Art Basel Hong Kong 2026 : 7 artistes à ne pas manquer, de Leelee Chan à Bernar Venet

La nouvelle animation de l'artiste Shahzia Sikander, née au Pakistan et basée à New York, intitulée 3 to 12 Nautical Miles (2026), commandée par M+ et Art Basel et présentée par UBS, ornera la façade du M+ jusqu'au 21 juin. Créée à partir d'images peintes à la main, elle retrace les histoires enchevêtrées de l'empire et de la puissance maritime au XIXe siècle, de l'Inde moghole à la Chine des Qing et à l'expansion commerciale britannique. Grâce à un mouvement et un symbolisme exquis, Sikander examine l'interaction entre l'autorité, l'extraction coloniale et les échanges culturels à travers les océans. Ses visuels lumineux et ses recherches historiques se fondent en une méditation sur les héritages mondiaux du commerce, du pouvoir et de la résistance artistique.

Mieux connu pour transformer la piscine de banlieue en art conceptuel, l'artiste hongkongais Chan Wai Lap explore la mémoire, l'aspiration et les loisirs dans la vie urbaine. Représenté par Gallery Exit, Chan présente une nouvelle installation pour UBS Art Studio : Mimimomo Pool (2026), qui s'inspire d'une expression cantonaise ironique dépeignant un état lent et apathique, invitant les visiteurs à faire une pause et à trouver du répit au milieu du rythme effréné d'Art Basel Hong Kong. La pièce prolonge sa fascination pour la répétition et l'espace public. Comme ses autres motifs, son œuvre immersive invite les spectateurs à entrer physiquement et émotionnellement dans l'œuvre — transformant la piscine, symbole de récréation, en une réflexion sur l'identité collective.

L'artiste japonaise Kei Imazu, représentée par Anomaly (Tokyo), mêle peinture à l'huile traditionnelle et composition numérique pour construire des récits visuels superposés. Désormais basée à Bandung, en Indonésie, Imazu puise dans les archives locales et les histoires écologiques pour fusionner le mythe et la modernité. Ses toiles vives réassemblent l'imagerie coloniale, la transformation industrielle et les motifs mythologiques, suggérant des cycles de destruction et de renaissance. Dans ses travaux récents, elle explore comment l'observation personnelle et l'histoire collective s'entremêlent, à la fois humaines et environnementales. Faisant le pont entre peinture, sculpture et vidéo, la pratique d'Imazu capture habilement la tension fluide entre la mémoire naturelle et l'interférence technologique.

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La sculptrice hongkongaise Leelee Chan, représentée par Capsule Shanghai en collaboration avec Klemm's (Berlin), reconfigure les débris urbains en constellations poétiques de texture et de forme. Lauréate du prix BMW Art Journey en 2020, les sculptures de Chan unissent vestiges industriels, matériaux naturels et reliques culturelles pour interroger le temps, la transformation et le progrès humain. Son processus tactile transforme la ferraille, les coquillages et le béton en compositions semblables à des reliques qui traversent l'histoire et le futur. À travers ces juxtapositions fragiles, Chan explore l'empathie matérielle et le dialogue silencieux entre le monde bâti et le monde naturel — une ode au tissu urbain changeant de Hong Kong.

L'artiste basée à Londres Steph Huang réfléchit à l'économie mondiale et aux échanges culturels à travers des matériaux qui défient la perception. Utilisant du verre forgé à la main, de la cire ou du métal coulé, Huang transforme des objets ordinaires en réflexions surréalistes sur le capitalisme et la consommation — imaginez un chariot de supermarché écrasé, une tête de cochon robotique diseuse de bonne aventure ou des pieds de cochon en cire de bougie. Ses installations révèlent les contradictions de l'artisanat fait main à l'ère de la production de masse, explorant les intersections du commerce colonial, de l'industrie alimentaire et des conséquences environnementales. Lauréate des Taipei Art Awards (2022) et du Henry Moore Foundation Artist Award (2023), les œuvres minimalistes mais chargées de Huang apportent un esprit discret et une beauté troublante aux formes quotidiennes.

L'artiste basée à Shanghai Bi Rongrong — lauréate du prix Sigg 2025 au M+ — traduit l'architecture et la nature en structures tissées lumineuses. Formée à la peinture traditionnelle chinoise, elle déconstruit les motifs ornementaux, les réassemblant en textiles, LED et compositions en verre. Son œuvre Stitched Urban Skin (2022) entrelace le métal industriel avec la broderie et la lumière pour évoquer des paysages urbains transformés par le mouvement organique. Les œuvres de Bi mêlent artisanat et rythme numérique, équilibrant le dur et le doux, l'urbain et le naturel. Au sein de ses espaces superposés, la ligne d'horizon de Hong Kong trouve une harmonie avec les fils de la tradition — une poésie visuelle tissée dans la lumière contemporaine.

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