O estilista indiano Sabyasachi inaugura sua maior flagship e revela os bastidores de sua coleção de alta joalheria com o The Met

Josh Romm, que lidera o licenciamento global no Met, descreveu a parceria de forma semelhante: “Existe uma afinidade orgânica entre a missão do nosso programa de licenciamento — alcançar novos públicos e educar sobre a arte — e o trabalho que Sabyasachi faz. Temos 19 departamentos curatoriais e mais de dois milhões de obras de arte que abrangem 5.000 anos. Esta colaboração perdurará.” Cada departamento com o qual Sabyasachi trabalhou o acolheu, acrescentou Romm, “porque a história que ele conta é verdadeira sobre este ser um período de convergência.”

Convergência é, de fato, o resumo do design. A regra do Met era rigorosa: inspire-se, nunca replique. “Quase nada do que usamos era originalmente uma joia,” disse Sabyasachi. “Eram esculturas, pilares, moedas, urnas funerárias, e nós os convertemos em joalheria.” Para equilibrar o antigo e o contemporâneo, ele fundiu ouro de 18k e 22k em uma única peça — 18k para o que chama de “estruturas industriais e modernas”, e 22k esculpido para carregar a “sabedoria do velho mundo”. Foi, segundo ele, um pesadelo técnico. “As quatro primeiras peças que fizemos desmontaram. Não contamos a ninguém. Não funcionava até que dominamos o mecanismo.” Até a cor do ouro teve que ser recriada: ligas enviadas da Itália foram rejeitadas e refeitas especificamente para o projeto Sabyasachi.

As pedras também levaram tempo para serem obtidas. Ele pediu a uma oficina de lapidação de 150 anos em Jaipur que reativasse máquinas esquecidas, mostrando fotos de diamantes brutos e rubis lapidados à mão. “O dono disse que teriam que reprogramar o DNA da fábrica para que isso acontecesse.” Depois, veio a tarefa mais difícil: encontrar gemas que ninguém queria. “Inclusões são consideradas um defeito hoje em dia, porque todos querem pedras tão polidas que parecem sintéticas. Mas, se você olhar para esmeraldas e espinélios mogóis, eles têm nuvens e inclusões que lhes conferem melancolia. Então, eu ia aos fornecedores e dizia: mostrem-me o que ninguém quer.”

Por trás de tudo, reside uma filosofia sobre quem é valorizado. “Artesãos não são pessoas transacionais,” disse Sabyasachi. “Eles têm orgulho em manter o legado iniciado por seus antepassados. A melhor maneira de pagar um artesão é dar-lhe a oportunidade de excelência — com seguros, saúde e um ecossistema sustentável.” É uma conexão direta com sua preocupação recorrente de que o artesanato indiano possa desaparecer se o patrocínio cessar: “Se o ofício pular uma geração, ele nunca mais volta.”

O que mais o surpreendeu, ao traçar a cravação de pedras e mosaicos do Império Bizantino até Bengala, foi a familiaridade. Antes de chegar aos seus próprios designs, ele rastreou o vocabulário até às raízes: o Navratna, a configuração de nove pedras astrológicas, baseada na técnica Jadau, uma das formas mais primitivas da Índia, junto com cravações em garra de tigre e engastes martelados à mão. “Há tanta semelhança entre a joalheria bengali e a siciliana. Há muito uso de pérolas e filigrana em ambas.” Antes da industrialização, argumentou Sabyasachi, era a técnica, e não a riqueza, que moldava a peça. “As coisas eram feitas com base na capacidade humana. Embora a forma pudesse variar, a técnica era a mesma.” Ele sobrepôs influências georgianas e vitorianas, técnicas Jarao do Rajastão e joalheria de templos do Sul da Índia sobre uma base bizantina, incluindo, em uma peça, um tigre real de Bengala sobre uma moeda islâmica do século XVII. “Tudo era global,” disse ele, “mas fabricado de um ponto de vista muito centrado em Calcutá.”

Ele é notavelmente lúcido sobre o seu legado. “Não tenho arrogância pessoal no que toca à criação. Não sou um designer — sou um barqueiro entre o passado e o presente. Não quero ser lembrado por criar algo novo, mas como alguém que contribuiu para a continuidade.” É por isso, segundo Sabyasachi, que ele escolheu Bizâncio para sua estreia global. “Bizâncio foi um verdadeiro epicentro de intercâmbio global. A Índia e o seu legado fluíram para lá.”

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Ele estava, por sua própria admissão, mais nervoso ao conhecer os curadores do Met do que diante de qualquer jornalista em vinte e cinco anos. “Sempre tive um complexo de impostor,” confessa Sabyasachi. Muitos pensamentos surgiram antes da apresentação à equipe do Met: “Eu deveria ter ido à universidade, deveria ter estudado história. Mas eles foram tão gentis comigo.” O que ele absorveu ao vê-los trabalhar — restaurando objetos manualmente sob microscópios, durante meses, com luvas e calma — foi, em suas palavras, uma lição de integridade. “Quando você tenta construir algo com integridade, às vezes sente-se sozinho. Mas observar a integridade do Met em preservar objetos me fez pensar: está bem. Serei mais íntegro no meu negócio. Esse é o único caminho a seguir.”

Antes de partir, perguntei o que ele gostaria que as pessoas levassem deste ano, tanto da loja quanto da coleção. Sabyasachi não hesitou: “Visitem mais museus. Lá reside a verdade sobre quem vocês são e de onde vieram.”

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