Il couturier Sabyasachi inaugura la sua boutique più grande e svela la genesi della collezione di alta gioielleria per The Met

Josh Romm, che guida le licenze globali e le partnership presso il Met, si è unito alla nostra conversazione descrivendo la collaborazione in modo diverso, ma convergendo sullo stesso punto: “C’è una reale affinità organica tra la missione del programma di licenza — raggiungere nuovi pubblici, educare le persone in tutto il mondo sull’arte — e ciò che fa Sabyasachi. Abbiamo 19 dipartimenti curatoriali in totale e oltre due milioni di opere d’arte che coprono 5.000 anni. Tutto questo sopravviverà nel tempo.” Ogni dipartimento approcciato da Sabyasachi, ha aggiunto, lo ha accolto sia individualmente che collettivamente, “perché la storia che racconta Sabyasachi è autentica: si tratta di un periodo di grande convergenza culturale.”

La convergenza è, di fatto, l’intero brief di design. La regola del Met era severa: trarre ispirazione, mai replicare. “Quasi nulla di ciò che abbiamo usato era inizialmente un gioiello”, ha detto Sabyasachi. “Si trattava di una scultura, una colonna, una moneta, un reperto funerario, che noi abbiamo trasformato in gioielli.” Per coniugare l’antico e il contemporaneo, ha fuso oro 18 carati e 22 carati in un unico pezzo: l’oro 18 carati per quelli che definisce elementi strutturali “industriali, moderni e audaci”, e il 22 carati scolpito per trasportare quella che ha descritto come “saggezza del vecchio mondo”. È stato, secondo il suo stesso racconto, un incubo tecnico. “I primi quattro pezzi realizzati sono caduti a pezzi. Non l’abbiamo detto a nessuno. Non funzionava finché non abbiamo perfezionato il meccanismo.” Persino il colore dell’oro ha dovuto essere ricostruito da zero: le leghe inviate dall’Italia sono state rifiutate e rifatte specificamente per la collezione Sabyasachi.

Il reperimento delle pietre ha richiesto altrettanto tempo. Ha chiesto a un laboratorio di taglio di Jaipur, attivo da 150 anni, di riesumare macchine ormai inutilizzate, mostrando al proprietario fotografie di diamanti tagliati nelle miniere di carbone e rubini tagliati a mano. “Mi ha detto che avrebbero dovuto riscrivere il DNA della fabbrica per riuscirci.” Poi è arrivato il compito più arduo: trovare gemme che nessuno voleva. “L’inclusione è considerata un difetto oggi, perché tutti vogliono pietre così lucide da sembrare sintetiche. Ma se guardate gli smeraldi e gli spinelli Mughal, hanno nuvole e inclusioni che donano loro un senso di malinconia. Quindi andavo dai fornitori di pietre e chiedevo: mostratemi ciò che nessuno vuole.”

Dietro tutto ciò si cela una filosofia su chi viene pagato e come. “Gli artigiani non sono persone transazionali”, ha detto Sabyasachi. “Sono orgogliosi di sostenere l’eredità iniziata dai loro antenati. Il modo migliore per retribuire un artigiano è dargli l’opportunità di eccellere — prestiti per la casa, assicurazione medica, assicurazione sulla vita, un ecosistema.” È un pensiero che si collega direttamente alla visita del negozio e alla sua preoccupazione ricorrente che l’artigianato indiano possa svanire in una sola generazione se il patrocinio venisse meno: “Se l’artigianato salta una generazione, non torna mai più.”

Ciò che ha sorpreso maggiormente Sabyasachi, tracciando il percorso dall’incastonatura delle pietre bizantine e l’arte musiva fino al Bengala, è stata la familiarità di tutto ciò. Prima di giungere ai propri design, ha rintracciato il vocabolario fino alle radici — Navratna, l’incastonatura di nove pietre preziose astrologiche in un unico pezzo, basata sul lavoro Jadau, una delle forme più primitive di incastonatura indiana, accanto a montature ad artiglio di tigre e castoni battuti a mano. “C’è molta somiglianza tra la gioielleria bengalese e quella siciliana. In entrambe c’è un uso abbondante di perle e filigrana.” Prima dell’industrializzazione, ha sostenuto, era la tecnica piuttosto che la geografia o la ricchezza a plasmare un gioiello. “Le cose venivano realizzate diversamente basandosi solo sulla capacità finanziaria. Ma c’è stato un tempo in cui il campo da gioco era equo, perché tutto era fatto da mani umane; le forme potevano apparire diverse, ma la tecnica era identica [tra le regioni].” Ha stratificato influenze georgiane e vittoriane giunte nel Bengala tramite gli inglesi, tecniche Jarao del Rajasthan e motivi dei templi dell’India del Sud su una base bizantina — includendo, in un pezzo, una tigre reale del Bengala incastonata su una moneta islamica del XVII secolo. “Tutto era globale”, ha detto Sabyasachi, “ma fabbricato da un punto di vista molto calquettese.”

È insolitamente lucido, per un designer del suo calibro, riguardo a ciò che desidera si dica di lui tra cinquant’anni. “Non ho hubris personale quando si parla di creazione. Non sono un designer — sono un traghettatore tra il passato e il presente. Non voglio essere ricordato per aver creato qualcosa di nuovo. Voglio essere ricordato come qualcuno che ha contribuito alla continuità.” È per questo, ha spiegato, che ha scelto Bisanzio piuttosto che un debutto focalizzato solo sull’India. “Bisanzio era un vero epicentro di scambi globali. L’India e il suo sottogruppo vi confluivano — ovunque nel mondo vi confluiva.”

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Sabyasachi ha ammesso di essere stato più nervoso nell’incontrare i curatori del Met che di fronte a qualsiasi giornalista o cliente affrontato in venticinque anni. “Ho sofferto della sindrome dell’impostore per tutta la vita”, racconta. Tanti pensieri lo hanno assalito prima dell’incontro con il team del Met: “Avrei dovuto andare all’università, avrei dovuto studiare storia. Ma sono stati così gentili con me”. Ciò che ha tratto osservando il loro lavoro — restaurare oggetti a mano sotto microscopi, per mesi, con i guanti e senza fretta — è stata, a suo dire, una lezione di integrità. “Quando cerchi di costruire qualcosa con integrità, a volte ti senti solo, perché vedi molte persone intorno a te che non ne hanno. Poi guardi l’integrità del Met nel preservare le cose e pensi: va bene, mi impegnerò ancora di più per la mia attività. È l’unica strada da percorrere.”

Prima di andare via, gli ho chiesto cosa vorrebbe che le persone traessero da quest’anno, sia dalla boutique Sabyasachi che dalla collezione. Non ha esitato. “Andate più spesso nei musei. Lì risiede la verità su chi siete e da dove venite.”

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