Er teilte sich ein Klassenzimmer mit David Hockney – nun entdeckt Frank Bowling chinesische Tuschemalerei für seine erste Einzelausstellung in Ostasien

In einer E-Mail verrät der Künstler: “Ich bin immer auf der Suche nach Neuem. Wenn es eine Philosophie meiner Praxis gibt, dann hat sie damit zu tun, etwas Neues zu schaffen und die Möglichkeiten dessen, was Farbe bewirken kann, auszuloten. Ich möchte mit Farbe etwas erschaffen, das so noch nie gesehen wurde.”

Die Besessenheit von Frank Bowling mit der flüssigen Textur von Farbe, die in seinen gegossenen Gemälden zum Ausdruck kommt, lässt sich zumindest teilweise damit erklären, dass er sein ganzes Leben in der Nähe von Wasser verbracht hat. Er wurde in Bartica geboren, einer kleinen Stadt am Ufer des Essequibo, des größten Flusses in Britisch-Guayana.

Im Jahr 1959 schrieb er sich am Londoner Royal College of Art ein. Dort arbeitete er intensiv an Gemälden mit figurativen Elementen: Selbstporträts; Porträts seines Vaters; die sogenannte Beggar-Serie über verarmte Menschen; Gemälde von Schwänen und Frauen bei der Geburt; sowie politische Werke, darunter ein Gemälde über die Hinrichtung von Patrice Lumumba, dem ersten Präsidenten der heutigen Demokratischen Republik Kongo.

Sein rohes Talent verhalf ihm an der Kunsthochschule schnell zu großen Erfolgen – er gewann die prestigeträchtige Silbermedaille für Malerei im selben Jahr, in dem sein Kommilitone David Hockney die Goldmedaille erhielt. Doch nach seinem Abschluss sah sich Frank Bowling einer zutiefst konservativen und starren britischen Kunstszene gegenüber, die nicht wusste, wie sie mit einem postkolonialen, schwarzen Schöpfer avantgardistischer Statements umgehen sollte. In der BBC-Dokumentation Frank Bowling’s Abstract World von 2019 sagte er: “David Hockney bekam Vollzeitstellen als Dozent. Mir bot niemand eine Lehrtätigkeit an.”

Obwohl Frank Bowling einige Kontakte knüpfte und seine Arbeiten Anfang der 1960er Jahre in mehreren Ausstellungen präsentierte, blieb er von wichtigen Gruppenausstellungen ausgeschlossen; eine Vertretung durch eine britische Galerie erhielt er erst 2005. Er sehnte sich nach künstlerischer Unabhängigkeit und Freiheit; ermutigt durch Carel Weight, den damaligen Professor für Malerei am Royal College of Art, der ihm sagte: “Wenn du ein abstrakter Künstler sein willst, bleib nicht hier”, zog er 1966 nach New York.

“Ich habe mich immer geweigert, in eine Schublade gesteckt zu werden – immer”, sagt Frank Bowling. “Als ich in London anfing, fühlte ich mich durch die Erwartungen anderer eingeschränkt, durch ihren Glauben, mein Werk sei eine Art postkoloniales Statement oder habe etwas mit tropischen Farben oder exotischen Dingen zu tun. Es war wie eine Zwangsjacke. Ich sehnte mich nach Freiheit.”

“New York war enorm befreiend”, erinnert er sich. Frank Bowling tauchte in die lokale Avantgarde-Szene ein, schloss Freundschaften mit Persönlichkeiten wie dem amerikanischen Nachkriegskünstler Jasper Johns und führte einen kontinuierlichen, strengen Dialog mit dem einflussreichen Kunstkritiker Clement Greenberg, den er zur Zeit seiner Einzelausstellung 1971 im Whitney Museum of American Art kennenlernte.

“Clem [Greenberg] sagte mir, dass es für einen Künstler keine Tabuzonen gibt”, schreibt er. “Er gab mir das Gefühl, dass ich das Recht habe, mein Werk in jede Richtung zu lenken, die ich wollte. Seitdem habe ich mich immer frei gefühlt, Künstler zu sein. Das ist die einzige Kategorie, die jemals wirklich wichtig war. Ich würde behaupten, dass meine Kunst komplexer ist, als jedes einzelne Etikett erfassen kann, und dass Etiketten schon immer für denjenigen nützlicher waren, der sie anwendet, als für mich.”

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Anfang der 1970er Jahre hatte Frank Bowling die figurative Darstellung vollständig aufgegeben, um sich ganz der reinen abstrakten Kunst zu widmen, da ihm dieses Genre das größte Gefühl persönlicher Freiheit und Freude bot. Er begann mit einer neuen Werkserie, den sogenannten “Landkarten-Gemälden”. Anstelle geografischer Details schuf er weitläufige, farbgetränkte Leinwände, die die Umrisse von Kontinenten – häufig Südamerika, Afrika und Australien – enthielten, eingebettet in Felder aus leuchtenden, gegossenen Farben. Diese Gemälde dienten nicht nur als tief persönliche Auseinandersetzung mit Vertreibung und Migration, sondern rückten auch häufig die südliche Hemisphäre in den Mittelpunkt und lehnten die eurozentrische Kartografie ab, die traditionell westliche Perspektiven dominiert.

Bei der Erstellung der Gemälde ließ er auch Staub, Acrylgele und Fundstücke von Flussufern auf der Leinwand gerinnen. “Ich beginne mit einer Struktur, einer Geometrie, einer Vorstellung davon, wie sich das Ding halten könnte. Aber dann beginnt das Material, sich zu behaupten: sein Gewicht, die Art und Weise, wie es trocknet, wie es Licht reflektiert oder absorbiert”, erklärt er. “Man lässt das Material sich behaupten und findet einen Weg, mit ihm zu arbeiten, statt gegen es.”

In seinen Werken zeigt sich auch der Einfluss des Berufs seiner Mutter, die als Schneiderin und Modistin arbeitete. Frank Bowling wuchs damit auf, ihr beim Zusammenfügen von Mustern und Stoffen an der Nähmaschine zuzusehen – eine grundlegende Erinnerung, die ihn später dazu brachte, mit Stoffen und genähten Leinwänden zu experimentieren.

Auch Wasser hat sein Werk seit langem beeinflusst. Als er zum ersten Mal nach London zog, wohnte er nur einen kurzen Fußweg von der Themse entfernt; das Loft in Brooklyn, in das er 1990 zog, blickte auf den East River. “[Auch heute noch] lebe ich nur eine Straße von der Themse entfernt”, schreibt er. “Ich überquere sie jeden Tag auf meinem Weg zum Atelier. Jedes Mal, wenn ich über die Brücke gehe, zieht mich die Art und Weise an, wie das Licht auf der Wasseroberfläche reflektiert und gebrochen wird.”

Diese Neugier auf die Bewegung von Flüssigkeiten bildet die Grundlage einer weiteren Werkgruppe. Für seine ikonischen “gegossenen Gemälde” der 1970er Jahre, beispielhaft dargestellt durch Werke wie Crevice Reflecting Morning Light (1977), die in der Hongkonger Ausstellung zu sehen sind, neigte Frank Bowling die Leinwand, damit flüssige Acrylfarbe frei über die Oberfläche fließen konnte. Die Technik balancierte menschliche Kontrolle mit natürlichem Zufall aus und ahmte die rhythmische Bewegung einer Küstengezeiten nach.

“Meine Hauptbeschäftigung, selbst in den frühen figurativen Arbeiten, galt immer dem, was mit der Farbe selbst geschieht, wie sich die Farbe bewegt und natürlich der Farbe, Textur und Oberfläche”, erklärt er. “Zu sehen, wie sie sich ausbreitet und verläuft, zu sehen, was an die Oberfläche kommt, die Farbe führen zu lassen – dick und dünn – [gab mir] das Vertrauen, zu behaupten, dass das Thema der Malerei die Malerei selbst ist.”

Diese flüssige Methodik hat zu einer erstaunlichen Vielfalt an Formaten geführt, die von winzigen quadratischen Leinwänden von nur 10 cm Breite bis zu monumentalen abstrakten Panoramen von bis zu 13 Metern reicht – was anscheinend immer noch nicht groß genug ist. “Mein Vater erzählte kürzlich dem Guardian, er habe geträumt, dass er dieses 13-Meter-Gemälde in einer Kirche sehe und erkannt habe, dass das Gemälde fliegen könne, wenn man auf jeder Seite einen zwei Meter langen Flügel hinzufüge – also geht es bis zu einer Breite von etwa 17 Metern”, sagt sein Sohn. “Und ich sagte: ‘Vater, fast nirgendwo auf der Welt kann man das aufhängen.’ Aber es sagt mir etwas über die Tiefe und Stärke seines Ehrgeizes mit 92 Jahren.”

Der Künstler malt immer noch jeden einzelnen Tag in seinem Atelier in Südlondon, wo er von einem Team von 15 Mitarbeitern unterstützt wird. Dazu gehören Atelierassistenten wie sein Enkel Frederik Bowling sowie Atelierleiter, Archivare und Forscher. Obwohl er aufgrund körperlicher Einschränkungen auf einen Rollstuhl angewiesen ist, bleiben sein Geist und sein kreativer Ehrgeiz uneingeschränkt. Er dirigiert Aktionen, sprüht Wasser und beobachtet seine Assistenten genau, während sie leuchtende Pigmente auftragen. Sein Atelier ist täglich Schauplatz einer inspirierenden Reihe von Besuchern – zuletzt war der englische Modedesigner Sir Paul Smith im Juli zu Gast, um den kreativen Prozess von Frank Bowling aus erster Hand zu erleben.

Seit der Ausstellung in Hongkong gibt es Pläne, die Ausstellungen des Künstlers von Europa und den USA auf Ostasien auszudehnen. Ben Bowling besucht derzeit Galerien und Museen in Hongkong, Guangzhou und Shenzhen und nimmt Kontakt zu Museumsleitern und Kuratoren in Taiwan und Japan auf, um potenzielle Standorte zu identifizieren. Er sieht diese erste Ausstellung in Hongkong als Abschluss eines Kreises, von dem sein Vater als Soldat in seinen 20ern träumte, den er aber nie erreichte; zudem ist es der Auftakt für neue Kooperationen.

Was den Künstler selbst betrifft, so beginnt er gerade erst, ein weiteres Gebiet in unerforschten Gewässern zu erkunden. “Chinesische Tuschemaler arbeiten mit Wasser und der Nass-in-Nass-Technik auf eine Weise, die derjenigen bemerkenswert ähnlich ist, die ich seit über 60 Jahren praktiziere”, sagt er. “Ich bin wirklich gespannt darauf, welche Verbindungen die Leute herstellen werden, wenn sie die Werke in Hongkong sehen.” Obwohl er nicht vorhersagen kann, wie die Menschen seine Arbeit wahrnehmen werden, betrachtet er jede neue künstlerische Begegnung als eine Art Abenteuer.

“Es ist wie ein Gewässer, in das man noch nicht gestiegen ist: Man testet es mit dem Fuß, man sieht, wie es sich bewegt. Wasser ist das Material der Farbe; es ist das Material des Lebens; es ist der Stoff, aus dem ich gemacht bin.”

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