Cover Le code vestimentaire du Met Gala confirme que la mode est un art. Nous examinons les créateurs iconiques qui ont transformé les chefs-d'œuvre de musée en architecture portable (Photo : metmuseum.org)
Le code vestimentaire du Met Gala confirme que la mode est un art. Nous examinons les créateurs iconiques qui ont transformé les chefs-d'œuvre de musée en architecture portable (Photo : metmuseum.org)
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Le code vestimentaire du Met Gala déclare “la mode est un art” cette saison ; nous examinons les créateurs emblématiques qui ont les premiers franchi cette frontière.
Le Met Gala annuel sert de point de rencontre principal entre l'industrie mondiale de la mode et le monde de l'art institutionnel. En tant que principale collecte de fonds pour le Costume Institute du Metropolitan Museum of Art, le gala explore divers thèmes qui élèvent les vêtements de simples habits au statut de “Costume d'Art”. Cette année, l'exposition étudie comment les créateurs manipulent les textiles pour refléter les mouvements des beaux-arts, imposant un code vestimentaire intitulé la mode est un art. Ce concept suggère qu'un vêtement peut exister en tant que chef-d'œuvre en trois dimensions plutôt que comme un simple produit commercial.
Avant que le tapis rouge ne se déroule et que les premiers invités ne gravissent les marches du Metropolitan Museum of Art, nous examinons l'alchimie technique derrière le code vestimentaire de cette saison. Suggérer que la mode est un art, c'est reconnaître une lignée de créateurs qui ont refusé de traiter le corps comme un simple mannequin, choisissant plutôt d'en faire une extension structurelle de la toile. Des géométries rigides du modernisme néerlandais à la violence fluide d'une estampe japonaise, ces moments d'archives servent de modèle pour une soirée dédiée à la silhouette habillée en tant qu'objet de collection.
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Christian Dior & Hokusai (2007)
La collection Haute Couture Printemps 2007 de John Galliano pour Dior explorait un hommage structurel à l'art japonais. Plutôt que d'appliquer un imprimé graphique de l'œuvre “La Grande Vague de Kanagawa” de Katsushika Hokusai, Galliano a traduit la puissance et la courbe de l'estampe de l'époque d'Edo dans la silhouette des vêtements. Les cols et les jupes présentaient des techniques complexes de pliage pour créer d'immenses crêtes blanches et bleues. Ces vagues de tissu imitaient l'écume et les embruns de l'œuvre originale du 19e siècle. En transformant la vague en une forme physique, la collection a prouvé que la mode est un art à travers le prisme de la couture architecturale.
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Elsa Schiaparelli & Salvador Dalí (1937)
La collaboration entre Elsa Schiaparelli et Salvador Dalí a donné naissance à la Robe Homard de 1937, un exemple fondamental de la mode surréaliste. Cette robe du soir en organza de soie blanche présentait un grand homard rouge peint par Dalí. L'emplacement du crustacé était intentionnellement provocateur, reflétant l'intérêt surréaliste pour le subconscient et la juxtaposition d'objets banals avec l'élégance formelle. Portée par Wallis Simpson lors d'une séance photo pour Vogue, la robe a fonctionné comme une pièce de critique sociale avant-gardiste. Ce vêtement reste un point de référence majeur pour ceux qui affirment que la mode est un art en raison de ses origines directes dans le mouvement surréaliste.
Yves Saint Laurent & Piet Mondrian (1965)
La collection Automne/Hiver 1965 d'Yves Saint Laurent a introduit la robe droite Mondrian, devenue l'une des intersections les plus reconnues entre la mode et les beaux-arts. Saint Laurent a adapté les peintures néo-plasticistes de Piet Mondrian, en particulier “Composition avec rouge, bleu et jaune”, sur une robe en laine sans manches. La conception reposait sur une construction complexe et des coutures invisibles pour garantir que les grilles noires rigides et les blocs de couleurs primaires ne soient pas déformés par les courbes du corps. Cette approche transformait celle qui la portait en une toile vivante, consolidant davantage la conviction que la mode est un art dans le contexte du modernisme du 20e siècle.
Viktor & Rolf & Action Painting (2015)
Pour leur défilé Wearable Art de l'automne 2015, Viktor & Rolf ont exploré les frontières physiques entre une toile et un vêtement. La collection s'est inspirée de l'Action Painting et des techniques d'artistes comme Jackson Pollock. Les mannequins sont apparus dans des cadres rigides et dorés qui soutenaient des tissus éclaboussés rappelant le sol d'un atelier. Pendant la présentation, les créateurs ont décroché ces cadres des mannequins pour les accrocher sur le mur d'une galerie. Cette performance artistique a mis en évidence la transition littérale d'un vêtement en tant qu'objet de mode en 3D vers une œuvre d'art murale en 2D, remettant en question la définition traditionnelle de l'utilité vestimentaire.
Moschino & Pablo Picasso (2020)
La collection Printemps 2020 de Jeremy Scott pour Moschino a servi d'hommage au mouvement cubiste mené par Pablo Picasso. Les vêtements ont été conçus pour ressembler à des peintures plates et déformées, utilisant des tissus rigidifiés pour créer des effets bidimensionnels sur la forme humaine. Scott a incorporé des coups de pinceau peints et des formes asymétriques qui faisaient directement référence à l'œuvre “Les Demoiselles d'Avignon” de Picasso. En déconstruisant le sujet et en le présentant sous plusieurs angles à la fois, la collection a traduit avec succès la philosophie esthétique du cubisme dans une garde-robe moderne, prouvant que la mode est un art lorsqu'elle défie la perception de la perspective et du volume du spectateur.
Alexander McQueen & Jérôme Bosch (2010)
Dans sa dernière collection, intitulée “Angels and Demons”, Alexander McQueen s'est tourné vers la Renaissance nordique pour trouver l'inspiration. Il a utilisé l'impression numérique pour envelopper le corps de scènes du triptyque du 15e siècle de Jérôme Bosch, “Le Jardin des délices”. Ces représentations complexes et chaotiques du paradis et de l'enfer ont été appliquées à des vêtements hautement structurés, notamment des vestes et des robes. La collection a comblé le fossé entre l'émerveillement religieux de la fin de la période gothique et la précision de la couture moderne. L'utilisation par McQueen de ces chefs-d'œuvre historiques a permis aux vêtements de porter un poids narratif généralement réservé aux peintures de qualité muséale.
Rodarte et Vincent van Gogh (2012)
La collection Printemps 2012 de Rodarte, conçue par Kate et Laura Mulleavy, s'est concentrée sur les qualités texturées et émotionnelles des œuvres post-impressionnistes de Vincent van Gogh. Les créatrices ont traduit les épais coups de pinceau en empâtement de peintures telles que “La Nuit étoilée” et “Les Tournesols” en textiles tactiles. Cela a été réalisé grâce à l'utilisation de soie superposée, de paillettes et de broderies complexes qui imitaient le mouvement tourbillonnant de la peinture à l'huile. L'esthétique a dépassé la simple reproduction visuelle en utilisant la manipulation des tissus pour recréer la profondeur physique et l'intensité des toiles de Van Gogh. En capturant l'énergie turbulente de la main de l'artiste, la collection a réaffirmé que la mode est un art lorsqu'elle se concentre sur l'expérience viscérale du médium.
Chonx Tibajia est rédactrice en chef adjointe au sein de l'équipe T-Labs de Tatler Asia, où elle écrit sur divers sujets liés au style de vie, notamment la beauté, la mode, les loisirs et les voyages. Journaliste de longue date, elle a notamment été chroniqueuse au Philippine Star et est la fondatrice de la plateforme créative Pineappleversed. Outre Tatler, ses articles paraissent dans des publications régionales spécialisées dans le style de vie et les affaires, témoignant d'une grande diversité de sujets, allant des tendances beauté aux guides de voyage en passant par les articles culturels.
