo contacto con directores de museos y curadores en Taiwán y Japón para identificar posibles ubicaciones. Considera que esta primera muestra en Hong Kong completa finalmente un círculo que su padre soñó cuando era militar a sus 20 años pero que nunca logró, marcando el comienzo de nuevas colaboraciones para Frank Bowling.

En cuanto al artista, está apenas comenzando a explorar otra área de aguas inexploradas. “Los artistas de tinta china trabajan con agua y la técnica de húmedo sobre húmedo de formas que son notablemente similares a lo que he estado haciendo durante más de 60 años”, me comenta. “Me interesa genuinamente ver las conexiones que la gente hace al ver la obra en Hong Kong”. Aunque no puede predecir cómo experimentará el público su trabajo, considera cada nuevo encuentro artístico como una aventura.

“Es como un cuerpo de agua en el que aún no has entrado: lo pruebas con el pie, ves cómo se mueve. El agua es la sustancia de la pintura; es la sustancia de la vida; es la sustancia de la que estoy hecho”, concluye Frank Bowling.

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